#展览资源# 德国艺术家卡塔琳娜•格罗斯(Katharina Grosse)在萨尔布吕肯的现代画廊(Moderne Galerie)举办的画展“剑状的云”(Wolke in Form eines Schwertes)展出了她的同名系列油画。格罗斯是当代最受瞩目的女画家之一，尤其以大型绘画干预项目和场域性的景观作品闻名。她以独特的喷绘技巧将工业制造的丙烯漆料覆盖房屋围墙或树木、草坪及沙滩，将鲜受关注的场地挪为己用并改变我们打量这些地点的视角。格罗斯的这些创作探索了当代图像的组成元素，尤其是“在将我们持续包围的图像信息的洪流中，必须发生什么才能使图像能够被感知”的问题。在创作这些室内或户外空间绘画的同时，格罗斯也始终在画布上作画。

系列作品《剑状的云》中尤为醒目的是，画布通过被缝上或垂下的帆布残片——特别是通过整合到画面中的树枝树杈而扩展到第三维度。格罗斯的喷绘技巧遵循着大幅度的伸展运动，从画面外部开始，最终也让紧密并置、倾斜走向的彩色条带停留在画布之外。由于艺术家是身体在创作时不同以往地紧挨画布，画布上形成了浓厚的颜料团和颜料层，这赋予图像本身一种强烈的空间特质。此外，她将颜色限制到相当简要的程度，这些色彩在该系列的所有作品中被反复斟酌，由此造成了每幅油画仿佛作为唯一一块大尺幅画布的一部分的印象，它如同一片风景在我们面前延伸。分布在澳大利亚南部和新西兰的曼努卡树（御柳梅）的树枝被结绳固定到画布上，和风景画建立起直接联系。这些植物也生长在格罗斯创作这些作品的新西兰工作室附近。它们以尤为细密的枝条分叉著称，这一点也在油画的色彩构成和立体效果方面发挥着重要作用。由此一来，它们被偏冷峻的人工性色调涂盖的形状并非是对大自然的浪漫指涉，而是更多地作为尚未承载起特殊意义的崭新美学结构。

作品标题《剑状的云》是对意大利哲学家和政治学家安东尼奥•奈格里(Antonio Negri)的援引，表达出一种同样作为格罗斯作品基础的呼吁：按照艺术家本人的说法，即“对我在这个世界可能体验的内容保持一种极端开放性的要求。恰恰并非（仅仅）看到我认识的东西，而是在不带成见的情况下感知事物，在云朵里看到一把剑，或者截然不同的东西。” 卡塔琳娜•格罗斯1961年出生于德国弗莱堡，现居柏林和新西兰两地。她曾就读于明斯特和杜塞尔多夫艺术学院，并在2000至2018年间前后担任柏林白湖艺术大学和杜塞尔多夫艺术学院的教授。早在大学初期，露天环境已经在格罗斯的艺术中扮演着重要角色，并至今影响着她和自然与景观的关系。在此方面，她以罗伯特•史密斯森或朱迪•芝加哥等美国艺术家为参照，以最极端和开放的形式创作风景画。她并没有展现生活空间和景观本身的面貌，而是让我们看到它们在使其变得特别的特定时刻具有的可能状态。

评论区附该展览完整实拍121张，含每件作品的海量细节特写！另外，我之前还发布过卡塔琳娜•格罗斯在柏林汉堡火车站——当代艺术博物馆的特展“这不是我们干的”的展览资源，详见https://t.cn/A6SMQsiU 望转发[可怜]

【「负担得起的艺术」 艺术文化新力量】
云集世界各地60间艺术画廊作品，让本地普罗艺术爱好人士也可以买回家中欣赏，打破传统艺术收藏品高不可攀的印象。今届Affordable Art Fair(8月4-7日)展出过千件当代艺术作品，价格多围绕几千至一万港元，为艺术收藏展示带来崭新体验，难怪吸引逾千市民入场参观。

图一：刚在香港会议展览中心举行的Affordable Art Fair，已举行了9届。
图二：展会开幕日吸引超过5,000人到场，参观人士为拣选心头好都专心致志，细心欣赏。
图三：展览展出逾50家香港参展单位的作品，见证本地艺术力量。
图四：本地当代艺术家Pong Kate笔下的「菠萝」。
图五：意大利艺术家Roberta Boffo，作品以塑料彩、墨水和颜料笔为主，线条复杂但构图和谐。
图六：场内摆满不同风格的作品，令人目不暇给。
图七：由于展售作品价格相宜，揭幕日单日便售出超过200件艺术品。
#香港# #香港品牌# #亚洲国际都会# #文化艺术# #艺术# #affordableartfair#

在大得画廊《手感超链接》展览中，策展人胡斌这样评价：“劳大伦以细腻的铅笔或油彩手绘的方式塑造出貌似电脑三维建模的视觉形象，他甚至要以此建立关于绘画史的另一体系。”而劳大伦对于自己作品的思考，也恰恰证明了这是一种自我饱和度很高的语言。

Lodtalad音译为两个名字，劳大伦与洛德·塔·拉德，前者为lodtalad与劳家辉的合并，有时交替使用，后者状态不明。但可看出的是，他们都是LODTALAD。他们不属于我们这个物质世界，而是来自于世界的另一侧，有着自身的底层逻辑，观看视野和理解逻辑。劳大伦解释名字中“LOD”的含义，其即Levels of Detail的简称，意为多细节层次。LOD技术指根据物体模型的节点在显示环境中所处的位置和重要度，决定物体渲染的资源分配，降低非重要物体的面数和细节度，从而获得高效率的渲染运算。市场中使用LOD技术的软件、电子游戏并不少见，在尽可能保证游戏大场景原汁原味的前提下，保证所有玩家能一起体验游戏所带来的乐趣。

劳大伦发现，当人们使用不同清晰度的内部图像匹配矢量模型边线时就像是这个“LOD”的过程。2016年，本着需要准备毕业作品的念头，劳大伦环顾四周和艺术世界给他的印象，意识到自己这种融入“LOD”思维的创作模式似乎开拓了一个崭新的领域，找到了一件没有人做的事情。从2017年开始，劳大伦发现在这个领域中还看不见其他人，因此感到强烈的孤独感，伴随着不被人理解的感受，悲观的情绪也开始反映在画面中，画面大多有着孤感和大篇幅留白。如他本人所言：“这种特征作用在肖像上的信息反作用于我，我也开始排斥它”。在接下来的两年中，劳大伦的创作进程经历了“独自前行”的压迫感，也认为在“LOD”模式的创作思维中，素描基础和立体基础的探究已经完成。虽然淡色类和国风派分支清晰出来了，劳大伦的作品带着这份清冷高级的孤傲感，却清晰的意识到肖像的色彩基础还没能表达出来。而此时的劳大伦已经丧失了感知色彩的能力了，于是他暂时止步了继续探索的道路。2021年，停止了产生过度的负面情绪、将重心重新放在感受生活上的劳大伦开始产生新的感知。受到周遭人事物感染的他意识到，当下人们也许应该汇聚成一股强大力量，实现共赢，使个人理想与集体理想相结合，共同实现更广阔的未来。劳大伦发现，越来越多人开始在这个领域发展，让他终于看到自己不再是孤身一人。这个现象也让劳大伦产生了信心，即，人们对这种形式的认可，传递了其可能成为一种真理念想的星火。

纵观劳大伦的创作历程，从2016年开始，他便开始沉浮在有关“无我”的基础探究中；而当时间来到如今时，劳大伦发现，视觉上造型基础部分的逻辑，结合三维图形学、游戏发展史、三维游戏基本风格类型的内容编撰，体现于每幅画自身微观的表达上。劳大伦的作品媒介更是包括了纸本铅笔素描、电子绘画，布面色彩等多种材质。他总结道：“当元素们总体结合时，便是对于LOD肖像画的底层探究。”

此次在大得画廊的展览，劳大伦也为我们提供了不同的视角切入点来进入他的逻辑体系中。劳大伦的本体是个90后，所以他的生活轨迹是线上线下同时进行的。线上的他是可以生活的、交友的、玩游戏的，而线下则是他自己本人。这次劳大伦的作品，可以笼统的分为两个系列，一个叫“表皮”，一个叫“内里”。“表皮”是眼前能看到的，人物造型全部的方格化、赛格化，并用彩铅的形式进行描绘。比如作品《往昔岁月》、《洛德塔拉德中模》。作品《重叠》中的这只眼睛，就如同一个表皮撕开往里洞视的视角，再次强调了“表皮”的存在。这三幅作品与他创作的父亲画像、他的自画像，全部都是关于“表皮”的研究、人物结构造型的研究。而代表“内里”创作角度的作品《洛德星系》，是劳大伦本次展览所带作品中媒介运用最为复杂的一幅。画面中使用了荧光材料，白天远看时像一片星空，而到了夜晚则会发光。事实上，《洛德星系》的构图实则跟人体内里的经络、结构挂钩。“表皮”和“内里”这两种语言，交织形成了劳大伦的创作主线，而他作为90后的表达，构建出的类似于元宇宙的逻辑系统，也是非常耐人寻味的。这个世界是以劳大伦为依托创建而生的，美术史上的经典作品在这种语境下也全部可以被他赛格化、数字化。劳大伦作为创作者，同时也可以实现在线上的生存。而这种互相依附生长的创作模式，则已经越来越被大众所观察到了。 https://t.cn/A6fNbALr