【“剧本杀电影”,仅仅还是标签？】近日，电影界窜出一匹票房黑马。截至发稿前，《扬名立万》票房已经突破4亿，豆瓣评分稳定在7.6分。而据灯塔专业版数据，映前的预测票房基本在1亿上下，显然大大超过预期。
不光市场和口碑收获良好，电影《扬名立万》也带出了一个“剧本杀电影”的概念。这部电影预告之初，就打出了“真正的剧本杀”的名号，预告片中，“一桩惊天大案”“凶案现场重现”“追溯幕后真相”“凶手现场还原”等字眼，也像是真的将社交游戏剧本杀搬到了大银幕上。
似乎着意将这一新类型立起来，连同之前上映的《不速来客》《秘密访客》《悬崖之上》等，都被纳入了“剧本杀电影”的行列。借着剧本杀游戏的风靡，形形色色的“剧本杀电影”也渐有爆发的势头，但其中虚实成分究竟有几何？
打着剧本杀噱头的悬疑电影
电影以民国为背景，一群不得志的电影人在上海大亨陆子野的邀请下聚集在一个被废弃的夜总会，其中有被迫从记者转行而来的编剧，有被时代淘汰的默片皇帝，有过气的女明星，有拍一部烂一部的导演，也有在好莱坞备受歧视的武术替身，他们欲将轰动上海的“三老案”拍成电影，借此扬名立万。随着讨论的深入，他们发现自己正身处案发现场并且无法逃离，而凶手就在他们身边……
一群身份不同、各怀心思的人，一个无法逃离的密闭环境，圆桌式的讨论场景，一桩命案，一个凶手，一个需要还原的真相，实景搜查探案……单看这些，一个剧本杀游戏所需的种种要素，几乎都齐备了，甚至还附加了密室元素。而从电影叙述脉络来看，从角色出场介绍，到案件引入，众人讨论补充，再到置身案件现场，也与剧本杀游戏流程巧妙吻合。正因此，不少人将其看作“集还原、情感、密室、阵营、欢乐为一体的沉浸式剧本杀电影”。
但据导演刘循子墨的解释，所谓的“剧本杀电影”纯属无心插柳。刘循子墨在接受媒体采访时明确表示，《扬名立万》的剧本是2018年底开始写的，那时候剧本杀还没有现在这么火，自己也没玩过剧本杀。比起剧本杀，《扬名立万》的场景更像是平时开的剧本会，虽然电影后半段有一段实景探案的情节，但那并不是探案，而是以第三人称视角去看待发生的故事。
这种解释更加符合电影的实际，如果抱着“剧本杀电影”的期待去观影，那么大概率是会失望的。在电影中，凶手的身份最开始便被和盘托出，这完全悖逆了剧本杀游戏的逻辑；虽然角色众多，但主次比较分明，除了尹正饰演的李家辉之外，其他人在推理上并不主动；而且，电影中搜证、探案的成分相当微弱，反而是那些超越剧本杀形式的内容，才是最打动人的地方。从观众的反馈来看，万合天宜风格的喜剧元素，对影视行业现状的隐喻和反讽，也是被提及频次最多的内容。
至少就《扬名立万》而言，所谓的“剧本杀电影”，或许只是出于一种营销策略上的考量。在此之前，电影《不速来客》已有与“剧本杀电影”标签靠拢的意思，同样是“一间屋子”“一桩命案”“几伙人”，而相较前者而言，《不速来客》的剧本杀味更浓一些，每个角色各怀心思，视角有限，全靠碎片化的叙事来拼凑完整的故事。
“剧本杀电影”概念的频繁提及，与剧本杀当下的爆发式增长不无关系。公开数据显示，2021年上半年中国消费者偏好的线下潮流娱乐方式中，剧本杀位列第三名，前两名分别是电影和运动健身，且从比例来看，差距不大。从小众娱乐逐渐变为大众娱乐的剧本杀，开始为另一种消费形式导流，“‘剧本杀电影’这个说法能让观众马上就明白这部电影讲的是什么，可能会吸引一部分剧本杀爱好者。”剧本杀从业者文君说。
剧本杀与电影是两种不同门类
刨去个案的意义之后，再来看“剧本杀电影”，其中是否蕴含着剧本杀与电影沟通的可能性。
在文君看来，如果不管形式，单从内涵上讲，“剧本杀电影”的概念并不新鲜，大凡列举的电影，基本都是建立在阿加莎式悬疑推理的经典框架之上的变体。这种框架有个名字是“暴风雪山庄模式”，指一群人因为某种原因聚集在一个相对封闭的环境中，无法与外界取得联系，先后离奇死亡，凶手就在其中，侦探在这样的情形下进行有限度的搜查和推理。经典的小说有《无人生还》，电影则有《风声》等。
而当剧本杀作为一种成熟的游戏样式日渐普及之后，“剧本杀电影”的提法或许不单单局限于这样一种推理框架，更具有泛化的可能。
剧本杀和电影之所以能够实现联动，最重要的原因还是，剧本杀本质上也是一门讲故事的艺术，与电影或者更广泛的影视领域有着内在的相似性。近年来两者之间互相转化的例子也有不少，影视向剧本杀进军来势汹汹，电影《唐人街探案3》《刺杀小说家》《大鱼海棠》《大话西游》已经被改编成剧本杀。
这种本子甚至有专属的名字“IP本”。但总体来看，IP本市场上表现不佳，尚未见到成功的例子。就拿IP本《庆余年》来说，截至目前，在小黑探平台上共售出848本，在IP本中的销量算是居前列，但与头部剧本动辄五千以上的销量来比，仍有不小距离。而且值得注意的是，不少买家都评价道：如果看过原著或电视剧，基本上就能猜到凶手是谁，比较影响游戏体验。在其他IP本的评论区中，也能见到诸如“为了IP而IP”的声音。
可见，影视向剧本杀的转化颇有阻碍，而另一边，剧本杀向影视领域的移植还在路上，这种改编被称为“逆向改编”：从下游衍生品转化为上游作品。早前就有消息称，《年轮》将呈现为网络互动剧，这被视为剧本杀影视化的第一步。虽然结果如何尚不能得知，但光从互动剧这种改编形式上可以看出团队在剧本杀和影视间的取舍。剧本杀的多人视角，第一人称的代入感……这些游戏本身的特性通过互动剧的形式得到了保留。游戏性是剧本杀不可忽视的重要一极，而这一特性也注定了两者在转化上的不顺畅。
剧本杀和电影，毕竟还是两种不同的门类。剧本杀，难以逃出游戏的通病——套路化和程式化，而这正是电影的大忌，《扬名立万》在叙事上的初探索虽有成效，但这样的经验不能套用，类似的套路多了，就容易审美疲劳；诸如此类的，在剧本杀通向影视化上，容易发生碰撞的，还有剧本杀对角色平衡性的追求，以及角色设定上的脸谱化问题等。
这些都需要更多实践者摸着石头过河，真正意义上的“剧本杀电视剧”或者“剧本杀电影”，恐怕还得等剧本杀进一步大众化、资本更多地入局之后，才能真正落地。而在这之前，更多带有标签性质的“剧本杀电影”或许依然会源源不断地出现。（大众日报）
不光市场和口碑收获良好，电影《扬名立万》也带出了一个“剧本杀电影”的概念。这部电影预告之初，就打出了“真正的剧本杀”的名号，预告片中，“一桩惊天大案”“凶案现场重现”“追溯幕后真相”“凶手现场还原”等字眼，也像是真的将社交游戏剧本杀搬到了大银幕上。
似乎着意将这一新类型立起来，连同之前上映的《不速来客》《秘密访客》《悬崖之上》等，都被纳入了“剧本杀电影”的行列。借着剧本杀游戏的风靡，形形色色的“剧本杀电影”也渐有爆发的势头，但其中虚实成分究竟有几何？
打着剧本杀噱头的悬疑电影
电影以民国为背景，一群不得志的电影人在上海大亨陆子野的邀请下聚集在一个被废弃的夜总会，其中有被迫从记者转行而来的编剧，有被时代淘汰的默片皇帝，有过气的女明星，有拍一部烂一部的导演，也有在好莱坞备受歧视的武术替身，他们欲将轰动上海的“三老案”拍成电影，借此扬名立万。随着讨论的深入，他们发现自己正身处案发现场并且无法逃离，而凶手就在他们身边……
一群身份不同、各怀心思的人，一个无法逃离的密闭环境，圆桌式的讨论场景，一桩命案，一个凶手，一个需要还原的真相，实景搜查探案……单看这些，一个剧本杀游戏所需的种种要素，几乎都齐备了，甚至还附加了密室元素。而从电影叙述脉络来看，从角色出场介绍，到案件引入，众人讨论补充，再到置身案件现场，也与剧本杀游戏流程巧妙吻合。正因此，不少人将其看作“集还原、情感、密室、阵营、欢乐为一体的沉浸式剧本杀电影”。
但据导演刘循子墨的解释，所谓的“剧本杀电影”纯属无心插柳。刘循子墨在接受媒体采访时明确表示，《扬名立万》的剧本是2018年底开始写的，那时候剧本杀还没有现在这么火，自己也没玩过剧本杀。比起剧本杀，《扬名立万》的场景更像是平时开的剧本会，虽然电影后半段有一段实景探案的情节，但那并不是探案，而是以第三人称视角去看待发生的故事。
这种解释更加符合电影的实际，如果抱着“剧本杀电影”的期待去观影，那么大概率是会失望的。在电影中，凶手的身份最开始便被和盘托出，这完全悖逆了剧本杀游戏的逻辑；虽然角色众多，但主次比较分明，除了尹正饰演的李家辉之外，其他人在推理上并不主动；而且，电影中搜证、探案的成分相当微弱，反而是那些超越剧本杀形式的内容，才是最打动人的地方。从观众的反馈来看，万合天宜风格的喜剧元素，对影视行业现状的隐喻和反讽，也是被提及频次最多的内容。
至少就《扬名立万》而言，所谓的“剧本杀电影”，或许只是出于一种营销策略上的考量。在此之前，电影《不速来客》已有与“剧本杀电影”标签靠拢的意思，同样是“一间屋子”“一桩命案”“几伙人”，而相较前者而言，《不速来客》的剧本杀味更浓一些，每个角色各怀心思，视角有限，全靠碎片化的叙事来拼凑完整的故事。
“剧本杀电影”概念的频繁提及，与剧本杀当下的爆发式增长不无关系。公开数据显示，2021年上半年中国消费者偏好的线下潮流娱乐方式中，剧本杀位列第三名，前两名分别是电影和运动健身，且从比例来看，差距不大。从小众娱乐逐渐变为大众娱乐的剧本杀，开始为另一种消费形式导流，“‘剧本杀电影’这个说法能让观众马上就明白这部电影讲的是什么，可能会吸引一部分剧本杀爱好者。”剧本杀从业者文君说。
剧本杀与电影是两种不同门类
刨去个案的意义之后，再来看“剧本杀电影”，其中是否蕴含着剧本杀与电影沟通的可能性。
在文君看来，如果不管形式，单从内涵上讲，“剧本杀电影”的概念并不新鲜，大凡列举的电影，基本都是建立在阿加莎式悬疑推理的经典框架之上的变体。这种框架有个名字是“暴风雪山庄模式”，指一群人因为某种原因聚集在一个相对封闭的环境中，无法与外界取得联系，先后离奇死亡，凶手就在其中，侦探在这样的情形下进行有限度的搜查和推理。经典的小说有《无人生还》，电影则有《风声》等。
而当剧本杀作为一种成熟的游戏样式日渐普及之后，“剧本杀电影”的提法或许不单单局限于这样一种推理框架，更具有泛化的可能。
剧本杀和电影之所以能够实现联动，最重要的原因还是，剧本杀本质上也是一门讲故事的艺术，与电影或者更广泛的影视领域有着内在的相似性。近年来两者之间互相转化的例子也有不少，影视向剧本杀进军来势汹汹，电影《唐人街探案3》《刺杀小说家》《大鱼海棠》《大话西游》已经被改编成剧本杀。
这种本子甚至有专属的名字“IP本”。但总体来看，IP本市场上表现不佳，尚未见到成功的例子。就拿IP本《庆余年》来说，截至目前，在小黑探平台上共售出848本，在IP本中的销量算是居前列，但与头部剧本动辄五千以上的销量来比，仍有不小距离。而且值得注意的是，不少买家都评价道：如果看过原著或电视剧，基本上就能猜到凶手是谁，比较影响游戏体验。在其他IP本的评论区中，也能见到诸如“为了IP而IP”的声音。
可见，影视向剧本杀的转化颇有阻碍，而另一边，剧本杀向影视领域的移植还在路上，这种改编被称为“逆向改编”：从下游衍生品转化为上游作品。早前就有消息称，《年轮》将呈现为网络互动剧，这被视为剧本杀影视化的第一步。虽然结果如何尚不能得知，但光从互动剧这种改编形式上可以看出团队在剧本杀和影视间的取舍。剧本杀的多人视角，第一人称的代入感……这些游戏本身的特性通过互动剧的形式得到了保留。游戏性是剧本杀不可忽视的重要一极，而这一特性也注定了两者在转化上的不顺畅。
剧本杀和电影，毕竟还是两种不同的门类。剧本杀，难以逃出游戏的通病——套路化和程式化，而这正是电影的大忌，《扬名立万》在叙事上的初探索虽有成效，但这样的经验不能套用，类似的套路多了，就容易审美疲劳；诸如此类的，在剧本杀通向影视化上，容易发生碰撞的，还有剧本杀对角色平衡性的追求，以及角色设定上的脸谱化问题等。
这些都需要更多实践者摸着石头过河，真正意义上的“剧本杀电视剧”或者“剧本杀电影”，恐怕还得等剧本杀进一步大众化、资本更多地入局之后，才能真正落地。而在这之前，更多带有标签性质的“剧本杀电影”或许依然会源源不断地出现。（大众日报）
#漫威电影#为什么这么多人喜欢漫威电影？
漫威电影的艺术性近日备受热议，然而漫威电影在技术上的突破与商业性上的成功是毋庸置疑的。
在业内，评价一部电影的好坏一般是三元分立的：艺术性，商业性，技术性。
上一个将三者完美结合的还是卡梅隆导演的《阿凡达》，卡梅隆之前少有，卡梅隆之后也罕见。
而漫威系列作品，则是为数不多能够将商业性与技术性都做到极高水准的作品。
1、好莱坞电影工业头一号
随着《复联4》与《蜘蛛侠：英雄远征》的热映之后，漫威系列作品的全球总票房早已经超过200亿美元，充分证明了“漫威大片模式”的商业号召力。
更难得的是，漫威电影宇宙虽然数量很多，但几乎没有烂片，在烂番茄上没有一部漫威电影的新鲜度低于66%，最高的9部新鲜度都在89%以上。
用 NewYork Times 专栏作家 Peter Suderman 的话说，漫威的电影都是“pretty good”。
可以说漫威用他独特的体系，重塑了整个好莱坞的电影生态，在某种程度上，漫威就是过去10年好莱坞商业电影的代名词。
好莱坞的研究者们曾经研究过从99年到04年，超过10亿电影，发现这些超级卖座电影有非常多共同点：
改编自童话、漫画或小说；
以儿童或少年为主角；
没有裸露或交欢场景；
都有长相怪异的配角适合做成玩具；
有大的动作场面，但不血腥；
大团圆结局；
采用身价未到一线的演员等。
这些元素相加，几乎就是一部十亿美元电影。后来业内把这个法则叫做“米达斯公式”。
今天的漫威模式实际上就是“米达斯公式”法则的加强版。
比起十几年前那一波商业大作，漫威把主角的年龄从儿童、青少年扩展到了更广的范围，能笼络更多受众，还利用了IP数量上的优势让超级英雄们的故事在大荧幕上互相串联。
领先全球的电影技术，无比周密的计划，极致的工匠精神，这就是好莱坞电影工业的可怕之处！漫威系列更是好莱坞电影工业头一号。
2、技术前沿的领头羊
从默片到有声电影，再到彩色电影，技术一直推动着电影产业发展，而电影的许多瓶颈也催促着技术的提高。
在技术与电影产业的相互促进中，爆米花电影所能够代表的就是观众主流的需求，代表了当下最流行最时尚的文化。
21世纪，商业电影可以是在AI时代观众对自己的想象，以及对宇宙的探索。与其说超级英雄电影很像游戏，不如说超级英雄电影实现了很多人的梦想。
所以，漫威等超级英雄电影的成功绝非仅仅有超级英雄，而是对当下时代最准确的书写和表达。
漫威电影代表了当下电影工业的最高水平，上天入地、人机结合、时空穿梭、外星探险等都因为电影特技已经达到了一定水准，可以把这些展现出来。
从这一角度来讲，漫威电影是电影工业中的重要一环。
电影从诞生以来，一直都是艺术与商业共同的产物。好莱坞的崛起本身就建筑于流水线一样的制片厂制度之上。
卡梅隆导演的《阿凡达》引领了3D与IMAX浪潮，并不是因为这项技术多么新（3D技术早已发明了）或者电影本身拍的多么多么厉害（当然电影确实很厉害），而关键是它拿到了白花花的27亿票房。
推动电影技术进步的最大力量是什么？是观众的需求，是市场。
体现在数据上就是票房。
商业电影需要适应市场需求，也会对市场方向进行探索。
然而，让电影对市场进行引导之前，市场对电影的“容纳度”就很重要。
无法生存下来的电影，当然谈不上引导市场。
正如《阿凡达》引领的3D与IMAX浪潮，漫威电影在电影技术的突破性上也一直处于前沿。
《惊奇队长》中，神盾局长尼克·弗瑞的返老还童让人眼前一亮。
独眼的尼克局长不以双眼示人，还恢复了一头乌黑亮丽的头发！而曾经发际线感人的科尔森特工也变成了帅帅的模样。
这项“返老还童”技术在《双子》中得到了广泛的应用与关注，然而在漫威中已经几乎算是“常见”的做法。
在电影《美国队长3》中，漫威就帮助钢铁侠小罗伯特唐尼回到了17岁。
《蚁人1》中也用在皮姆博士身上，将七十多岁的演员麦克道格拉斯变成了三四十岁的样子。
《银河护卫队》中，星爵之父伊戈也曾经“年轻”乐三十多岁，蓬松茂密的头发，英俊的脸庞。
甚至在科技前瞻性，漫威系列电影也从未放弃充分发散想象力。
小说，漫画以及电影对于前沿科技的想象，能够对现实科学技术的推进起到启迪作用，这并不罕见。
正如同在黑洞照片出现之前，观众无法想象真正的黑洞可能跟《星际穿越》中的“卡冈图雅”黑洞几乎一样。
漫威电影一定程度上，也在努力尝试突破科技的“想象力边界”。
如x战警系列、奇异博士、雷神系列都可以当作“超级科学电影”看，对刺激想象力很有帮助。
3、地位超然的“剪辑师”
漫威电影有如此强大的影响力，剪辑师功不可没。
好莱坞已经形成了成熟的工业流程，在制作商业大片环节中，大导演才有剪辑权，中小导演的责任只是负责把剧本转化为影像素材。
吴宇森当初去好莱坞，也只是一名新兵，第一部动作片是《终极标靶》，被制片方剥夺了剪辑权。
剪辑水平的高低，会呈现出完全不同样貌的影片。
而漫威系列作品的剪辑一直受到业内的统一认可。
就连马丁批评漫威的时候说的也是“真正的电影，最后经过时间的淬炼，留给人们的，是故事内核的痛苦和情感，而不是一些系列优雅的构图和剪辑。”
从侧面上也肯定了漫威电影中构图与剪辑的优秀。
《美队3》的机场打斗剪辑，《复联3》的泰坦星打斗里的剪辑都十分出色，往往是粉丝混剪“漫威精彩片段”必选片段，而《蚁人》在变大缩小之间的剪辑尤为出彩，甚至被粉丝评为“漫威最佳剪辑”。
火车、地铁上的打斗在超级英雄电影中屡见不鲜，但像《蚁人》这样把决战场景集中在卧室里的玩具火车上还是头一遭。
“蚁人”作为超级英雄最厉害的攻击力，就在适时变大和变小的转换过程中。
微观世界镜头与现实世界镜头的交错、混搭，在这部超级英雄作中体现地极其明显，通过剪辑塑造视觉上的多样性所带来的愉悦，在其他漫威超级英雄作中很难找到。
在拍摄该场景时，特效团队先是用CG建模模拟出特定镜头的基本构图，将其当做一场发生在真实大小的火车上的动作戏，航拍、移动摄影、手持拍摄全都用上。
如此一来，微观世界中的打斗会因为镜头的多变产生大片才有的紧迫感，而一旦镜头切换到正常人视角，观众下一秒才看到只不过是玩具火车脱轨。
剪辑所带出的强烈反差会产生意想不到的喜剧效果，这就是影迷所说的“反差萌”。
看过《热血警探》的影迷肯定对以下这组镜头印象深刻。
这种类似PPT短镜头的不连贯镜头剪辑法，是埃德加·赖特所独有的秘技。在《蚁人》中，成为了“抢戏王”迈克尔·佩纳的出彩工具。
这种剪辑法+类似小咖秀的神同步，让镜头面前的故事产生了魔性一样的喜感。
在剪辑中，剪辑师需要考量观众酝酿情绪的时间，这一点漫威电影也做得十分到位。
当我们能和荧幕上的人物产生共鸣，是因为我们有时间能在他们说话之前看到他们的脸，以及感受之后所发生的事。而剪辑师要决定的是，要给主人公的情绪多久时间。
《蚁人》在这个场景里史考特失败的场景只用了30帧，直观的让观众带入史考特那种焦躁与不理解的心情，甚至吐槽一句“哪有这么快的”。
漫威电影的艺术性近日备受热议，然而漫威电影在技术上的突破与商业性上的成功是毋庸置疑的。
在业内，评价一部电影的好坏一般是三元分立的：艺术性，商业性，技术性。
上一个将三者完美结合的还是卡梅隆导演的《阿凡达》，卡梅隆之前少有，卡梅隆之后也罕见。
而漫威系列作品，则是为数不多能够将商业性与技术性都做到极高水准的作品。
1、好莱坞电影工业头一号
随着《复联4》与《蜘蛛侠：英雄远征》的热映之后，漫威系列作品的全球总票房早已经超过200亿美元，充分证明了“漫威大片模式”的商业号召力。
更难得的是，漫威电影宇宙虽然数量很多，但几乎没有烂片，在烂番茄上没有一部漫威电影的新鲜度低于66%，最高的9部新鲜度都在89%以上。
用 NewYork Times 专栏作家 Peter Suderman 的话说，漫威的电影都是“pretty good”。
可以说漫威用他独特的体系，重塑了整个好莱坞的电影生态，在某种程度上，漫威就是过去10年好莱坞商业电影的代名词。
好莱坞的研究者们曾经研究过从99年到04年，超过10亿电影，发现这些超级卖座电影有非常多共同点：
改编自童话、漫画或小说；
以儿童或少年为主角；
没有裸露或交欢场景；
都有长相怪异的配角适合做成玩具；
有大的动作场面，但不血腥；
大团圆结局；
采用身价未到一线的演员等。
这些元素相加，几乎就是一部十亿美元电影。后来业内把这个法则叫做“米达斯公式”。
今天的漫威模式实际上就是“米达斯公式”法则的加强版。
比起十几年前那一波商业大作，漫威把主角的年龄从儿童、青少年扩展到了更广的范围，能笼络更多受众，还利用了IP数量上的优势让超级英雄们的故事在大荧幕上互相串联。
领先全球的电影技术，无比周密的计划，极致的工匠精神，这就是好莱坞电影工业的可怕之处！漫威系列更是好莱坞电影工业头一号。
2、技术前沿的领头羊
从默片到有声电影，再到彩色电影，技术一直推动着电影产业发展，而电影的许多瓶颈也催促着技术的提高。
在技术与电影产业的相互促进中，爆米花电影所能够代表的就是观众主流的需求，代表了当下最流行最时尚的文化。
21世纪，商业电影可以是在AI时代观众对自己的想象，以及对宇宙的探索。与其说超级英雄电影很像游戏，不如说超级英雄电影实现了很多人的梦想。
所以，漫威等超级英雄电影的成功绝非仅仅有超级英雄，而是对当下时代最准确的书写和表达。
漫威电影代表了当下电影工业的最高水平，上天入地、人机结合、时空穿梭、外星探险等都因为电影特技已经达到了一定水准，可以把这些展现出来。
从这一角度来讲，漫威电影是电影工业中的重要一环。
电影从诞生以来，一直都是艺术与商业共同的产物。好莱坞的崛起本身就建筑于流水线一样的制片厂制度之上。
卡梅隆导演的《阿凡达》引领了3D与IMAX浪潮，并不是因为这项技术多么新（3D技术早已发明了）或者电影本身拍的多么多么厉害（当然电影确实很厉害），而关键是它拿到了白花花的27亿票房。
推动电影技术进步的最大力量是什么？是观众的需求，是市场。
体现在数据上就是票房。
商业电影需要适应市场需求，也会对市场方向进行探索。
然而，让电影对市场进行引导之前，市场对电影的“容纳度”就很重要。
无法生存下来的电影，当然谈不上引导市场。
正如《阿凡达》引领的3D与IMAX浪潮，漫威电影在电影技术的突破性上也一直处于前沿。
《惊奇队长》中，神盾局长尼克·弗瑞的返老还童让人眼前一亮。
独眼的尼克局长不以双眼示人，还恢复了一头乌黑亮丽的头发！而曾经发际线感人的科尔森特工也变成了帅帅的模样。
这项“返老还童”技术在《双子》中得到了广泛的应用与关注，然而在漫威中已经几乎算是“常见”的做法。
在电影《美国队长3》中，漫威就帮助钢铁侠小罗伯特唐尼回到了17岁。
《蚁人1》中也用在皮姆博士身上，将七十多岁的演员麦克道格拉斯变成了三四十岁的样子。
《银河护卫队》中，星爵之父伊戈也曾经“年轻”乐三十多岁，蓬松茂密的头发，英俊的脸庞。
甚至在科技前瞻性，漫威系列电影也从未放弃充分发散想象力。
小说，漫画以及电影对于前沿科技的想象，能够对现实科学技术的推进起到启迪作用，这并不罕见。
正如同在黑洞照片出现之前，观众无法想象真正的黑洞可能跟《星际穿越》中的“卡冈图雅”黑洞几乎一样。
漫威电影一定程度上，也在努力尝试突破科技的“想象力边界”。
如x战警系列、奇异博士、雷神系列都可以当作“超级科学电影”看，对刺激想象力很有帮助。
3、地位超然的“剪辑师”
漫威电影有如此强大的影响力，剪辑师功不可没。
好莱坞已经形成了成熟的工业流程，在制作商业大片环节中，大导演才有剪辑权，中小导演的责任只是负责把剧本转化为影像素材。
吴宇森当初去好莱坞，也只是一名新兵，第一部动作片是《终极标靶》，被制片方剥夺了剪辑权。
剪辑水平的高低，会呈现出完全不同样貌的影片。
而漫威系列作品的剪辑一直受到业内的统一认可。
就连马丁批评漫威的时候说的也是“真正的电影，最后经过时间的淬炼，留给人们的，是故事内核的痛苦和情感，而不是一些系列优雅的构图和剪辑。”
从侧面上也肯定了漫威电影中构图与剪辑的优秀。
《美队3》的机场打斗剪辑，《复联3》的泰坦星打斗里的剪辑都十分出色，往往是粉丝混剪“漫威精彩片段”必选片段，而《蚁人》在变大缩小之间的剪辑尤为出彩，甚至被粉丝评为“漫威最佳剪辑”。
火车、地铁上的打斗在超级英雄电影中屡见不鲜，但像《蚁人》这样把决战场景集中在卧室里的玩具火车上还是头一遭。
“蚁人”作为超级英雄最厉害的攻击力，就在适时变大和变小的转换过程中。
微观世界镜头与现实世界镜头的交错、混搭，在这部超级英雄作中体现地极其明显，通过剪辑塑造视觉上的多样性所带来的愉悦，在其他漫威超级英雄作中很难找到。
在拍摄该场景时，特效团队先是用CG建模模拟出特定镜头的基本构图，将其当做一场发生在真实大小的火车上的动作戏，航拍、移动摄影、手持拍摄全都用上。
如此一来，微观世界中的打斗会因为镜头的多变产生大片才有的紧迫感，而一旦镜头切换到正常人视角，观众下一秒才看到只不过是玩具火车脱轨。
剪辑所带出的强烈反差会产生意想不到的喜剧效果，这就是影迷所说的“反差萌”。
看过《热血警探》的影迷肯定对以下这组镜头印象深刻。
这种类似PPT短镜头的不连贯镜头剪辑法，是埃德加·赖特所独有的秘技。在《蚁人》中，成为了“抢戏王”迈克尔·佩纳的出彩工具。
这种剪辑法+类似小咖秀的神同步，让镜头面前的故事产生了魔性一样的喜感。
在剪辑中，剪辑师需要考量观众酝酿情绪的时间，这一点漫威电影也做得十分到位。
当我们能和荧幕上的人物产生共鸣，是因为我们有时间能在他们说话之前看到他们的脸，以及感受之后所发生的事。而剪辑师要决定的是，要给主人公的情绪多久时间。
《蚁人》在这个场景里史考特失败的场景只用了30帧，直观的让观众带入史考特那种焦躁与不理解的心情，甚至吐槽一句“哪有这么快的”。
封面新闻记者 李雨心说到最近取得了不错反响的主旋律影视剧，那日前刚在央视一套黄金时段迎来收官的《火红年华》，一定会被提到。据了解，自《火红年华》登陆央视一套，在国庆节期间开始热播并圆满收官以来，掀起了一波对老三线的火热追忆，引起了观众对攀枝花这座英雄城市的兴趣和探索。同时，剧中呈现的宏大史诗格局、激情燃烧的故事情节、饱满充盈的英雄三线人形象、积极正向的主题立意，以及对工业题材电视剧创作的多维拓展，成为热议焦点。10月20日，趁着该剧带来的余热未散，由中国电视艺术委员会、中共四川省委宣传部主办的电视剧《火红年华》研讨会在京召开。在研讨会上，《火红年华》主创团队及行业代表、业界专家们共同就该剧的主旨内涵、创作手法、价值意义等进行了研评。引观众共鸣收视成绩优异“诚恳地写出那个时代和环境里的建设者”“备战备荒为人民，好人好马上三线。”这样一句在激情燃烧岁月所诞生的昂扬口号，可要拍出口号背后，那个时代在“三线建设”中奉献青春的平凡英雄群像，以及全景展现出筚路蓝缕的三线建设进程，并不是一件易事。正因如此，《火红年华》的诞生显得尤为可贵，也取得了亮眼的成绩。在现场，国家广播电视总局广播电视规划院节目综合评价大数据研究中心副主任曹志从三个维度跟大家分享了《火红年华》的成绩：第一，收视规模宏大，总到达率为20.134%，在同期剧目中领先；第二，收视成绩优异，排名同期剧目第2。第三，同时段竞争力强，32集中有25集在同时期各类节目收视率排名第一。同时，在全国16个省区，《火红年华》每集均进入了同时期各类收视节目的收视率前三。而亮眼的成绩来之不易，背后更是本剧的主创们辛勤付出，他们对这部戏有着深厚的感情，其中，作为《火红年华》的原著和编剧革非对这部剧的感情非同寻常，他认为三线建设是中国工业史上里程碑式的存在，他自己曾亲身参与到三线建设当中，当时数以千计的铁道兵为中国工业献身的事，深深震撼着他。这是一种惨烈的青春记忆，而作为老三线人，他在创作的时候却将自己与三线建设“割裂”，给自己确立了一个原则——只向大三线烈士致敬，诚恳地写出在那个时代和环境里，那批建设者的工作与奉献，绝不拔高、神化。总导演王文杰分享了剧集的创作初心和创作历程：“我觉得这个题材非常好，另外就是一个关于人物，那群人的精神感动了我，我觉得会对现在的人是有一些影响的，每一个文艺作品必须有教育意义，要有积极的意义。这个戏里有一句台词叫做‘青春可去、年华不老’这其实是这个戏的点题。”在主创人员之外，中央广播电视总台影视剧纪录片中心副主任申积军评价道，在《火红年华》这部剧当中，三线精神的光辉充分照耀在平凡而生动的建设者身上，他们为祖国建设无私奉献的赤诚之心，几代建设者之间的薪火相传和大国工匠精神的展示，也深深地感动了当代的年轻人，该剧的播出引起了众多媒体的关注，微博、豆瓣等社交媒体上关于剧集内容的讨论热度也在不断攀升，收获了观众的喜爱。当主旋律电视剧广受赞扬“在稀缺且重要的题材上挖了一口深井”在研讨会现场，业界专家们给予了本剧极高的评价。其中，当代中国研究所原副所长、中国三线建设研究会会长武力评价说，这是一部非常成功的工业史诗电视剧，《火红年华》成功再现了新中国工业化的瑰丽缩影。剧情中的每一个重大情节、重要人物都充分体现了三线精神，这非常难得。原总政艺术局局长汪守德认为，《火红年华》具有纪实性、时代性、戏剧性、典型性四个特点。而《光明日报》文艺部副主任李春利则称赞道，《火红年华》的出现，为这类题材增加了非常亮丽的色彩，奋斗精神的呈现非常感人。“这部剧选题好、人物活、风格正，是在稀缺且重要的题材上挖了一口深井。”《人民日报》文艺部理论评论编辑室副主编任姗姗这样说到，其表示在看这部剧之前，大三线对她来说更多的是历史的概念，但是这部剧让她走近这段历史、了解这段历史，感受到光荣历史背后奋斗者群体的血肉丰满和精神传承，也认识到这段历史非常值得书写和铭记。中国文联电视艺术中心副主任赵彤发言说，八年前一部四川出品的电视剧叫《壮士出川》，《火红年华》可以叫做“壮士入川”。“那部电视剧讲川军子弟奔赴到祖国各地的抗日前线，为中华民族的独立浴血拼杀，这部电视剧讲来自祖国各地的英雄儿女为建设三线工地流血、流汗，为新中国的工业建设奉献了一生！”首都师范大学文学院文化产业系副教授徐海龙指出，这部剧处理好工业题材的“壳”和人伦之情的“核”相结合，力图把各种亲情、友情和爱情的产生原因都设置为三线建设的相关因素，人物交往中的付出、放弃、和解都是为了“钢铁事业成败与否、109冶如何生存发展”这个大局而生。这就体现了一种更为高洁、高尚的青年人的关系，家国情怀、天下胸襟与个人情感产出了共振、产生了张力。中国电视艺术委员会编辑部主任李跃森认为，这部剧的成功首先在于为大三线生活找到了一个独特的视角，刻画了一群血肉丰满的知识分子的形象。此外，中央文史研究馆馆员、中国文联原副主席、著名文艺评论家仲呈祥说道，《火红年华》是中国新时代工业题材电视剧的一个标志性作品，因为它起了标志性的引领作用，代表了一种方向。“相信这部剧播出之后，会对攀枝花整个的形象、文化氛围提供特别大的帮助，让人知道内陆那一座城市不光有火红的钢水，也还有过火红的年华。”中国电视艺术委员会秘书长易凯总结道。据悉，此次研讨会现场还展示了围绕《火红年华》设计的5个品类，89个文创产品。同时，攀枝花将持续挖掘《火红年华》剧中蕴含的价值内涵，构建攀枝花文化IP集合体，以创新形式传承和弘扬三线精神。
✋热门推荐