江苏著名画家张兴来的写意山水，用自己独特的视觉和审美能力解构了传统山水画中的皴、擦、点、染等技法。在他的画中，横峰侧岭皆无清晰的骨线勾勒， 皴法也并不只是服务于阴阳向背的表达，他集线成面，将其与山体的结构合而为一，笔笔相生，一气呵成。纵横交错的线条时而晕染于大片的墨迹中，只留下渍痕斑驳的肌理。令人称奇的是，在水墨淋漓的用笔中，却因为这些肌理效果制造出了干涸皲裂的观感，温润之余不失古朴浑厚。似在描绘山林沧桑岁月长，又仿佛云开见光，影布于石上。
清代范玑曾言“人知无笔墨处为虚，不知实处亦不离虚，更不知无笔墨处是实，盖笔虽未到其意已到也。”此言甚是。从无到有，由实转虚的过渡，在张兴来的笔下水到渠成，意味无穷，令人不知不觉跟随他的笔墨走入另一方天地。“山似梦雾，石如云动”，水气逐渐在眼前弥散开，参差披拂的树枝构建出无数个交错的层次。似幻似真的观感仿若鸿蒙初劈，叠嶂层崖间的屋宇恰到好处地化解了寂静萧索之感，透露出人间的烟火气息，使得他的山水画不仅有可行可望的青山古道，亦有可居可游的幽然情趣。
风格即人，观张兴来作画，便知意在笔先，胸中逸气于磨墨展纸间，仿若天然流淌。解衣般礴，须臾间情与境会，造化之美与笔墨技法的造诣堆叠交错，待到落笔时此山已非彼山，而是他心中意象的投射。他将中国画意到笔不到的特征发挥的淋漓尽致。逸笔草草之间，四时晴雨，咫尺千里已在画面中呈现。[赞啊]
清代范玑曾言“人知无笔墨处为虚，不知实处亦不离虚，更不知无笔墨处是实，盖笔虽未到其意已到也。”此言甚是。从无到有，由实转虚的过渡，在张兴来的笔下水到渠成，意味无穷，令人不知不觉跟随他的笔墨走入另一方天地。“山似梦雾，石如云动”，水气逐渐在眼前弥散开，参差披拂的树枝构建出无数个交错的层次。似幻似真的观感仿若鸿蒙初劈，叠嶂层崖间的屋宇恰到好处地化解了寂静萧索之感，透露出人间的烟火气息，使得他的山水画不仅有可行可望的青山古道，亦有可居可游的幽然情趣。
风格即人，观张兴来作画，便知意在笔先，胸中逸气于磨墨展纸间，仿若天然流淌。解衣般礴，须臾间情与境会，造化之美与笔墨技法的造诣堆叠交错，待到落笔时此山已非彼山，而是他心中意象的投射。他将中国画意到笔不到的特征发挥的淋漓尽致。逸笔草草之间，四时晴雨，咫尺千里已在画面中呈现。[赞啊]
#沈阳身边事##沈阳生活##沈阳新鲜事##沈阳新闻##沈阳分享##沈阳事儿##沈阳同城# “野生”的散文——读刘一秀散文集《北风南枝》
□赵顺宏
野生，是相对于家养和驯化而言的。野生之气让《北风南枝》这部散文集具有别样的声色与滋味。野生之物在早年间不是什么稀罕物，然而，现今的城里人对于野生的什物恐怕是缺乏认识和体验的，他们熟悉的更多的是规模化的流水线上下来的东西。它们来自于大棚，来自于温室。它们是批量生产的，它们的营养成分是有保障的，但往往又因为过分的重复与雷同让人感到乏味。
生命怠惰，野性消退的现象在创作中也是比比皆是的。触目所及，原先那些有活力能给人带来惊异感的书写与表达也渐渐蜕化成一些固定的套路，一些深隐的预设。在这些预设面前究竟作何选择呢？对此，刘一秀是有清醒的意识的。他说，“但凡文章写得好的，多是对生活仔细观察的有心人。但这仍不够，还得要对周遭事物和人持明确的认识和判断。觉得这生活不值得过的，就变成鲁茅巴老曹一路；觉得生活可恋的，就成了周作人、沈从文以及汪曾祺们；觉得这人生可过也不可过的，就归入幽默调侃睿智旷达的钱钟书一类。你倾向于何者？”这是一种设问，更是一种自问，也是一种自省。那种批判的立场，同情的意识，自我的反省等等，往往与现代以来的人道观念、个性意识等现代人学观念相联系，并因之形成了相应的话语表达程式与技法。作者的此一提问正源自在既有文学规范面前感到难以归类的感觉。既然如此，刘一秀的写作从一开始来说注定是少有依傍，缺少范例的。
刘一秀笔下所写，虽说有“南枝”，有“北风”，具有当代生活的新世说的风貌，因此也可以说带有一点“浮世绘”的意味，但这只是表面的现象，更紧要的在于那被隐去的部分，在于“巢”和“依”，在于这“巢”和“依”中对于生活与生命的体会和品味。从这样的意义上说，刘一秀散文创作的起点可能在于那些过往经验之中：几段陈年旧事，几幅肖像面影，几句细碎的话语，这些生活的丝丝缕缕，似乎早已变得杳杳渺渺，若有若无，时隐时现。但是，它们又是那样的顽强以致纠缠不休，午夜梦回，梦醒时分，它们可能又时不时地泛上了心头。打坝返归途中卷入浪涛悄然而逝的年轻姑娘，在数百公里的外地发现时已经是一副腐败不堪的骨架（《放鱼》）；作为异乡人的老韩和“韩老妈子”他们如何从不同的城市流落至此，又如何来而复往，往而复归（《理发匠老韩和“韩老妈子”》）；试图把握自己命运的杨江海，一个趔趄就让自己的人生变得面目全非（《光蛋杨江海》）……这些生命如飘落的树叶，如浮沉的浪沤，如明灭的灯火，遽然而现，又遽然而逝。然而，这在一个少年的心里，在一个生命初步觉醒的少年心中不能不留下锐利的烙痕，形成持久的生命的困惑。这个懵懂的乡村少年也曾张望远方，眺望过南漪湖的彼岸，带着巨大的困惑从乡村来到了城市，甚至也从南方走到了北方。不但在地理空间的跨越中打开了生活的视界，也在历史时空的跨越中打开了心灵的眼界。然而，古代文化世界中立功、立德、立言的古训，那遗世独立、独善其身的智慧，似乎未能解开少年时留在心中的困惑；现代文化观念中的个性意识、人道情怀，好像同样也未能化解心中的疑惑与茫然。东飘西荡，兜兜转转，似乎还是在故乡的经验中获得一种原汤化原食的解悟。流注于《北风南枝》这部作品中的那种对于生命的哀矜之情，对于人生的透视冷眼，对于生活的小小欣悦，其实在源头上不正得益于乡土的启示吗？
既然从创作的动因上来说，作者很难把自己的经验纳入到既有的书写框范之中，那么，贴近经验本身，并且在这种贴近中恢复对于往昔生命的记忆与感知，则成为创作中自觉或不自觉的美学追求。当然，这种贴近是通过文字实现的，在作品中体现为一种沉着细致、有条不紊的笔法，比如作者写理发匠老韩给人刮脸的手艺，杀猪佬来福给猪吹气脱毛的技艺，可谓是工笔细描毫发毕现。与此一贴近美学相联系的是作者语言的纯净与弹性。无论是描写、叙述还是对话，作者的语言都相当精练、净省，也正体现出内敛自足的审美机理。刘一秀散文看上去行云流水，舒卷自如，但细加辨识还是不难看到深藏了种种的技法，比如首尾的呼应，南北的对照、警言片语与幽默笔法，跨越性的腾挪与戛然而止的收缩。总之，不经意中吸纳各种艺术的滋养，却又根植于先天的底气，启示于故土的智慧，使其作品浑然自成一格，别具一番与众不同的滋味。无以名之，强谓之曰“野生”的散文。
刘一秀写作开笔也晚，但得益于故土的启示，使他的创作一上来就找到了自己的调子，这会形成良好的艺术感觉的反馈，因此，我以为还有很广阔的艺术空间等待他去开拓。
□赵顺宏
野生，是相对于家养和驯化而言的。野生之气让《北风南枝》这部散文集具有别样的声色与滋味。野生之物在早年间不是什么稀罕物，然而，现今的城里人对于野生的什物恐怕是缺乏认识和体验的，他们熟悉的更多的是规模化的流水线上下来的东西。它们来自于大棚，来自于温室。它们是批量生产的，它们的营养成分是有保障的，但往往又因为过分的重复与雷同让人感到乏味。
生命怠惰，野性消退的现象在创作中也是比比皆是的。触目所及，原先那些有活力能给人带来惊异感的书写与表达也渐渐蜕化成一些固定的套路，一些深隐的预设。在这些预设面前究竟作何选择呢？对此，刘一秀是有清醒的意识的。他说，“但凡文章写得好的，多是对生活仔细观察的有心人。但这仍不够，还得要对周遭事物和人持明确的认识和判断。觉得这生活不值得过的，就变成鲁茅巴老曹一路；觉得生活可恋的，就成了周作人、沈从文以及汪曾祺们；觉得这人生可过也不可过的，就归入幽默调侃睿智旷达的钱钟书一类。你倾向于何者？”这是一种设问，更是一种自问，也是一种自省。那种批判的立场，同情的意识，自我的反省等等，往往与现代以来的人道观念、个性意识等现代人学观念相联系，并因之形成了相应的话语表达程式与技法。作者的此一提问正源自在既有文学规范面前感到难以归类的感觉。既然如此，刘一秀的写作从一开始来说注定是少有依傍，缺少范例的。
刘一秀笔下所写，虽说有“南枝”，有“北风”，具有当代生活的新世说的风貌，因此也可以说带有一点“浮世绘”的意味，但这只是表面的现象，更紧要的在于那被隐去的部分，在于“巢”和“依”，在于这“巢”和“依”中对于生活与生命的体会和品味。从这样的意义上说，刘一秀散文创作的起点可能在于那些过往经验之中：几段陈年旧事，几幅肖像面影，几句细碎的话语，这些生活的丝丝缕缕，似乎早已变得杳杳渺渺，若有若无，时隐时现。但是，它们又是那样的顽强以致纠缠不休，午夜梦回，梦醒时分，它们可能又时不时地泛上了心头。打坝返归途中卷入浪涛悄然而逝的年轻姑娘，在数百公里的外地发现时已经是一副腐败不堪的骨架（《放鱼》）；作为异乡人的老韩和“韩老妈子”他们如何从不同的城市流落至此，又如何来而复往，往而复归（《理发匠老韩和“韩老妈子”》）；试图把握自己命运的杨江海，一个趔趄就让自己的人生变得面目全非（《光蛋杨江海》）……这些生命如飘落的树叶，如浮沉的浪沤，如明灭的灯火，遽然而现，又遽然而逝。然而，这在一个少年的心里，在一个生命初步觉醒的少年心中不能不留下锐利的烙痕，形成持久的生命的困惑。这个懵懂的乡村少年也曾张望远方，眺望过南漪湖的彼岸，带着巨大的困惑从乡村来到了城市，甚至也从南方走到了北方。不但在地理空间的跨越中打开了生活的视界，也在历史时空的跨越中打开了心灵的眼界。然而，古代文化世界中立功、立德、立言的古训，那遗世独立、独善其身的智慧，似乎未能解开少年时留在心中的困惑；现代文化观念中的个性意识、人道情怀，好像同样也未能化解心中的疑惑与茫然。东飘西荡，兜兜转转，似乎还是在故乡的经验中获得一种原汤化原食的解悟。流注于《北风南枝》这部作品中的那种对于生命的哀矜之情，对于人生的透视冷眼，对于生活的小小欣悦，其实在源头上不正得益于乡土的启示吗？
既然从创作的动因上来说，作者很难把自己的经验纳入到既有的书写框范之中，那么，贴近经验本身，并且在这种贴近中恢复对于往昔生命的记忆与感知，则成为创作中自觉或不自觉的美学追求。当然，这种贴近是通过文字实现的，在作品中体现为一种沉着细致、有条不紊的笔法，比如作者写理发匠老韩给人刮脸的手艺，杀猪佬来福给猪吹气脱毛的技艺，可谓是工笔细描毫发毕现。与此一贴近美学相联系的是作者语言的纯净与弹性。无论是描写、叙述还是对话，作者的语言都相当精练、净省，也正体现出内敛自足的审美机理。刘一秀散文看上去行云流水，舒卷自如，但细加辨识还是不难看到深藏了种种的技法，比如首尾的呼应，南北的对照、警言片语与幽默笔法，跨越性的腾挪与戛然而止的收缩。总之，不经意中吸纳各种艺术的滋养，却又根植于先天的底气，启示于故土的智慧，使其作品浑然自成一格，别具一番与众不同的滋味。无以名之，强谓之曰“野生”的散文。
刘一秀写作开笔也晚，但得益于故土的启示，使他的创作一上来就找到了自己的调子，这会形成良好的艺术感觉的反馈，因此，我以为还有很广阔的艺术空间等待他去开拓。
弘耑 || 书法创作中组合关系
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笔墨和空白是书法作品中最大的形式构成，它们都是相对独立的整体，各有各的造型和审美内涵。因此，不仅要关注点画和结体的造型，而且特别强调点画内、结体内、结体间、行列间以及作品周边空白的造型。
另一方面，书法的形式是各种造型的组合关系。例如点画与点画的组合、结体与结体的组合、字组的组合、行的组合、区域的组合，直至笔墨与空白的组合等。这些组合从小到大，随着组合关系的不断扩大，审美内涵也逐渐丰富。
书法作品中各种层次的组合都会带来新的审美内涵，系统论认为一加一大于二，整体大于局部之和，这种大于部分的审美内容就是由组合关系产生的。书法创作中组合关系是怎样产生的呢？
01/
制造对比
强调对比关系
对比是指点画形态的粗细长短、结体造型的大小正攲、书写速度的快慢疾涩、运笔变化的提按顿挫、整体布局的疏密虚实、用笔墨色的浓淡枯湿等一组组矛盾的对立。
对比是书法形式存在的基础，制造对比，就是创造形式。但对比不是书法创作的终极目标。因此不仅要强调对比，更需要注重对比后所产生的各种关系。强调对比不难，难的是更好地表现对比后所产生的关系。对比是“形而下”的范畴，不是有了对比就一定可以产生和谐美妙的关系。一些低劣的书法作品中也不乏对比，但这种对比只有大与小、粗与细、长与短的区别，对立面之间比例失调，失去了可比性，因而也就失去了艺术性。
如果为对比而对比，或者缺乏对比的艺术自觉性，那么，这种对比不会产生美感，这种对比是没有意义的。
我们所要的对比，是反差强烈、关系和谐、自然生动的对比。所以，对比首先是对立，它把“中和”一分为二，通过对比求得和谐；其次，对比建立在对立统一的基础之上，只有相互依赖、依靠对方，才能表明自身价值。制造对比，还要强调对比关系在对立与统一中的协调。
02/
重在组合
强调组合关系
善书者，作品中无处不组合。组合是书法创作中极为普遍的规律，它包含点画组合、结体组合、组的组合、行的组合、列的组合、篇的组合，还有点画与结体的组合、结体与结体的组合、组与行的组合和行与行、列与列的组合等等。作品中所有元素都是造型元素，同时又都是组合元素。
一般地说，组合分为竖向组合和横向组合。可调节字间距以构建竖向组合，调节行间距以构建横向组合。当字与字的间距小于字形结构内点画之间距离时，便将两字或数字连接起来，不分彼此，成为一个长短距离各异的组合。同理，当行间距离模糊时，横向空间距离消失，从而使得横向连接成块和片的形态。
组合的审美价值很关键，它通过结体的组合变化，减少造型元素的单调重复，从而增加组合后新的造型元素的表现力。
比如：创作一幅二十个字的斗方，通过组合连接，可能变为十五个字的空间，甚至八九个字的空间。组合后的“字”型不再是单一的方形，可以有方有圆、有大有小、有宽有窄等。这种创造性的组合关系，构成了艺术上的形式意味。
结体的组合是指字内的组合关系，比如对宽窄关系、长短关系、高低关系、上下左右关系的建构等。组的组合是指根据整体效果的需要，将字编成组，可以半个字一组、一个字一组，也可以三五个字或更多的字一组。行的组合是指行的长短、宽窄、疏密、断续。列的组合是指行间空白的块、面、方、圆及各种不规则的造型等。篇的组合是指整体的谋篇布局。
组合是手段，不是目的；组合是过程，不是结果。但手段与目的、过程与结果都要服从于整体效果，即不仅要强调组合，而且要强调组合关系。书法作品的组合关系越多，内涵就越丰富，组合后对比反差越大，视觉效果就越强烈。但是这样一来，作品要想和谐组合就比较困难。
因此不能不系统化，将它们归并为形和势两大系列：粗细方圆、大小正侧、枯湿浓淡等为形，提按顿挫、轻重快慢、离合断续等为势。因此蔡邕说：“阴阳既生，形势出焉。”
自然万物千姿百态，归根到底是阴阳之间的对立统一；书法艺术千变万化，归根到底是形势之间的对立统一。形与势都以对方的存在为自己存在的前提。所有的形都是在运动中完成的，有一定的速度；所有的势都凝固在纸上，依赖一定的形。形必须靠势来激活，势必须靠形来显现。没有势的形是泥人木偶，没有形的势则根本就不存在。形与势的存在相辅相成，形与势的表现相映生辉。形势合一，才能使书法艺术获得有血有肉的生命形象。
03/
注重局部
强调整体效果
鲁道夫·阿恩海姆有句名言：“整体大于部分之和。”我们可以把“部分”理解为书法作品中的单元（当然也可以理解为点画、字或某一个区域）。按照阿恩海姆的理论，“部分”可分为“真正的部分”和“非真正的部分”。“真正的部分”是指整体情景中被分割的次整体部分；“非真正的部分”是指与有限的区域情景相联系的段落。
因此，书法作品中的局部，如单元（组）或字的设计，必须服务于作品整体的需要，当然，局部的质量也直接影响着整体的格调。
这里要强调的是，一件作品的“部分” ——字、组、区域不一定要达到完整状态，因为任何一个完整的次级整体很难与另一个完整的次级整体相组合。我非常赞同阿恩海姆的说法，一个好的框架结构，既不是完整得令人震惊，也不是不完整得令人沮丧。书法创作，一定要有章法意识，不能在一件作品中追求每一个字、每一个组合的完美，更不能要求笔笔中锋、字字有出处，要着重考虑各种组合和对比后产生的关系。
其实，书法创作中到底中锋好还是侧锋好，帖学好还是碑学好，快速好还是慢速好，回答只有一个：重在整体构建，符合整体需要的便是好。
书法创作应当特别注重作品的整体章法，在点画和结体的基础上，进一步强调字与字、行与行，甚至笔墨与空白的构成。要书法作品不是文本式的，而是图式的；不是阅读的，而是观看的。使书法表现的叙述顺序从宏观到微观，首先是笔墨与空白的构成，然后是行与行的构成、组与组的构成，再然后才是结体的构成和点画的构成。
“唯观神采，不见字形”，书法作品如果让人第一眼感觉到的只是字或者是点画，就不是一件好作品。
04/
营造空间性
强调时间性
书法艺术是可视的、图式的，贵于造型变化。书法艺术中线条、结体、章法、布白的造型体现了书法艺术的空间特征；同时，书法创作过程是流动的、动态的，线条从点到线的书写过程以及运笔中曲直圆折等书写节奏的实现都以时间性为表征，使书法艺术又具有时间性特征。
因此，我们说书法艺术是空间性与时间性兼备的艺术。
具体而言，书法的空间性与造型相关，借助造型中的大小、长短、松紧、宽窄、正斜、枯润、断连、方圆、粗细、浓淡等诸要素的对比，强调体势变化。
一个有创作思想的书家，几乎是让每个字的结构造型处在一种不确定性的变化状态，在实际创作中，以一种不确定性来构建每个新的空间关系，使得造型元素的上下左右得以呼应、顾盼，追求一种以整体为基础的大平衡。大平衡是一种整体审美观，它尽量使单个字的造型不稳、不到位、不完美，再通过上下左右的呼应、修合、填补，然后建立起大的平衡形态。因此，大平衡不是独立的，而是联系的、协调的，是有条件的。
书法艺术的时间性是书法美学的重要组成部分，是书法神采、气韵的内在要素，是步入书法艺术殿堂的“钥匙”。
从某种意义上讲，它对造型、通篇起着极大的制约作用，故而对作品的雅俗也起到重要的影响。书法艺术的时间性，一部分表现为有形，一部分表现为无形。所谓有形，是指书法艺术的空间品格包含着时间特征，因为线条的形成过程也是时间的展开过程。线条从起到止，是时间的连续；线条方向的变化、长短的变化、顿挫的变化都是时间的表征。所谓无形，是指处在落笔之前、收笔之时，甲线条与乙线条之间的关系。书法家自提笔开始，一直到创作结束，除了有形的线条之外，其他也全都属于书法艺术的时间特征。
05/
综合传统
理解构成
从具体的创作风格而言，帖学按照时间推移而表现其审美诉求，如上下连绵的书写流动性；碑学却注重营造一种空间造型的张力诉求，如应用对比与顾盼的呼应关系，营造一种空间美。而时空观所强调的是碑帖结合、风格多样、诸体合璧，这样就提出一个构成的问题。
帖学上下流动的时间性与碑学的张力空间美的并用，也是形式构成中的具体运用。草体与楷隶的交叉点缀，方笔与圆笔的穿插互用，各种对比元素在重构中极度夸张，其结果，既有对传统审美的解构和重构，也有对时代审美符号的创新建立。
时代赋予了对各种语言元素的使用自由，使得创作有了新的时空观。表现元素在书法语言中的多元化，势必导致相互排斥、相互矛盾，但正因为如此，才使得任何一方的存在都不是孤立的，而是需要对方的存在以支撑自己存在的价值。矛盾的一方对另一方的需要是两者间的内在联系，是内涵的反映。那么，如果一方孤立的时候，这一方一定是平静、均衡甚至呆板、无意义的，它既不与另一方存在对比关系，更不体现生气活力。
我们可以从风格学的角度来分析。将遒劲、浑厚的风格与清秀、流畅的风格并置于同一个作品中，让它们在矛盾中建立和谐，在和谐中制作对比，对比产生的关系必然呈多元性，这也是形式构成。
这种形式构成的效果，反映出作者心绪与感情的表达更加深邃了，突出了作品的艺术性。
古人也十分强调形式构成。王献之的《十二月帖》，开篇“十二月”三个字类似于楷法，大多数是行书结体方式，但通篇却是草法，用笔连绵，十分流畅。颜真卿的《裴将军诗》，篆隶笔意、楷行草诸体并用，字的大小、长短、粗细、参差，引人注目。#弘耑课堂##书法教育##弘耑访谈#
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笔墨和空白是书法作品中最大的形式构成，它们都是相对独立的整体，各有各的造型和审美内涵。因此，不仅要关注点画和结体的造型，而且特别强调点画内、结体内、结体间、行列间以及作品周边空白的造型。
另一方面，书法的形式是各种造型的组合关系。例如点画与点画的组合、结体与结体的组合、字组的组合、行的组合、区域的组合，直至笔墨与空白的组合等。这些组合从小到大，随着组合关系的不断扩大，审美内涵也逐渐丰富。
书法作品中各种层次的组合都会带来新的审美内涵，系统论认为一加一大于二，整体大于局部之和，这种大于部分的审美内容就是由组合关系产生的。书法创作中组合关系是怎样产生的呢？
01/
制造对比
强调对比关系
对比是指点画形态的粗细长短、结体造型的大小正攲、书写速度的快慢疾涩、运笔变化的提按顿挫、整体布局的疏密虚实、用笔墨色的浓淡枯湿等一组组矛盾的对立。
对比是书法形式存在的基础，制造对比，就是创造形式。但对比不是书法创作的终极目标。因此不仅要强调对比，更需要注重对比后所产生的各种关系。强调对比不难，难的是更好地表现对比后所产生的关系。对比是“形而下”的范畴，不是有了对比就一定可以产生和谐美妙的关系。一些低劣的书法作品中也不乏对比，但这种对比只有大与小、粗与细、长与短的区别，对立面之间比例失调，失去了可比性，因而也就失去了艺术性。
如果为对比而对比，或者缺乏对比的艺术自觉性，那么，这种对比不会产生美感，这种对比是没有意义的。
我们所要的对比，是反差强烈、关系和谐、自然生动的对比。所以，对比首先是对立，它把“中和”一分为二，通过对比求得和谐；其次，对比建立在对立统一的基础之上，只有相互依赖、依靠对方，才能表明自身价值。制造对比，还要强调对比关系在对立与统一中的协调。
02/
重在组合
强调组合关系
善书者，作品中无处不组合。组合是书法创作中极为普遍的规律，它包含点画组合、结体组合、组的组合、行的组合、列的组合、篇的组合，还有点画与结体的组合、结体与结体的组合、组与行的组合和行与行、列与列的组合等等。作品中所有元素都是造型元素，同时又都是组合元素。
一般地说，组合分为竖向组合和横向组合。可调节字间距以构建竖向组合，调节行间距以构建横向组合。当字与字的间距小于字形结构内点画之间距离时，便将两字或数字连接起来，不分彼此，成为一个长短距离各异的组合。同理，当行间距离模糊时，横向空间距离消失，从而使得横向连接成块和片的形态。
组合的审美价值很关键，它通过结体的组合变化，减少造型元素的单调重复，从而增加组合后新的造型元素的表现力。
比如：创作一幅二十个字的斗方，通过组合连接，可能变为十五个字的空间，甚至八九个字的空间。组合后的“字”型不再是单一的方形，可以有方有圆、有大有小、有宽有窄等。这种创造性的组合关系，构成了艺术上的形式意味。
结体的组合是指字内的组合关系，比如对宽窄关系、长短关系、高低关系、上下左右关系的建构等。组的组合是指根据整体效果的需要，将字编成组，可以半个字一组、一个字一组，也可以三五个字或更多的字一组。行的组合是指行的长短、宽窄、疏密、断续。列的组合是指行间空白的块、面、方、圆及各种不规则的造型等。篇的组合是指整体的谋篇布局。
组合是手段，不是目的；组合是过程，不是结果。但手段与目的、过程与结果都要服从于整体效果，即不仅要强调组合，而且要强调组合关系。书法作品的组合关系越多，内涵就越丰富，组合后对比反差越大，视觉效果就越强烈。但是这样一来，作品要想和谐组合就比较困难。
因此不能不系统化，将它们归并为形和势两大系列：粗细方圆、大小正侧、枯湿浓淡等为形，提按顿挫、轻重快慢、离合断续等为势。因此蔡邕说：“阴阳既生，形势出焉。”
自然万物千姿百态，归根到底是阴阳之间的对立统一；书法艺术千变万化，归根到底是形势之间的对立统一。形与势都以对方的存在为自己存在的前提。所有的形都是在运动中完成的，有一定的速度；所有的势都凝固在纸上，依赖一定的形。形必须靠势来激活，势必须靠形来显现。没有势的形是泥人木偶，没有形的势则根本就不存在。形与势的存在相辅相成，形与势的表现相映生辉。形势合一，才能使书法艺术获得有血有肉的生命形象。
03/
注重局部
强调整体效果
鲁道夫·阿恩海姆有句名言：“整体大于部分之和。”我们可以把“部分”理解为书法作品中的单元（当然也可以理解为点画、字或某一个区域）。按照阿恩海姆的理论，“部分”可分为“真正的部分”和“非真正的部分”。“真正的部分”是指整体情景中被分割的次整体部分；“非真正的部分”是指与有限的区域情景相联系的段落。
因此，书法作品中的局部，如单元（组）或字的设计，必须服务于作品整体的需要，当然，局部的质量也直接影响着整体的格调。
这里要强调的是，一件作品的“部分” ——字、组、区域不一定要达到完整状态，因为任何一个完整的次级整体很难与另一个完整的次级整体相组合。我非常赞同阿恩海姆的说法，一个好的框架结构，既不是完整得令人震惊，也不是不完整得令人沮丧。书法创作，一定要有章法意识，不能在一件作品中追求每一个字、每一个组合的完美，更不能要求笔笔中锋、字字有出处，要着重考虑各种组合和对比后产生的关系。
其实，书法创作中到底中锋好还是侧锋好，帖学好还是碑学好，快速好还是慢速好，回答只有一个：重在整体构建，符合整体需要的便是好。
书法创作应当特别注重作品的整体章法，在点画和结体的基础上，进一步强调字与字、行与行，甚至笔墨与空白的构成。要书法作品不是文本式的，而是图式的；不是阅读的，而是观看的。使书法表现的叙述顺序从宏观到微观，首先是笔墨与空白的构成，然后是行与行的构成、组与组的构成，再然后才是结体的构成和点画的构成。
“唯观神采，不见字形”，书法作品如果让人第一眼感觉到的只是字或者是点画，就不是一件好作品。
04/
营造空间性
强调时间性
书法艺术是可视的、图式的，贵于造型变化。书法艺术中线条、结体、章法、布白的造型体现了书法艺术的空间特征；同时，书法创作过程是流动的、动态的，线条从点到线的书写过程以及运笔中曲直圆折等书写节奏的实现都以时间性为表征，使书法艺术又具有时间性特征。
因此，我们说书法艺术是空间性与时间性兼备的艺术。
具体而言，书法的空间性与造型相关，借助造型中的大小、长短、松紧、宽窄、正斜、枯润、断连、方圆、粗细、浓淡等诸要素的对比，强调体势变化。
一个有创作思想的书家，几乎是让每个字的结构造型处在一种不确定性的变化状态，在实际创作中，以一种不确定性来构建每个新的空间关系，使得造型元素的上下左右得以呼应、顾盼，追求一种以整体为基础的大平衡。大平衡是一种整体审美观，它尽量使单个字的造型不稳、不到位、不完美，再通过上下左右的呼应、修合、填补，然后建立起大的平衡形态。因此，大平衡不是独立的，而是联系的、协调的，是有条件的。
书法艺术的时间性是书法美学的重要组成部分，是书法神采、气韵的内在要素，是步入书法艺术殿堂的“钥匙”。
从某种意义上讲，它对造型、通篇起着极大的制约作用，故而对作品的雅俗也起到重要的影响。书法艺术的时间性，一部分表现为有形，一部分表现为无形。所谓有形，是指书法艺术的空间品格包含着时间特征，因为线条的形成过程也是时间的展开过程。线条从起到止，是时间的连续；线条方向的变化、长短的变化、顿挫的变化都是时间的表征。所谓无形，是指处在落笔之前、收笔之时，甲线条与乙线条之间的关系。书法家自提笔开始，一直到创作结束，除了有形的线条之外，其他也全都属于书法艺术的时间特征。
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综合传统
理解构成
从具体的创作风格而言，帖学按照时间推移而表现其审美诉求，如上下连绵的书写流动性；碑学却注重营造一种空间造型的张力诉求，如应用对比与顾盼的呼应关系，营造一种空间美。而时空观所强调的是碑帖结合、风格多样、诸体合璧，这样就提出一个构成的问题。
帖学上下流动的时间性与碑学的张力空间美的并用，也是形式构成中的具体运用。草体与楷隶的交叉点缀，方笔与圆笔的穿插互用，各种对比元素在重构中极度夸张，其结果，既有对传统审美的解构和重构，也有对时代审美符号的创新建立。
时代赋予了对各种语言元素的使用自由，使得创作有了新的时空观。表现元素在书法语言中的多元化，势必导致相互排斥、相互矛盾，但正因为如此，才使得任何一方的存在都不是孤立的，而是需要对方的存在以支撑自己存在的价值。矛盾的一方对另一方的需要是两者间的内在联系，是内涵的反映。那么，如果一方孤立的时候，这一方一定是平静、均衡甚至呆板、无意义的，它既不与另一方存在对比关系，更不体现生气活力。
我们可以从风格学的角度来分析。将遒劲、浑厚的风格与清秀、流畅的风格并置于同一个作品中，让它们在矛盾中建立和谐，在和谐中制作对比，对比产生的关系必然呈多元性，这也是形式构成。
这种形式构成的效果，反映出作者心绪与感情的表达更加深邃了，突出了作品的艺术性。
古人也十分强调形式构成。王献之的《十二月帖》，开篇“十二月”三个字类似于楷法，大多数是行书结体方式，但通篇却是草法，用笔连绵，十分流畅。颜真卿的《裴将军诗》，篆隶笔意、楷行草诸体并用，字的大小、长短、粗细、参差，引人注目。#弘耑课堂##书法教育##弘耑访谈#
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