伊能静从去年开始，频频亮相综艺节目，复出回归歌手和演员。尤其是在《乘风破浪的姐姐》中大放异彩，更让不少观众留意到她和秦昊现在拥有的幸福家庭。
在伊能静与庾澄庆之间的恩恩怨怨已经被大家淡忘的时候，他们的儿子“小哈利”却以“庾恩利”的名字出道，以音乐人的身份进入娱乐圈。
伊能静和庾澄庆的名字再度被“绑在了一起”。
1.不合适的婚姻
1986年，18岁的伊能静认识了大她8岁的歌手庾澄庆。我们很熟悉的歌曲《春泥》，就是庾澄庆写给伊能静的。俩人在谈了14年的“地下情”后修成正果，在美国注册结婚。
这段才子佳人的婚姻，从一开始就没有获得太多的祝福。
庾澄庆是显赫的豪门世家之后，长辈们无论在商场还是政界都曾是风云人物。他的母亲也大有来头，曾为国宝级的京剧名伶。
作为独子的庾澄庆，从一出生就背负着家人的期望。而在婚姻问题上，更是被父母拿着放大镜去观看，绝不容孩子的婚姻有失体面。
在庾家人看来，门不当户不对的伊能静是“配不上”庾澄庆的。
伊能静生长在一个普通家庭，有七个兄弟姐妹，生父给她取名“吴静怡”。因父母早年离异，母亲改嫁给日本人后，她被改名为伊能静江。
长相甜美的伊能静江以唱跳歌手出道，艺名“伊能静”，曾唱红《悲伤茱丽叶》、《我是猫》及《十九岁的最后一天》等歌曲。
一个家世普通的女孩子嫁入“豪门”，其中的是是非非几乎能写出几部狗血剧。
2.母子情深
在伊能静和庾澄庆婚姻续存的九年间，伊能静曾无数次向传媒吐槽婆婆的“犀利”，说婆家“看不起”自己。婆媳之间矛盾不断，通过传媒之间的隔空骂战也时有发生，而夹在其中的庾澄庆，心酸只能是苦乐自知。
2002年，儿子“小哈利”在美国出生，孩子的出生不但没有调和伊能静与庾家的恩怨，反而在教养问题上，产生了更多的矛盾。
2009年，伊能静通过经纪公司正式发表离婚声明，结束与庾澄庆九年的婚姻。孩子由庾澄庆抚养。
从此，两个人的生活走出了两条平行线。为了孩子，他们仍然彼此支持，相互成就，以朋友的方式相处。
2000年，庾澄庆晒出儿子毕业照，里面没有伊能静的身影。当时有媒体指伊能静只顾及自己的新家庭，而忽视对大儿子的关心。
事实上，伊能静对小哈利就如同普通母亲一样，非常关心孩子的成长状况，母子间的感情也十分深厚。
在《乘风破浪的姐姐》节目上，伊能静选唱了一首陌生的歌曲，而这首歌就是小哈利为她所写的。她在微博里写道：“谢谢你写给我的歌，我一直舍不得唱，觉得让我唱太浪费了，这么多年，我已经是待在家的妈妈，不是舞台上的巨星”。更夸赞儿子的作品说，第一次听到时，仿佛看见巨大的夜空下，城市里的人全都出来舞蹈，再也没有距离。
为了参加《乘风破浪的姐姐》，伊能静只得暂时离开和秦昊所生的小女儿米粒，而黏她的女儿，因为想妈连打了40次视频电话给她，呼喊着要妈妈的米粒哭哑了嗓子，当时伊能静当时正准备上台，着急得几乎想要放弃比赛。
支持她拼下去的，正是儿子小哈利。他代替妈妈把米粒哄睡，凌晨3点还贴心地发信息让伊能静安心。他作为哥哥的责任感让伊能静感到十分感动，伊能静告白儿子时说：“小宝贝长大了，长出了粗壮的枝干，等待枝繁叶茂的未来。谢谢儿子，妈妈爱你”。伊能静最后坚持上台，要把儿子的歌唱完，让大家知道她多么以儿子为傲，母子之情也让人深深感动。
当小哈利以“庾恩利”的名字宣布出道的第一时间，她就立刻发文力挺儿子：“你成全了我做自己，我也希望我能成就你独立自由”。她希望儿子能有一把更清亮的嗓音，把他遗传的音乐能力，让更多人听见。
3.穿女装的儿子
庾恩利从小就很会画画，他觉得“绘画是一种可以输出自己想法的艺术形式，它可以代替我去表达很多东西”。他曾在视频里晒出画妈妈的画作，十分传神。
喜爱艺术的庾恩利，对穿搭有着独到的想法。他说，“觉得服装是就是穿戴在人体上的艺术，所以我喜欢就是每天走出去见人的时候，在外面的时候都会可以体现出一个不同的自己”。
在探索服装设计这个爱好上，除了在学业上辅修服装设计之外，他也走出了与常人不一样的路。
他私下里喜欢扮女装、研究化妆品或服饰，伊能静就曾邀请儿子一同拍摄舞蹈影片，还一起接下了高级珠宝的广告代言，母子同框拍摄广告照片。
在庾恩利的社交平台上，他还自信地晒出自己穿女装的照片。在照片中，他与男同学2人穿上贴身长裙，裙子上有缤纷的图案点缀。两人头上披着长假发、戴着粉色的造型发箍，看起来梦幻可爱。
庾恩利曾公开表示过，“不完美即是完美”的观点，他坦言自己并不是一个“完美”的人。
庾澄庆也公开表示，他一直默默地关注着儿子的微博，“我觉得小孩做他想做的事情，然后健康、快乐就是完美。”大方表态支持儿子。
4.
在很多人的心中，因为父母离异会导致孩子流离失所，所以会选择强撑一段并不幸福的婚姻。明星们的婚姻因为有了大众和媒体过多的关注，更会陷入一种貌合神离，不敢分、不敢离的状态。
星二代们在这种环境下成长，背负了许多不应该属于他们的压力。父母的支持和鼓励是他们前进道路的重要助力。
如今的庾恩利在父母心中，早已是独一无二最闪耀的明星。相信出道之后，父母也会给予他更多的支持，照亮他前行的路。
在伊能静与庾澄庆之间的恩恩怨怨已经被大家淡忘的时候，他们的儿子“小哈利”却以“庾恩利”的名字出道，以音乐人的身份进入娱乐圈。
伊能静和庾澄庆的名字再度被“绑在了一起”。
1.不合适的婚姻
1986年，18岁的伊能静认识了大她8岁的歌手庾澄庆。我们很熟悉的歌曲《春泥》，就是庾澄庆写给伊能静的。俩人在谈了14年的“地下情”后修成正果，在美国注册结婚。
这段才子佳人的婚姻，从一开始就没有获得太多的祝福。
庾澄庆是显赫的豪门世家之后，长辈们无论在商场还是政界都曾是风云人物。他的母亲也大有来头，曾为国宝级的京剧名伶。
作为独子的庾澄庆，从一出生就背负着家人的期望。而在婚姻问题上，更是被父母拿着放大镜去观看，绝不容孩子的婚姻有失体面。
在庾家人看来，门不当户不对的伊能静是“配不上”庾澄庆的。
伊能静生长在一个普通家庭，有七个兄弟姐妹，生父给她取名“吴静怡”。因父母早年离异，母亲改嫁给日本人后，她被改名为伊能静江。
长相甜美的伊能静江以唱跳歌手出道，艺名“伊能静”，曾唱红《悲伤茱丽叶》、《我是猫》及《十九岁的最后一天》等歌曲。
一个家世普通的女孩子嫁入“豪门”，其中的是是非非几乎能写出几部狗血剧。
2.母子情深
在伊能静和庾澄庆婚姻续存的九年间，伊能静曾无数次向传媒吐槽婆婆的“犀利”，说婆家“看不起”自己。婆媳之间矛盾不断，通过传媒之间的隔空骂战也时有发生，而夹在其中的庾澄庆，心酸只能是苦乐自知。
2002年，儿子“小哈利”在美国出生，孩子的出生不但没有调和伊能静与庾家的恩怨，反而在教养问题上，产生了更多的矛盾。
2009年，伊能静通过经纪公司正式发表离婚声明，结束与庾澄庆九年的婚姻。孩子由庾澄庆抚养。
从此，两个人的生活走出了两条平行线。为了孩子，他们仍然彼此支持，相互成就，以朋友的方式相处。
2000年，庾澄庆晒出儿子毕业照，里面没有伊能静的身影。当时有媒体指伊能静只顾及自己的新家庭，而忽视对大儿子的关心。
事实上，伊能静对小哈利就如同普通母亲一样，非常关心孩子的成长状况，母子间的感情也十分深厚。
在《乘风破浪的姐姐》节目上，伊能静选唱了一首陌生的歌曲，而这首歌就是小哈利为她所写的。她在微博里写道：“谢谢你写给我的歌，我一直舍不得唱，觉得让我唱太浪费了，这么多年，我已经是待在家的妈妈，不是舞台上的巨星”。更夸赞儿子的作品说，第一次听到时，仿佛看见巨大的夜空下，城市里的人全都出来舞蹈，再也没有距离。
为了参加《乘风破浪的姐姐》，伊能静只得暂时离开和秦昊所生的小女儿米粒，而黏她的女儿，因为想妈连打了40次视频电话给她，呼喊着要妈妈的米粒哭哑了嗓子，当时伊能静当时正准备上台，着急得几乎想要放弃比赛。
支持她拼下去的，正是儿子小哈利。他代替妈妈把米粒哄睡，凌晨3点还贴心地发信息让伊能静安心。他作为哥哥的责任感让伊能静感到十分感动，伊能静告白儿子时说：“小宝贝长大了，长出了粗壮的枝干，等待枝繁叶茂的未来。谢谢儿子，妈妈爱你”。伊能静最后坚持上台，要把儿子的歌唱完，让大家知道她多么以儿子为傲，母子之情也让人深深感动。
当小哈利以“庾恩利”的名字宣布出道的第一时间，她就立刻发文力挺儿子：“你成全了我做自己，我也希望我能成就你独立自由”。她希望儿子能有一把更清亮的嗓音，把他遗传的音乐能力，让更多人听见。
3.穿女装的儿子
庾恩利从小就很会画画，他觉得“绘画是一种可以输出自己想法的艺术形式，它可以代替我去表达很多东西”。他曾在视频里晒出画妈妈的画作，十分传神。
喜爱艺术的庾恩利，对穿搭有着独到的想法。他说，“觉得服装是就是穿戴在人体上的艺术，所以我喜欢就是每天走出去见人的时候，在外面的时候都会可以体现出一个不同的自己”。
在探索服装设计这个爱好上，除了在学业上辅修服装设计之外，他也走出了与常人不一样的路。
他私下里喜欢扮女装、研究化妆品或服饰，伊能静就曾邀请儿子一同拍摄舞蹈影片，还一起接下了高级珠宝的广告代言，母子同框拍摄广告照片。
在庾恩利的社交平台上，他还自信地晒出自己穿女装的照片。在照片中，他与男同学2人穿上贴身长裙，裙子上有缤纷的图案点缀。两人头上披着长假发、戴着粉色的造型发箍，看起来梦幻可爱。
庾恩利曾公开表示过，“不完美即是完美”的观点，他坦言自己并不是一个“完美”的人。
庾澄庆也公开表示，他一直默默地关注着儿子的微博，“我觉得小孩做他想做的事情，然后健康、快乐就是完美。”大方表态支持儿子。
4.
在很多人的心中，因为父母离异会导致孩子流离失所，所以会选择强撑一段并不幸福的婚姻。明星们的婚姻因为有了大众和媒体过多的关注，更会陷入一种貌合神离，不敢分、不敢离的状态。
星二代们在这种环境下成长，背负了许多不应该属于他们的压力。父母的支持和鼓励是他们前进道路的重要助力。
如今的庾恩利在父母心中，早已是独一无二最闪耀的明星。相信出道之后，父母也会给予他更多的支持，照亮他前行的路。
#漫威电影#为什么这么多人喜欢漫威电影？
漫威电影的艺术性近日备受热议，然而漫威电影在技术上的突破与商业性上的成功是毋庸置疑的。
在业内，评价一部电影的好坏一般是三元分立的：艺术性，商业性，技术性。
上一个将三者完美结合的还是卡梅隆导演的《阿凡达》，卡梅隆之前少有，卡梅隆之后也罕见。
而漫威系列作品，则是为数不多能够将商业性与技术性都做到极高水准的作品。
1、好莱坞电影工业头一号
随着《复联4》与《蜘蛛侠：英雄远征》的热映之后，漫威系列作品的全球总票房早已经超过200亿美元，充分证明了“漫威大片模式”的商业号召力。
更难得的是，漫威电影宇宙虽然数量很多，但几乎没有烂片，在烂番茄上没有一部漫威电影的新鲜度低于66%，最高的9部新鲜度都在89%以上。
用 NewYork Times 专栏作家 Peter Suderman 的话说，漫威的电影都是“pretty good”。
可以说漫威用他独特的体系，重塑了整个好莱坞的电影生态，在某种程度上，漫威就是过去10年好莱坞商业电影的代名词。
好莱坞的研究者们曾经研究过从99年到04年，超过10亿电影，发现这些超级卖座电影有非常多共同点：
改编自童话、漫画或小说；
以儿童或少年为主角；
没有裸露或交欢场景；
都有长相怪异的配角适合做成玩具；
有大的动作场面，但不血腥；
大团圆结局；
采用身价未到一线的演员等。
这些元素相加，几乎就是一部十亿美元电影。后来业内把这个法则叫做“米达斯公式”。
今天的漫威模式实际上就是“米达斯公式”法则的加强版。
比起十几年前那一波商业大作，漫威把主角的年龄从儿童、青少年扩展到了更广的范围，能笼络更多受众，还利用了IP数量上的优势让超级英雄们的故事在大荧幕上互相串联。
领先全球的电影技术，无比周密的计划，极致的工匠精神，这就是好莱坞电影工业的可怕之处！漫威系列更是好莱坞电影工业头一号。
2、技术前沿的领头羊
从默片到有声电影，再到彩色电影，技术一直推动着电影产业发展，而电影的许多瓶颈也催促着技术的提高。
在技术与电影产业的相互促进中，爆米花电影所能够代表的就是观众主流的需求，代表了当下最流行最时尚的文化。
21世纪，商业电影可以是在AI时代观众对自己的想象，以及对宇宙的探索。与其说超级英雄电影很像游戏，不如说超级英雄电影实现了很多人的梦想。
所以，漫威等超级英雄电影的成功绝非仅仅有超级英雄，而是对当下时代最准确的书写和表达。
漫威电影代表了当下电影工业的最高水平，上天入地、人机结合、时空穿梭、外星探险等都因为电影特技已经达到了一定水准，可以把这些展现出来。
从这一角度来讲，漫威电影是电影工业中的重要一环。
电影从诞生以来，一直都是艺术与商业共同的产物。好莱坞的崛起本身就建筑于流水线一样的制片厂制度之上。
卡梅隆导演的《阿凡达》引领了3D与IMAX浪潮，并不是因为这项技术多么新（3D技术早已发明了）或者电影本身拍的多么多么厉害（当然电影确实很厉害），而关键是它拿到了白花花的27亿票房。
推动电影技术进步的最大力量是什么？是观众的需求，是市场。
体现在数据上就是票房。
商业电影需要适应市场需求，也会对市场方向进行探索。
然而，让电影对市场进行引导之前，市场对电影的“容纳度”就很重要。
无法生存下来的电影，当然谈不上引导市场。
正如《阿凡达》引领的3D与IMAX浪潮，漫威电影在电影技术的突破性上也一直处于前沿。
《惊奇队长》中，神盾局长尼克·弗瑞的返老还童让人眼前一亮。
独眼的尼克局长不以双眼示人，还恢复了一头乌黑亮丽的头发！而曾经发际线感人的科尔森特工也变成了帅帅的模样。
这项“返老还童”技术在《双子》中得到了广泛的应用与关注，然而在漫威中已经几乎算是“常见”的做法。
在电影《美国队长3》中，漫威就帮助钢铁侠小罗伯特唐尼回到了17岁。
《蚁人1》中也用在皮姆博士身上，将七十多岁的演员麦克道格拉斯变成了三四十岁的样子。
《银河护卫队》中，星爵之父伊戈也曾经“年轻”乐三十多岁，蓬松茂密的头发，英俊的脸庞。
甚至在科技前瞻性，漫威系列电影也从未放弃充分发散想象力。
小说，漫画以及电影对于前沿科技的想象，能够对现实科学技术的推进起到启迪作用，这并不罕见。
正如同在黑洞照片出现之前，观众无法想象真正的黑洞可能跟《星际穿越》中的“卡冈图雅”黑洞几乎一样。
漫威电影一定程度上，也在努力尝试突破科技的“想象力边界”。
如x战警系列、奇异博士、雷神系列都可以当作“超级科学电影”看，对刺激想象力很有帮助。
3、地位超然的“剪辑师”
漫威电影有如此强大的影响力，剪辑师功不可没。
好莱坞已经形成了成熟的工业流程，在制作商业大片环节中，大导演才有剪辑权，中小导演的责任只是负责把剧本转化为影像素材。
吴宇森当初去好莱坞，也只是一名新兵，第一部动作片是《终极标靶》，被制片方剥夺了剪辑权。
剪辑水平的高低，会呈现出完全不同样貌的影片。
而漫威系列作品的剪辑一直受到业内的统一认可。
就连马丁批评漫威的时候说的也是“真正的电影，最后经过时间的淬炼，留给人们的，是故事内核的痛苦和情感，而不是一些系列优雅的构图和剪辑。”
从侧面上也肯定了漫威电影中构图与剪辑的优秀。
《美队3》的机场打斗剪辑，《复联3》的泰坦星打斗里的剪辑都十分出色，往往是粉丝混剪“漫威精彩片段”必选片段，而《蚁人》在变大缩小之间的剪辑尤为出彩，甚至被粉丝评为“漫威最佳剪辑”。
火车、地铁上的打斗在超级英雄电影中屡见不鲜，但像《蚁人》这样把决战场景集中在卧室里的玩具火车上还是头一遭。
“蚁人”作为超级英雄最厉害的攻击力，就在适时变大和变小的转换过程中。
微观世界镜头与现实世界镜头的交错、混搭，在这部超级英雄作中体现地极其明显，通过剪辑塑造视觉上的多样性所带来的愉悦，在其他漫威超级英雄作中很难找到。
在拍摄该场景时，特效团队先是用CG建模模拟出特定镜头的基本构图，将其当做一场发生在真实大小的火车上的动作戏，航拍、移动摄影、手持拍摄全都用上。
如此一来，微观世界中的打斗会因为镜头的多变产生大片才有的紧迫感，而一旦镜头切换到正常人视角，观众下一秒才看到只不过是玩具火车脱轨。
剪辑所带出的强烈反差会产生意想不到的喜剧效果，这就是影迷所说的“反差萌”。
看过《热血警探》的影迷肯定对以下这组镜头印象深刻。
这种类似PPT短镜头的不连贯镜头剪辑法，是埃德加·赖特所独有的秘技。在《蚁人》中，成为了“抢戏王”迈克尔·佩纳的出彩工具。
这种剪辑法+类似小咖秀的神同步，让镜头面前的故事产生了魔性一样的喜感。
在剪辑中，剪辑师需要考量观众酝酿情绪的时间，这一点漫威电影也做得十分到位。
当我们能和荧幕上的人物产生共鸣，是因为我们有时间能在他们说话之前看到他们的脸，以及感受之后所发生的事。而剪辑师要决定的是，要给主人公的情绪多久时间。
《蚁人》在这个场景里史考特失败的场景只用了30帧，直观的让观众带入史考特那种焦躁与不理解的心情，甚至吐槽一句“哪有这么快的”。
漫威电影的艺术性近日备受热议，然而漫威电影在技术上的突破与商业性上的成功是毋庸置疑的。
在业内，评价一部电影的好坏一般是三元分立的：艺术性，商业性，技术性。
上一个将三者完美结合的还是卡梅隆导演的《阿凡达》，卡梅隆之前少有，卡梅隆之后也罕见。
而漫威系列作品，则是为数不多能够将商业性与技术性都做到极高水准的作品。
1、好莱坞电影工业头一号
随着《复联4》与《蜘蛛侠：英雄远征》的热映之后，漫威系列作品的全球总票房早已经超过200亿美元，充分证明了“漫威大片模式”的商业号召力。
更难得的是，漫威电影宇宙虽然数量很多，但几乎没有烂片，在烂番茄上没有一部漫威电影的新鲜度低于66%，最高的9部新鲜度都在89%以上。
用 NewYork Times 专栏作家 Peter Suderman 的话说，漫威的电影都是“pretty good”。
可以说漫威用他独特的体系，重塑了整个好莱坞的电影生态，在某种程度上，漫威就是过去10年好莱坞商业电影的代名词。
好莱坞的研究者们曾经研究过从99年到04年，超过10亿电影，发现这些超级卖座电影有非常多共同点：
改编自童话、漫画或小说；
以儿童或少年为主角；
没有裸露或交欢场景；
都有长相怪异的配角适合做成玩具；
有大的动作场面，但不血腥；
大团圆结局；
采用身价未到一线的演员等。
这些元素相加，几乎就是一部十亿美元电影。后来业内把这个法则叫做“米达斯公式”。
今天的漫威模式实际上就是“米达斯公式”法则的加强版。
比起十几年前那一波商业大作，漫威把主角的年龄从儿童、青少年扩展到了更广的范围，能笼络更多受众，还利用了IP数量上的优势让超级英雄们的故事在大荧幕上互相串联。
领先全球的电影技术，无比周密的计划，极致的工匠精神，这就是好莱坞电影工业的可怕之处！漫威系列更是好莱坞电影工业头一号。
2、技术前沿的领头羊
从默片到有声电影，再到彩色电影，技术一直推动着电影产业发展，而电影的许多瓶颈也催促着技术的提高。
在技术与电影产业的相互促进中，爆米花电影所能够代表的就是观众主流的需求，代表了当下最流行最时尚的文化。
21世纪，商业电影可以是在AI时代观众对自己的想象，以及对宇宙的探索。与其说超级英雄电影很像游戏，不如说超级英雄电影实现了很多人的梦想。
所以，漫威等超级英雄电影的成功绝非仅仅有超级英雄，而是对当下时代最准确的书写和表达。
漫威电影代表了当下电影工业的最高水平，上天入地、人机结合、时空穿梭、外星探险等都因为电影特技已经达到了一定水准，可以把这些展现出来。
从这一角度来讲，漫威电影是电影工业中的重要一环。
电影从诞生以来，一直都是艺术与商业共同的产物。好莱坞的崛起本身就建筑于流水线一样的制片厂制度之上。
卡梅隆导演的《阿凡达》引领了3D与IMAX浪潮，并不是因为这项技术多么新（3D技术早已发明了）或者电影本身拍的多么多么厉害（当然电影确实很厉害），而关键是它拿到了白花花的27亿票房。
推动电影技术进步的最大力量是什么？是观众的需求，是市场。
体现在数据上就是票房。
商业电影需要适应市场需求，也会对市场方向进行探索。
然而，让电影对市场进行引导之前，市场对电影的“容纳度”就很重要。
无法生存下来的电影，当然谈不上引导市场。
正如《阿凡达》引领的3D与IMAX浪潮，漫威电影在电影技术的突破性上也一直处于前沿。
《惊奇队长》中，神盾局长尼克·弗瑞的返老还童让人眼前一亮。
独眼的尼克局长不以双眼示人，还恢复了一头乌黑亮丽的头发！而曾经发际线感人的科尔森特工也变成了帅帅的模样。
这项“返老还童”技术在《双子》中得到了广泛的应用与关注，然而在漫威中已经几乎算是“常见”的做法。
在电影《美国队长3》中，漫威就帮助钢铁侠小罗伯特唐尼回到了17岁。
《蚁人1》中也用在皮姆博士身上，将七十多岁的演员麦克道格拉斯变成了三四十岁的样子。
《银河护卫队》中，星爵之父伊戈也曾经“年轻”乐三十多岁，蓬松茂密的头发，英俊的脸庞。
甚至在科技前瞻性，漫威系列电影也从未放弃充分发散想象力。
小说，漫画以及电影对于前沿科技的想象，能够对现实科学技术的推进起到启迪作用，这并不罕见。
正如同在黑洞照片出现之前，观众无法想象真正的黑洞可能跟《星际穿越》中的“卡冈图雅”黑洞几乎一样。
漫威电影一定程度上，也在努力尝试突破科技的“想象力边界”。
如x战警系列、奇异博士、雷神系列都可以当作“超级科学电影”看，对刺激想象力很有帮助。
3、地位超然的“剪辑师”
漫威电影有如此强大的影响力，剪辑师功不可没。
好莱坞已经形成了成熟的工业流程，在制作商业大片环节中，大导演才有剪辑权，中小导演的责任只是负责把剧本转化为影像素材。
吴宇森当初去好莱坞，也只是一名新兵，第一部动作片是《终极标靶》，被制片方剥夺了剪辑权。
剪辑水平的高低，会呈现出完全不同样貌的影片。
而漫威系列作品的剪辑一直受到业内的统一认可。
就连马丁批评漫威的时候说的也是“真正的电影，最后经过时间的淬炼，留给人们的，是故事内核的痛苦和情感，而不是一些系列优雅的构图和剪辑。”
从侧面上也肯定了漫威电影中构图与剪辑的优秀。
《美队3》的机场打斗剪辑，《复联3》的泰坦星打斗里的剪辑都十分出色，往往是粉丝混剪“漫威精彩片段”必选片段，而《蚁人》在变大缩小之间的剪辑尤为出彩，甚至被粉丝评为“漫威最佳剪辑”。
火车、地铁上的打斗在超级英雄电影中屡见不鲜，但像《蚁人》这样把决战场景集中在卧室里的玩具火车上还是头一遭。
“蚁人”作为超级英雄最厉害的攻击力，就在适时变大和变小的转换过程中。
微观世界镜头与现实世界镜头的交错、混搭，在这部超级英雄作中体现地极其明显，通过剪辑塑造视觉上的多样性所带来的愉悦，在其他漫威超级英雄作中很难找到。
在拍摄该场景时，特效团队先是用CG建模模拟出特定镜头的基本构图，将其当做一场发生在真实大小的火车上的动作戏，航拍、移动摄影、手持拍摄全都用上。
如此一来，微观世界中的打斗会因为镜头的多变产生大片才有的紧迫感，而一旦镜头切换到正常人视角，观众下一秒才看到只不过是玩具火车脱轨。
剪辑所带出的强烈反差会产生意想不到的喜剧效果，这就是影迷所说的“反差萌”。
看过《热血警探》的影迷肯定对以下这组镜头印象深刻。
这种类似PPT短镜头的不连贯镜头剪辑法，是埃德加·赖特所独有的秘技。在《蚁人》中，成为了“抢戏王”迈克尔·佩纳的出彩工具。
这种剪辑法+类似小咖秀的神同步，让镜头面前的故事产生了魔性一样的喜感。
在剪辑中，剪辑师需要考量观众酝酿情绪的时间，这一点漫威电影也做得十分到位。
当我们能和荧幕上的人物产生共鸣，是因为我们有时间能在他们说话之前看到他们的脸，以及感受之后所发生的事。而剪辑师要决定的是，要给主人公的情绪多久时间。
《蚁人》在这个场景里史考特失败的场景只用了30帧，直观的让观众带入史考特那种焦躁与不理解的心情，甚至吐槽一句“哪有这么快的”。
张颂：面对别人的浮躁，我们不能浮躁。面对种种诱惑，我们不能被迷惑。我们早已把心交给一项事业并为之奋斗终生！播音主持是一个名人事业，我们应把心放在如何为其尽心尽力上。目光不能紧盯名利，不能把名利当作最终奋斗目标。有了强大的责任心事业心，名利这些附属物自会随之而来 王喆永远牢记：不能浮躁！
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