《桥》创作于1981年,这首以表现水乡民众安居乐业、俨然自得的生活情景为背景的音画式的艺术歌曲,在歌曲旋律民谣化风格的贯穿、钢琴伴奏形象化的模仿、和声色彩的巧妙运用下,将江南民歌的韵味、小桥流水人家的江南特质表现得淋漓尽致。全曲旋律流畅、清新,歌词朴实自然,词曲融合在一起,古今情怀交融,描述了一幅入情入境美丽神奇的风景画。

如:《桥》中的主旋律“水乡的小桥姿态多,石头缝里长藤萝”,“姑娘挑藕桥头歇,老汉送粮桥下过。”这每一句都是一幅风景画。看似写景,其实抒情,情景交融,诗意绵绵。钢琴伴奏部分,在和弦与音型的运用方面,都达到了这些要求,使这首篇幅不大的艺术歌曲就像一幅栩栩如生的江南水墨风情画,深深地打动每一位听者的心。

《桥》这首声乐作品在专业院校声乐教学中占据着重要的位置，尤其是在男高音训练中。但是，我发现在当今很多的男高音演唱中，甚至知名歌唱家比赛中，都长久存在的演唱处理中几个令我费解的演唱处理，而且这几个费解之处已经在中国声乐教育界和声乐歌坛成为了人人模仿、人人效尤的约定成俗的演唱模式。

这个演唱模式就是：所有人把“姿态多”这一小节的“姿”延长到了两拍、把“石板缝里长藤萝”中的“长”突然停留延长到一拍半、把“三步两桥”中的“三、两”重点刻画、把“映碧波”中的“映”唱成了形容词、把“波”之前的两个倚音快速唱出甚至模糊掉、把：姑娘挑藕桥头歇，老汉送粮桥下过”这两句中的“挑、歇、送、过”这四个字都唱成了无足轻重的经过字。

而且，这种演唱模式一直在声乐教学中被人为的肯定和人为的认定。这是我极为不满和不赞同的地方。因为现在的这种处理方式，整个就是一个粗鄙的二百五！粗鄙的二百五的唱！粗鄙的二百五的教!

我为什么会加上“粗鄙”二字呢，因为粗鄙代表着不仅没有文化，更代表着自愿丑陋和自愿无知。

因为《桥》这首声乐作品是一副静态的江南水乡画，所有人都把它唱成了动态的农贸集市了。下面，我来一个一个解读。 https://t.cn/zRjmdAe

科巴，一个小小的高原山村，有着悠久古老文明传承，有着美妙山间民谣和玛尼调，有着在苍凉荒芜中炫丽色彩，有着生活在这里人文篇章和他们的故事。这才是我们民族最为温馨的本色：我们虽然艰苦、贫弱，但我们的梦想与古老生活，支撑我们寻找幸福、光明从没有间断，我们的歌声与舞蹈从来没有褪去。就像这部电影中那个小姑娘：央金拉，她没有爹娘在身边，却在歌声与舞蹈中找到自己和寄托，也最终用艺术改变自己的命运，她就是从雪山顶上飞下来的妙音鸟，为这个世界带来不一样生命轨迹、曼妙的歌声（在电影中的歌和音乐，有孩子们自己创作的歌曲，也有大山中本来存在的古老民谣、老调）。
这部电影，展现了山中两种不同生活观念碰撞：同样面对大山、封闭、贫穷与恶劣自然，山民是在一片安宁中维护所有信仰神灵，同时又与大自然做着艰苦奋斗。而孩子们则是把更多希望寄托在远方，那个遥远山外未知世界，而不是跟在长辈一起默认命运安排。通过这两种观念冲突，呈现出改变命运是可以通过自己努力实现，大山中的人文、艺术、生存、敬仰，是一幅动人心弦画卷。

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#电影正当夏##夏日影评大赛#
故事设定在六十年代的美国，生活困顿的民谣歌手勒维恩没有固定的工作，每晚得靠朋友们的救济安身。尽管陷入了这样的艰难境地，固执的他仍不愿意顺应大众而做出改变，他出门闯荡，却又一无所获的回来，继续回到曾经兼职的小酒馆打工。

对于勒维恩来说，他追求纯粹的民谣而非商业化的作品，不为迎合主流大众，因此总是与社会格格不入，简对他说，“你说我是个功利主义者，我说你是个loser”，但loser也好，歌手、艺术家也罢，找不到出口的生活依旧坚持梦想，虽然失败，循环往复却也正是世俗的生活。

也许看到最后你会感叹，怎么好像什么都没有发生过，但确实又听了一个很长的故事。的确，熟悉的场景，熟悉的音乐，熟悉的氛围，勒维恩经历了许多却又回到这里了，不禁让人思考，本就渺小的我们，当梦想与现实冲突到底该选择什么？

科恩兄弟电影中一贯的音乐品味在这一部中也体现了出来，高品质的音乐配合着故事的节奏，每一次唱响都有意义。事实上影片中除了The Auld Triangle这一首是对口型，其余的歌曲全部由演员在拍摄现场演唱，更是贡献了百听不厌的电影原声Five Hundred Miles，几位主演翻唱的版本沁人心脾，今天看来这首动人旋律也依旧经久不衰。

看完这部电影，也许对“垮掉的一代”的感受比从美国文学书中读到的还要深刻，这部电影不励志，却异常现实。