#乘风破浪的姐姐#贾青堪称是拉票小能手，安又琪要是能像贾青这样，就可以成功翻红了吧。
可以这么说，她就是靠拉票成功的走到了现在，看她拉票时的操作，只能说太会“卖惨”。
在浪姐的舞台，学会拉票也是一项技能，贾青这项技能是修炼的如火纯青。她很懂得抓住观众的心理，
时不时的来点小眼泪，卖一卖惨，就能成功的博得观众的垂怜。
贾青很可能凭借拉票这个技能，成团出道，对此你怎么看？
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苏轼雄才大略，学识丰富，长于思维，胸怀宽阔，善于高屋建瓴地提出一些美学上的理论。针对北宋当时的绘画状况，他提出了形似与神似之间的关系的问题。他的绘画理论散见于一些文章和题画诗上，非常精辟，经常会妙语连珠，冒出思想的火花。如他批评吴道子：“论画以形似，见于儿童邻”，当是一种惊世骇俗的画论。因为吴道子向来有“画圣”之誉，不仅在当世，即使在五百年后的北宋也从者甚众。他的画法，相对于同时代的李思训，已属于写意画。他与李思训同在大同殿上画壁画，李笔下的山水一一细细勾勒，再填以青绿之色，作画孜孜不倦，数月方成。而吴道子则只是在饮酒醉后面壁一挥而就，一天就画完了嘉陵江三百里的景色。世传有“吴带当风”的说法，就是指他的用笔疾速飘逸，带有写意的成分。然而这种“写”成的画，在苏轼的眼里，还是画得太像太工，还没有舍弃其形，还在注重外形的酷肖和人物结构的逼真。苏轼觉得他使人只注意到画的形而其“神”不足，就如同儿童学画一样，最初总是以“像”为标准，认为不像的总不是好画。
苏轼所主张的好画，有两个标准：一是要有神有意，二是要有文化，这种画在对形的描绘上可以不必酷肖，不必太逼真，然而却要有神韵，有意味，而且应该从画面当中显示出充足的文学意韵来，进一步说，要能够显示出一个文人所具有的全部修养，诗、书法、绘画和印章的完美结合。这样一些条件，应当是非常苛刻的，也是一般的画工甚至是职业画家们难以达到的，非学养深厚的士大夫而不能入其境。
苏轼最为推举的画家是王维，他认为王维的画中最能体现士人画的精髓，因为他把一种独特的诗情融入进画里去、使一些即使普通平常的景致也充满了情趣，把画中所没有画出的东西也表现出来了，这样在看画的时候，就会体悟到一种诗一般的情致，这就是“画中有诗”。
然而，王维所能达到的，别人或许就难以望其项背。王维是盛唐三杰之一，与李白和杜甫齐名,文学成就极高。他又兼是佛学大师,深通禅理，又精通音乐，因此他的诗中潜现出的意境冷寂幽远，富含禅意，非常人所可能达到。他的这种文学诗情，被移到了他的画中去，使画里也浸满了浓浓的诗情，这种诗情又是靠画面的安排来体现出的，让人来体味。与之相比，无论是唐代的画家，还是宋代的大多数画家，都不具备王维这诸多的艺术修养，也达不到王维的这种意境。但唯有苏轼，他的才学与王维相当，兴趣爱好也相近，因此更能体会和崇敬王维之所为。
苏轼的这些观点，米芾也同意，在绘画革命、开宗立派这一点上他们结成了同盟军，共同创立了以写意为主的文人画。
不过，苏轼是个全才型的人物，他的精力最主要还是放在文学上。和他的无心做书家一样，他的作画也是遣兴而已，以此作为个人的修养。他的弟弟苏辙说他是“不学而得用笔之理”，是用他的绝顶聪明和丰富的才学来入门的，但他在绘画上的实践并不如米芾那样多，画的题材也没有米芾多，然而他的画论观点却是犀利而精到，往往一言就能中的。
北宋时的绘画很盛，米芾和苏轼所要创立的画派，就是符合文人士大夫胃口——高雅的、浅淡的、富于诗意的，并综合了文学、美术、书法等诸种艺术元素的品种、也是一种能够充分体现书写性的、有意趣的，并不拘泥于严格造型的画法。
这两位都不仅仅是理论者，也是实践者。不同的是苏轼的意趣是在花鸟科上，他画墨竹，画枯木怪石，都是在五代时的花鸟画家笔下没有出现过的题材，纯以水墨为之，不予敷彩，这也有别于徐熙的着色画法。他更是一改以往主要是以粗细相等的中锋细线来进行勾描的画法，而以富有节奏变化的书法用线来进行刻画，使之具有文人的典雅风格，又忽略了对外形的细致刻画，注重墨色的变化。而米则着意于山水画。
唐代之后，山水画渐臻成熟，到了宋代，已经上升为第一位的画，这一优势终之世未能改变。在中国画诸科中，总是山水第一，花鸟第二，人物已经退居第三了。五代时的山水画家众多，产生了许多大家,他们丰富了山水画的技法,并且创造出了中国画的皴法。皴法是中国画中最为独特的一种技法，它是作为表现山石的肌理和质感之用的。
皴法的出现，丰富了中国画的技法，也改变了画家用笔的方法，使他们不再单纯用中锋来勾勒描绘，而是可以用伏笔、侧笔、渴笔、枯笔甚至逆笔来作画，用来辅助仅仅勾勒而不足以表现山石质感的缺憾。
尽管米芾批评范宽的画“土石不分”，但范宽还是在他的画中大量地使用了皴法，而不单纯只是勾线填色。如果没有那些变化无穷的皴法，那画面会单调得多,宋代之后，皴法被提升到了与线条同样的高度，它和书法结合起来，既有“十八描”的说法，也有“十八皴”的说法，足见其丰富。
在材料上还有一项革新就是纸张，到了宋代中期已经开始使用生纸，即没有上过胶矾的纸。这样的纸会吸水，墨色上去之后会产生洇化，如果掌握不好就很难控制效果。相反画家恰恰可以利用这种洇化来产生水墨淋漓的画面效果，这种效果在很大的程度上是偶然性的，难以预期，远比画在熟纸和绢上丰富。生纸的被使用，促使画家的注意力从线条的表现上转到了墨色丰富的表现上。在此之前，笔墨基本是分开来的，很多勾勒填色的画大都是有笔无墨，墨只是作为渲染而被使用。但现在不同了，由于宣纸的独特效果，可以接受变化丰富的墨色，而且可以由于水分的多寡而变化无穷，这样墨的趣味就被凸显出来，真正达到了水墨淋漓的效果。用笔的轻重疾徐、正斜逆顺、蘸墨的多少、墨色的浓枯涩都可以从敏感的生宣上得到表现，虽然这一难度加大，然而也为画家们提供了更多实践的机会。
苏轼和米芾都是著名的书法家，他们因为不满意唐人那种重法度、讲究整齐划一的写法，而开创了宋代以尚意为特点的书法,他们把这一特点移用到了文人画的创建上，把尚意的精神带入绘画。这就对原来的画家的工整摹写的方法形成了挑战。苏轼之所以喜画枯木怪石，就是因为喜欢它们的扭曲道劲，富有形式上的变化。他在画这些题材时，使用了行书的线条，粗细有别，率意不经，枯涩并用，就已经在着意于文人画的创建了，把书法的笔意带入绘画，尤其是行书的多变笔意，这在以前是从没有过的。
苏轼是以学问入诗的倡导者，他强调以学问入画，以诗意入画,要求画家们在生活中寻找诗意的符号，这并不仅仅是指在画上加一个题目，而是要求整幅画的设计都要围绕着诗来进行，通过形象来画出中富有的诗情，让读者去体味、去感觉。这样一来，一幅画就不仅仅是供人欣赏的了，而需要调动观众的修养去体味,对观众的观赏水平提出了要求。他认为，在一幅画当中，人们能够感觉得到的，应该是画、诗和书法的完美结合，无异于一种综合艺术。至于印章的加入，那是要等到元代王冕以花乳石刻印之后、到了明代才形成篆刻艺术。从此，书、画、印的四大标准，在北宋之后被实践流行，已经成为检验文人画的不二圭臬。
苏轼所主张的好画，有两个标准：一是要有神有意，二是要有文化，这种画在对形的描绘上可以不必酷肖，不必太逼真，然而却要有神韵，有意味，而且应该从画面当中显示出充足的文学意韵来，进一步说，要能够显示出一个文人所具有的全部修养，诗、书法、绘画和印章的完美结合。这样一些条件，应当是非常苛刻的，也是一般的画工甚至是职业画家们难以达到的，非学养深厚的士大夫而不能入其境。
苏轼最为推举的画家是王维，他认为王维的画中最能体现士人画的精髓，因为他把一种独特的诗情融入进画里去、使一些即使普通平常的景致也充满了情趣，把画中所没有画出的东西也表现出来了，这样在看画的时候，就会体悟到一种诗一般的情致，这就是“画中有诗”。
然而，王维所能达到的，别人或许就难以望其项背。王维是盛唐三杰之一，与李白和杜甫齐名,文学成就极高。他又兼是佛学大师,深通禅理，又精通音乐，因此他的诗中潜现出的意境冷寂幽远，富含禅意，非常人所可能达到。他的这种文学诗情，被移到了他的画中去，使画里也浸满了浓浓的诗情，这种诗情又是靠画面的安排来体现出的，让人来体味。与之相比，无论是唐代的画家，还是宋代的大多数画家，都不具备王维这诸多的艺术修养，也达不到王维的这种意境。但唯有苏轼，他的才学与王维相当，兴趣爱好也相近，因此更能体会和崇敬王维之所为。
苏轼的这些观点，米芾也同意，在绘画革命、开宗立派这一点上他们结成了同盟军，共同创立了以写意为主的文人画。
不过，苏轼是个全才型的人物，他的精力最主要还是放在文学上。和他的无心做书家一样，他的作画也是遣兴而已，以此作为个人的修养。他的弟弟苏辙说他是“不学而得用笔之理”，是用他的绝顶聪明和丰富的才学来入门的，但他在绘画上的实践并不如米芾那样多，画的题材也没有米芾多，然而他的画论观点却是犀利而精到，往往一言就能中的。
北宋时的绘画很盛，米芾和苏轼所要创立的画派，就是符合文人士大夫胃口——高雅的、浅淡的、富于诗意的，并综合了文学、美术、书法等诸种艺术元素的品种、也是一种能够充分体现书写性的、有意趣的，并不拘泥于严格造型的画法。
这两位都不仅仅是理论者，也是实践者。不同的是苏轼的意趣是在花鸟科上，他画墨竹，画枯木怪石，都是在五代时的花鸟画家笔下没有出现过的题材，纯以水墨为之，不予敷彩，这也有别于徐熙的着色画法。他更是一改以往主要是以粗细相等的中锋细线来进行勾描的画法，而以富有节奏变化的书法用线来进行刻画，使之具有文人的典雅风格，又忽略了对外形的细致刻画，注重墨色的变化。而米则着意于山水画。
唐代之后，山水画渐臻成熟，到了宋代，已经上升为第一位的画，这一优势终之世未能改变。在中国画诸科中，总是山水第一，花鸟第二，人物已经退居第三了。五代时的山水画家众多，产生了许多大家,他们丰富了山水画的技法,并且创造出了中国画的皴法。皴法是中国画中最为独特的一种技法，它是作为表现山石的肌理和质感之用的。
皴法的出现，丰富了中国画的技法，也改变了画家用笔的方法，使他们不再单纯用中锋来勾勒描绘，而是可以用伏笔、侧笔、渴笔、枯笔甚至逆笔来作画，用来辅助仅仅勾勒而不足以表现山石质感的缺憾。
尽管米芾批评范宽的画“土石不分”，但范宽还是在他的画中大量地使用了皴法，而不单纯只是勾线填色。如果没有那些变化无穷的皴法，那画面会单调得多,宋代之后，皴法被提升到了与线条同样的高度，它和书法结合起来，既有“十八描”的说法，也有“十八皴”的说法，足见其丰富。
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苏轼和米芾都是著名的书法家，他们因为不满意唐人那种重法度、讲究整齐划一的写法，而开创了宋代以尚意为特点的书法,他们把这一特点移用到了文人画的创建上，把尚意的精神带入绘画。这就对原来的画家的工整摹写的方法形成了挑战。苏轼之所以喜画枯木怪石，就是因为喜欢它们的扭曲道劲，富有形式上的变化。他在画这些题材时，使用了行书的线条，粗细有别，率意不经，枯涩并用，就已经在着意于文人画的创建了，把书法的笔意带入绘画，尤其是行书的多变笔意，这在以前是从没有过的。
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