在画展里常会看到画的边上贴红点,通常贴一个红点表示那张画卖掉了,如果贴几个红点意思则是:收藏家太喜欢了,但是原作已经卖掉,希望画家再照样画几张。
同一张作品画很多张,即使大师也可能这么做,像是李可染的《万山红遍》就有几幅相似的。也有的时候画家先做个稿子,然后正式画,那草稿如果做得非常精美,跟原作差不多,像是郭雪湖的名作《南街殷赈》,则可能留下两张十分相似的。
又有些画家对于自己的某作实在太满意太喜欢了,像是林玉山收藏在国美馆的《虎姑婆》,被人收藏之后林老师念念不忘,于是又画了一张较小的。
我也常常遇到希望重订的收藏家,他们太喜欢原作了,偏偏原作已经被别人买去,他们就会坚持非要我再画一张不可。这对我是很为难的事,因为我觉得大可以另外构图画一张,说不定不比原先的差,还来得更好呢。
这次台北“画我童年”展览,有人看上我的《七里幽香》,要我再画一张,我的回答是:可以再画一张同样是麻雀飞捕七里香上小瓢虫的画面,但是绝对不会一样、尺寸也不相同,先要看我的感觉怎么走。
然后我又去花市买了一盆正在盛开的七里香,放在客厅闻它的香味、看它的姿态,放在书桌上细细欣赏,甚至做局部的写生。
上一张画小鸟从左边飞来,我这次就画小鸟从右边飞来,尺幅比上一张大些,花和叶子也画得更丰富,前后的花和叶子做了细细的经营,有刚发出的小嫩叶,也有被虫咬变黄的老叶。
飞过来的麻雀因为要抓小瓢虫,翅膀用力向前拍,尾巴的羽毛张开来以减速抓虫。正因此可以看到翅膀上的大羽毛尖端略略往上翘。瓢虫的脚、关节,鸟的爪子关节我都没有“套公式”,而是用“没骨”的方式细细表现。
花跟鸟的颜色需要在绢的正反面处理,使得更有层次感实体感而且减少火气。
大家可以比较两张画,同样的意境、不一样的构图,大家比较一下,是不是各有各的美?
终于完成了,我对收藏家说:对不起我没能照原先的尺寸跟构图再画,而是另外创作了一张,因为太喜欢了,所以决定自己收藏。
同一张作品画很多张,即使大师也可能这么做,像是李可染的《万山红遍》就有几幅相似的。也有的时候画家先做个稿子,然后正式画,那草稿如果做得非常精美,跟原作差不多,像是郭雪湖的名作《南街殷赈》,则可能留下两张十分相似的。
又有些画家对于自己的某作实在太满意太喜欢了,像是林玉山收藏在国美馆的《虎姑婆》,被人收藏之后林老师念念不忘,于是又画了一张较小的。
我也常常遇到希望重订的收藏家,他们太喜欢原作了,偏偏原作已经被别人买去,他们就会坚持非要我再画一张不可。这对我是很为难的事,因为我觉得大可以另外构图画一张,说不定不比原先的差,还来得更好呢。
这次台北“画我童年”展览,有人看上我的《七里幽香》,要我再画一张,我的回答是:可以再画一张同样是麻雀飞捕七里香上小瓢虫的画面,但是绝对不会一样、尺寸也不相同,先要看我的感觉怎么走。
然后我又去花市买了一盆正在盛开的七里香,放在客厅闻它的香味、看它的姿态,放在书桌上细细欣赏,甚至做局部的写生。
上一张画小鸟从左边飞来,我这次就画小鸟从右边飞来,尺幅比上一张大些,花和叶子也画得更丰富,前后的花和叶子做了细细的经营,有刚发出的小嫩叶,也有被虫咬变黄的老叶。
飞过来的麻雀因为要抓小瓢虫,翅膀用力向前拍,尾巴的羽毛张开来以减速抓虫。正因此可以看到翅膀上的大羽毛尖端略略往上翘。瓢虫的脚、关节,鸟的爪子关节我都没有“套公式”,而是用“没骨”的方式细细表现。
花跟鸟的颜色需要在绢的正反面处理,使得更有层次感实体感而且减少火气。
大家可以比较两张画,同样的意境、不一样的构图,大家比较一下,是不是各有各的美?
终于完成了,我对收藏家说:对不起我没能照原先的尺寸跟构图再画,而是另外创作了一张,因为太喜欢了,所以决定自己收藏。
画山水,境界最重要!
文/画 张大千
画山水,可以提高人之思想,培养人之情操。山水佳作,辄令人无限向往,油然有一种潇洒出尘之想。故画中山水,不独要可以观,可以游,且可以居,乃臻上乘。
所谓山水,就是西画及摄影的风景。国画中山水的境界最为重要,然而也要笔墨来辅助。有了境界,但是没有笔墨,或是有了笔墨,但是没有境界,也就不成为名画。山水画的结构和位置,必须特别加意。如画寺观,这些地方就不宜像人家的庐舍,好像和讲风水的一样。怎么办呢?就是要多看古人名迹,以及名山大川、名胜古迹,自然就会了解的。假若画了一张画,其中主要安置人家处,却恰恰似一块坟地,这样的画,挂在中堂上面,试问别人看了舒服不舒服呢?还能引人入胜吗?
郭河阳论画,曰要可以观,可以游,可以居。他所谓的“可以观,可以游,可以居”,是令人一看到这张画,就发生兴趣,要一看再看,流连不舍,第二步就想去游玩游玩;第三步就联想到,这样好的地方,怎样能够搬家去住才好呢!要达到这样的山水画,才算够条件了。
有些人说,中国山水画,是平面的,画树都好像是从中间锯开来似的。此话绝不正确。中国画自唐宋而后,有文人画一派,不免偏重在笔墨方面,而在画理方面,则比较失于疏忽。如果把唐、宋大家名迹拿来细细地观审,那画理的严明,春夏秋冬、阴晴雨雪,简直是体会无遗。如董源画树,八面出枝,山石简直有夕阳照着的样子,关仝画丛树,有枝无干。这岂是平面的吗?!山工画画山水画,一定要有实际,即要多看名山大川,奇峰峭壁、危峦平坡、烟岚云霭、飞瀑流泉,宇宙大观,千变万化,不是亲眼看过,凭着臆想,是上不了笔尖的。眼中看过,胸中自然会有,一摇笔间,自然会一齐跑在你手腕下。
我国古代的画,不论其为人物、山水、宫室、花木,没有不十分精细的。就拿唐宋人的山水画而论,也是千岩万壑,繁复异常,精细无比,不只北宋如此,南宋也是如此。不知道后人怎样闹出文人画的派别,以为写意只要几笔就够了。
画山水时,应当观察山水在晴雨朝暮和烟云变幻中的种种奇妙变化,且要眼观手记,心领神会,方能得其灵秀之气。
工笔画,就是细笔画,水墨、浅绛、青绿、金碧、界面,都包括在内。工笔不比写意,必须先打成底稿,贴在壁上,观察删改,远近高低,布置得宜,然后把这个稿本,用柳炭在反面一条线一条线地勾过,拍上纸绢。
那里面的楼阁人物,尤其要特别注意。楼阁要折算停匀,人物要眉目生动,衣袂好似要会飘动。
画工笔山水时,先用淡墨勾出轮廓,然后皴擦渲染画树要点夹相参,浅绛中着一二青绿夹叶,或红树一株更觉得有趣,夹叶树的树身,不可着色,愈觉显然。
青绿山水,就要打好勾勒底子,不用皴擦。山石用石绿的,拿赭石打底,加石绿二三次,要薄一点才好,太浓就钝滞了。若用石青,就在赭石上面填石绿一次,再加两三遍石青就可以了。不可用花青汁绿打底,因为这二种都不明透。
金碧山水,那就在青绿完成后,用花青就山石轮廓勾勒,然后再用泥金逐勾一次,石脚亦可用泥金衬它。
青绿或金碧山水,水、天都宜于着色,水更宜有波纹。古人画水有好多种,那里面是以网中、鱼鳞两种为适合。古人说:“远水无波。”是说远了看不清楚的意思,所以勾勒水纹,越远越淡,淡到了无为妙。画水在岸边留道白线,看起来就特别精神。画工笔山水,石青、石绿、泥金的下胶,尤须切切注意。
总之,画要有气韵,一落板滞,就不入鉴赏。此中要点,不仅要把画面的宾主虚实、前后远近弄清楚,而且要在用笔、用色、用水上灵活生动。
作写意山水,画时先用粗笔淡墨,勾出心里面要吐出来的境界。将山石、树木、屋宇、桥梁等布置大约定了后,然后用焦墨渴笔,先分树木和山石,最后安置室宇人物。勾勒皴擦既完毕,再拿水墨一次一次地渲染,必定要能显示出阴阳、向背、高低、远近。近处的石头要稍浓,远处的则要轻清。近处的树木根枝要分明,远处的树木则点戳,不必见枝。
创境有曲折不尽的意味,其中的人物以减笔为宜,越简单越妙。古人说:“远人无目。”但若在需要有照应的时候,也不妨点目,不必拘泥。
文/画 张大千
画山水,可以提高人之思想,培养人之情操。山水佳作,辄令人无限向往,油然有一种潇洒出尘之想。故画中山水,不独要可以观,可以游,且可以居,乃臻上乘。
所谓山水,就是西画及摄影的风景。国画中山水的境界最为重要,然而也要笔墨来辅助。有了境界,但是没有笔墨,或是有了笔墨,但是没有境界,也就不成为名画。山水画的结构和位置,必须特别加意。如画寺观,这些地方就不宜像人家的庐舍,好像和讲风水的一样。怎么办呢?就是要多看古人名迹,以及名山大川、名胜古迹,自然就会了解的。假若画了一张画,其中主要安置人家处,却恰恰似一块坟地,这样的画,挂在中堂上面,试问别人看了舒服不舒服呢?还能引人入胜吗?
郭河阳论画,曰要可以观,可以游,可以居。他所谓的“可以观,可以游,可以居”,是令人一看到这张画,就发生兴趣,要一看再看,流连不舍,第二步就想去游玩游玩;第三步就联想到,这样好的地方,怎样能够搬家去住才好呢!要达到这样的山水画,才算够条件了。
有些人说,中国山水画,是平面的,画树都好像是从中间锯开来似的。此话绝不正确。中国画自唐宋而后,有文人画一派,不免偏重在笔墨方面,而在画理方面,则比较失于疏忽。如果把唐、宋大家名迹拿来细细地观审,那画理的严明,春夏秋冬、阴晴雨雪,简直是体会无遗。如董源画树,八面出枝,山石简直有夕阳照着的样子,关仝画丛树,有枝无干。这岂是平面的吗?!山工画画山水画,一定要有实际,即要多看名山大川,奇峰峭壁、危峦平坡、烟岚云霭、飞瀑流泉,宇宙大观,千变万化,不是亲眼看过,凭着臆想,是上不了笔尖的。眼中看过,胸中自然会有,一摇笔间,自然会一齐跑在你手腕下。
我国古代的画,不论其为人物、山水、宫室、花木,没有不十分精细的。就拿唐宋人的山水画而论,也是千岩万壑,繁复异常,精细无比,不只北宋如此,南宋也是如此。不知道后人怎样闹出文人画的派别,以为写意只要几笔就够了。
画山水时,应当观察山水在晴雨朝暮和烟云变幻中的种种奇妙变化,且要眼观手记,心领神会,方能得其灵秀之气。
工笔画,就是细笔画,水墨、浅绛、青绿、金碧、界面,都包括在内。工笔不比写意,必须先打成底稿,贴在壁上,观察删改,远近高低,布置得宜,然后把这个稿本,用柳炭在反面一条线一条线地勾过,拍上纸绢。
那里面的楼阁人物,尤其要特别注意。楼阁要折算停匀,人物要眉目生动,衣袂好似要会飘动。
画工笔山水时,先用淡墨勾出轮廓,然后皴擦渲染画树要点夹相参,浅绛中着一二青绿夹叶,或红树一株更觉得有趣,夹叶树的树身,不可着色,愈觉显然。
青绿山水,就要打好勾勒底子,不用皴擦。山石用石绿的,拿赭石打底,加石绿二三次,要薄一点才好,太浓就钝滞了。若用石青,就在赭石上面填石绿一次,再加两三遍石青就可以了。不可用花青汁绿打底,因为这二种都不明透。
金碧山水,那就在青绿完成后,用花青就山石轮廓勾勒,然后再用泥金逐勾一次,石脚亦可用泥金衬它。
青绿或金碧山水,水、天都宜于着色,水更宜有波纹。古人画水有好多种,那里面是以网中、鱼鳞两种为适合。古人说:“远水无波。”是说远了看不清楚的意思,所以勾勒水纹,越远越淡,淡到了无为妙。画水在岸边留道白线,看起来就特别精神。画工笔山水,石青、石绿、泥金的下胶,尤须切切注意。
总之,画要有气韵,一落板滞,就不入鉴赏。此中要点,不仅要把画面的宾主虚实、前后远近弄清楚,而且要在用笔、用色、用水上灵活生动。
作写意山水,画时先用粗笔淡墨,勾出心里面要吐出来的境界。将山石、树木、屋宇、桥梁等布置大约定了后,然后用焦墨渴笔,先分树木和山石,最后安置室宇人物。勾勒皴擦既完毕,再拿水墨一次一次地渲染,必定要能显示出阴阳、向背、高低、远近。近处的石头要稍浓,远处的则要轻清。近处的树木根枝要分明,远处的树木则点戳,不必见枝。
创境有曲折不尽的意味,其中的人物以减笔为宜,越简单越妙。古人说:“远人无目。”但若在需要有照应的时候,也不妨点目,不必拘泥。
#知書club[超话]#前言丨中国美术史就是中国美术作品的历史。中国几千年的美术创造,传承有序,琳琅满目,美不胜收。那人面含鱼的彩陶,那古色斑斓的青铜器,那稚拙饱满的画像砖、画像石,那气韵生动的吴道子人物画,那栩栩如生的赵佶工笔花鸟画,那寓意深厚的八大山人写意花鸟画,那辉煌灿烂的王希孟青绿山水画,那古淡荒寒的倪瓒水墨山水画……一直到近现代徐悲鸿的中西合璧和齐白石对传统绘画的新创造。这些作品,博大精深,几乎成为中外艺术理论家的共识。
英国艺术理论家苏立文向西方读者介绍中国绘画时指出: “我已经设法指出中国山水画的丰富性、持续性以及它的广度和深度,但这里存在一个困难。当人们写到欧洲风景画时,可以不涉及政治、哲学或画家的社会地位,读者已有足够的历史知识来进行欣赏……然而在中国,这就不行了。
中国山水画家一般都属于极少数有文化的上层人物,受着政治风云和王朝兴替的深刻影响,非常讲究自己的社会地位。他们对于历史和哲学十分精通,就连他们选择的风格,也常常带着政治的、哲学的和社会的寓意。”
中国美术的发展,就其对情感的表现而言,经历了三个阶段。
第一阶段:追求形似。
早期的所谓“画”,就是对事物外形的描绘。 “画者,画也”“画,类也”“画,形也”,凡此种种,说明“画”侧重形貌。“画者,华也”,说明“画”侧重色彩。“存形莫善于画”“以形写形,以色貌色”,就是中国早期绘画理论的纲领。
《韩非子》中有一个故事。有一个人为齐王绘画,齐王问,画什么最难?那人说,画犬马最难。又问,画什么最容易?那人说,画鬼魅最容易。齐王又问,为什么是这样呢?那人说,犬马从早到晚都在我们面前走来走去,不能随便画,所以难;没有人见过鬼魅,可以随便画,所以容易。在这个故事里,所谓“画”就是对事物形貌色彩的如实描绘。
那么,后来人们为什么放弃了对“形似”的单纯追求呢?因为人们感到,艺术的魅力不在于 “形似”。汉代刘安在《淮南子》中说:“画西施之面,美而不可说;规孟贲之目,大而不可畏,君形者亡焉。”这就是说,把西施画得很美,可 是不能够打动人;把孟贲(战国时的武士,传说他水行不避蛟龙,陆行不避虎兕,发怒吐气, 响声震天)的眼睛画得很大,可是不能够使人 觉得威武。为什么呢?因为失去了“君形”。君 形,即人物的精神。可见,对人物外貌的单纯 追求,反而使艺术失去了迷人的魅力。
第二阶段:以形写神。
东晋大画家顾恺之提出“以形写神”,在中国艺术和艺术理论发展史上具有划时代的意义。形与神的关系是:神是形的灵魂,而形是神的基础。
神”有两种:一种是艺术家的“神”,我们就叫作主观的“神”;第二种是艺术表现对象的 “神”,叫作客观的“神”——比如画关公就是表现关公的忠义,画张飞就是表现张飞的勇猛。
顾恺之所说的“神”是客观的“神”。试举一例:郭子仪的女婿赵纵,请画家韩幹和周昉分别给自己画了一张肖像,大家都说画得很像。郭子仪就把这两张画像挂起来,不知道哪张更好。有一天,赵夫人回来了,郭子仪问:“你知道这两张画像画的是谁吗?”赵夫人回答:“画的是赵郎。”郭子仪又问:“哪张像画得更像呢?”赵夫人说:“两张都很像。但是,后画的那张像更好。因为它不仅画得很像,而且能够表达赵郎的精神性格。”
顾恺之的“以形写神”理论,实际上是“形神兼备”的理论,或者说,是一种深刻的、全面的写实理?论。
第三阶段:心画。
唐宋的绘画,不管是范宽的山水画、赵佶的工笔花鸟画,还是张择端的风俗人物画,都成为写实绘画发展顶峰的标志。人世间一切事物的发展,达到了顶点,便向反面转化。北宋中后期,郭若虚提出“画乃心印”,苏轼提出“不求形似”,成为从写实走向写意、从模仿走向心画的开始。
在中国美术发展史上,苏轼第一次提出,绘画中的“神”是艺术家的主观精神。苏轼的表兄文同是大画家,以画竹著名于世。苏轼说,文同的《墨竹图》,不仅仅是对客观的竹的反映,而且是画家人格的表现。苏轼本人的《枯木怪石图》,也是自己精神世界的表现。在《枯木怪石图》中,那怪石笔意盘曲,好像凝聚着一团耿耿不平之气;那古木扭曲盘结,挣扎向上,好像冲天的浩然之气。这幅作品最可贵之处就在于不求形似,直抒胸臆,意趣高迈,画如其人,堪称文人画之典范,也是写意花鸟画开山之作。
苏轼是第一个对形似提出尖锐批评的人,但他反对的形似是画工那样离开神似的形似,而不是一切形似,他对离开形似的作品也提出尖锐的批评。而他提出“论画以形似,见于儿童邻” 这个批判形似的理论,一直到了元代,才在绘画作品中得到普遍的贯彻。元代,心画成为绘画的主流。
如此,中国的绘画,以元代为分水岭。在元代之前,追求形似,师法造化;在元代之后,追求神似,表现心灵。
元朝由蒙古人统治,在汉族画家看来,无国可爱,无君可忠,生活是痛苦的,精神是悲观的,前途是绝望的,但是…
#读书##微博you好书##艺术#
英国艺术理论家苏立文向西方读者介绍中国绘画时指出: “我已经设法指出中国山水画的丰富性、持续性以及它的广度和深度,但这里存在一个困难。当人们写到欧洲风景画时,可以不涉及政治、哲学或画家的社会地位,读者已有足够的历史知识来进行欣赏……然而在中国,这就不行了。
中国山水画家一般都属于极少数有文化的上层人物,受着政治风云和王朝兴替的深刻影响,非常讲究自己的社会地位。他们对于历史和哲学十分精通,就连他们选择的风格,也常常带着政治的、哲学的和社会的寓意。”
中国美术的发展,就其对情感的表现而言,经历了三个阶段。
第一阶段:追求形似。
早期的所谓“画”,就是对事物外形的描绘。 “画者,画也”“画,类也”“画,形也”,凡此种种,说明“画”侧重形貌。“画者,华也”,说明“画”侧重色彩。“存形莫善于画”“以形写形,以色貌色”,就是中国早期绘画理论的纲领。
《韩非子》中有一个故事。有一个人为齐王绘画,齐王问,画什么最难?那人说,画犬马最难。又问,画什么最容易?那人说,画鬼魅最容易。齐王又问,为什么是这样呢?那人说,犬马从早到晚都在我们面前走来走去,不能随便画,所以难;没有人见过鬼魅,可以随便画,所以容易。在这个故事里,所谓“画”就是对事物形貌色彩的如实描绘。
那么,后来人们为什么放弃了对“形似”的单纯追求呢?因为人们感到,艺术的魅力不在于 “形似”。汉代刘安在《淮南子》中说:“画西施之面,美而不可说;规孟贲之目,大而不可畏,君形者亡焉。”这就是说,把西施画得很美,可 是不能够打动人;把孟贲(战国时的武士,传说他水行不避蛟龙,陆行不避虎兕,发怒吐气, 响声震天)的眼睛画得很大,可是不能够使人 觉得威武。为什么呢?因为失去了“君形”。君 形,即人物的精神。可见,对人物外貌的单纯 追求,反而使艺术失去了迷人的魅力。
第二阶段:以形写神。
东晋大画家顾恺之提出“以形写神”,在中国艺术和艺术理论发展史上具有划时代的意义。形与神的关系是:神是形的灵魂,而形是神的基础。
神”有两种:一种是艺术家的“神”,我们就叫作主观的“神”;第二种是艺术表现对象的 “神”,叫作客观的“神”——比如画关公就是表现关公的忠义,画张飞就是表现张飞的勇猛。
顾恺之所说的“神”是客观的“神”。试举一例:郭子仪的女婿赵纵,请画家韩幹和周昉分别给自己画了一张肖像,大家都说画得很像。郭子仪就把这两张画像挂起来,不知道哪张更好。有一天,赵夫人回来了,郭子仪问:“你知道这两张画像画的是谁吗?”赵夫人回答:“画的是赵郎。”郭子仪又问:“哪张像画得更像呢?”赵夫人说:“两张都很像。但是,后画的那张像更好。因为它不仅画得很像,而且能够表达赵郎的精神性格。”
顾恺之的“以形写神”理论,实际上是“形神兼备”的理论,或者说,是一种深刻的、全面的写实理?论。
第三阶段:心画。
唐宋的绘画,不管是范宽的山水画、赵佶的工笔花鸟画,还是张择端的风俗人物画,都成为写实绘画发展顶峰的标志。人世间一切事物的发展,达到了顶点,便向反面转化。北宋中后期,郭若虚提出“画乃心印”,苏轼提出“不求形似”,成为从写实走向写意、从模仿走向心画的开始。
在中国美术发展史上,苏轼第一次提出,绘画中的“神”是艺术家的主观精神。苏轼的表兄文同是大画家,以画竹著名于世。苏轼说,文同的《墨竹图》,不仅仅是对客观的竹的反映,而且是画家人格的表现。苏轼本人的《枯木怪石图》,也是自己精神世界的表现。在《枯木怪石图》中,那怪石笔意盘曲,好像凝聚着一团耿耿不平之气;那古木扭曲盘结,挣扎向上,好像冲天的浩然之气。这幅作品最可贵之处就在于不求形似,直抒胸臆,意趣高迈,画如其人,堪称文人画之典范,也是写意花鸟画开山之作。
苏轼是第一个对形似提出尖锐批评的人,但他反对的形似是画工那样离开神似的形似,而不是一切形似,他对离开形似的作品也提出尖锐的批评。而他提出“论画以形似,见于儿童邻” 这个批判形似的理论,一直到了元代,才在绘画作品中得到普遍的贯彻。元代,心画成为绘画的主流。
如此,中国的绘画,以元代为分水岭。在元代之前,追求形似,师法造化;在元代之后,追求神似,表现心灵。
元朝由蒙古人统治,在汉族画家看来,无国可爱,无君可忠,生活是痛苦的,精神是悲观的,前途是绝望的,但是…
#读书##微博you好书##艺术#
✋热门推荐