《记忆物语-纤维艺术展》
图1：《生长的椅子》
任何物体都有不同的生命阶段，变旧的物品伴随我们的生活，其实也是我们生命的一部分。《弃物系列》选用一些日常生活中的旧物——生锈的椅子被生长的枝叶缠绕，仿佛获得重生。作品唤醒人们对时间的记忆和对往事的回忆。记忆就像是一条抽象的线，将思绪带回过去，从而反思当下和期许未来。
图2：《妙手回春》吴帆
图3：新媒体艺术作品《夜照清》+吴帆作品《繁花》。共同诠释循环永恒、努力绽放的宇宙生命。
《繁花》以植物茎叶和种子元素为造型语言，探讨人与自然的关系，表达生命的美好及蓬勃向上的力量。
图4、5：《沉睡的缪斯》
创作于特殊时期，消沉、低迷的情绪仿佛缪斯已经沉睡，也借此向罗马尼亚著名雕刻家康斯坦丁．布朗库西致敬。
图6、7：《无题》
由扎带扭结构成，这件作品灵感来自自然图像，尤其是树木和藤蔓。作为材料的塑料扭曲体现了当代生活中消费主义的象征意义。这些作品描绘了当代生活中人们与自然和人工自然的共生关系。
图8、9：《节气系列》
是一组表现中国农耕文化的纤维艺术作品，作品运用传统的手工艺技法，以种子、花、叶以及枝等形态表达在季节变换中植物生长细节的生动与丰富，唤起人们对于生命的关注与尊重。
图10：《弃物系列》
图11：《春》
《春》包含青春、春天和美好时光等多重意义。这组作品以线为主要表现手法，运用重复的线条对具象的脸、五官进行覆盖，代表朦胧的印象和远去的形象；用缠绕和拼贴的手法对抽象的花草进行表现，含蓄而生动地表达作者对于逝去的、美好的事、物、人的丰富、细腻、纠结的思恋之情。五件作品从不同角度诠释少女、花季、爱、思念、浪漫等人生不同阶段的状态。
图12 ：《花器》
《花器》灵感源于日常生活中插花的器皿。这些器物的造型与女性身体线条非常相似，皆为灵动的曲线。作者借用两者形似的特性进行创作，将器物的3D与2D造型呈现在东方平面结构的服装上，并用加长的线迹和不完美的针脚，表达轻松和不经意之感。使平面之器形与空间之器物发生关系；使平面之线与空间之线产生呼应。材质的透明效果、多层真丝面料产生的叠加效果强化了作品所要表达的不确定性之美﹣﹣若有若无之形、似是而非之线。作品诠释作者对东方审美中的空无与灵动的理解。作品可悬挂、可穿戴，呈现出完全不同的视觉效果。
图：13 《夜未央》
作品《夜未央》借塑型与手工编织的方式将具有象征意味的“官椅和高跟鞋”并置，以情景叙事的方式表达阴与阳、动和静等多组符号的微妙关系，观者似乎从中能够看到两者之间的对峙和妥协，听到两者之间的辩论，即关于传统与现代、坚强与柔软、理性与感性等话题的辨证思考。
图14：《静物系列》
选用广东顺德香云纱基地制作香云纱时用的穿棒套为材料，这种材料的特点是在制作香云纱的薯染、过河泥、摊雾等工序中被反复使用，由于薯莨与河泥的作用，这种穿棒套的材料在工人们繁重的体力劳动中随时间的累积而变得色彩更加丰富，质地更加结实。一般来说，每个穿棒套的使用寿命为10~20匹莨绸的制作，之后它们将被弃置。作者回收这种被弃置的、附有特殊意义的材料，通过再一次的手工缝制过程进行重塑，并用不同造型的陶罐来表现一组静物，长久的薯莨复染使得丝绸表面呈现出一种单一而丰富的肌理，既纯粹又富于变化，宁静隐秘，也借此向意大利著名画家乔治·莫兰迪致敬。
“方寸之维”主题空间融合了吴帆与李美京的多件经典作品，在诠释自然、生命的同时，进一步引发观者对于自然规律、物的本质进行思考，体会废弃与重生、芳华与朴素、繁荣与沉静的不同韵味。
图：15 《共生》
作品《共生》以巨大的墙壁雕塑形式呈现，其灵感来自自然图像，并重新指向富有想象力的自然。作为材料的塑料捆扎带体现了当代生活中消费主义的象征意义。艺术家采用人们生活中的材料，用艺术的语言重塑了他们的生命存在形态，代表文明的共存共生，这种表现形式不仅仅是一种艺术表现形式，更是一种对社会现象的思考和感悟。
《共生》是由扎带、电线和拉链构成的，这件作品被改造为富有想象力的大自然和自然的意象。扎带作为一种材料，体现了当代生活中消费主义的象征意义。这些作品描绘了当代生活中人们与自然和人工自然的共生关系。
图16：《素裹．世博会》
《素裹．世博会》源于2020年举办的"第六届的深圳公共雕塑展"《素裹．中康路》，最初为一组树上软雕塑，以树为载体，运用树的生长语言（枝与叶）与树合为一体，让行来过往的市民在熟悉的街道与艺术不期而遇，不违和、不突兀；它的形态像春一样芳华万千，但却归于一素，无意多言，仿佛自然而然地生长于此。此作品可以多种形式的系列的方式逐一呈现，作品名称以"素裹"加场域的形式表达。
同为吴帆的作品，与热烈绽放的《繁花》不同，素裹以更为简约肃静的线条诠释着自然之美的纯粹。一动一静，犹如音乐的高扬低转，为展览增添了韵味。
图17：《线体》
《线体》由一组50个不同形状的瓶形和罐状物组成，这些物体没有任何实用性，造型是由一些废弃的金属丝编制而成，局部覆盖蕾丝碎片。这组作品的展陈方式可变化，即可独立并置展示，也可群体错落悬挂或者堆砌展示，同时结合灯光投射的影像浑然一体。材料的无用性与制作的随意性形成了作品在形式上的无常性特点，蕾丝精细的花型在随意的线条中疏密错落、浓淡相宜，虽是黑白两色，却尤显清雅、无意之东方意境。
图18：《无题》
《无题》是一组实验性的作品，在长期进行材料艺术创作中，作者尝试将手工宣纸包覆在纤维材料与半成品之上，通过隐去材料、工艺和色彩对视觉的干扰，以极简主义手法探索材料所构筑的单一性语言的价值。 https://t.cn/RahPOZv
图1：《生长的椅子》
任何物体都有不同的生命阶段，变旧的物品伴随我们的生活，其实也是我们生命的一部分。《弃物系列》选用一些日常生活中的旧物——生锈的椅子被生长的枝叶缠绕，仿佛获得重生。作品唤醒人们对时间的记忆和对往事的回忆。记忆就像是一条抽象的线，将思绪带回过去，从而反思当下和期许未来。
图2：《妙手回春》吴帆
图3：新媒体艺术作品《夜照清》+吴帆作品《繁花》。共同诠释循环永恒、努力绽放的宇宙生命。
《繁花》以植物茎叶和种子元素为造型语言，探讨人与自然的关系，表达生命的美好及蓬勃向上的力量。
图4、5：《沉睡的缪斯》
创作于特殊时期，消沉、低迷的情绪仿佛缪斯已经沉睡，也借此向罗马尼亚著名雕刻家康斯坦丁．布朗库西致敬。
图6、7：《无题》
由扎带扭结构成，这件作品灵感来自自然图像，尤其是树木和藤蔓。作为材料的塑料扭曲体现了当代生活中消费主义的象征意义。这些作品描绘了当代生活中人们与自然和人工自然的共生关系。
图8、9：《节气系列》
是一组表现中国农耕文化的纤维艺术作品，作品运用传统的手工艺技法，以种子、花、叶以及枝等形态表达在季节变换中植物生长细节的生动与丰富，唤起人们对于生命的关注与尊重。
图10：《弃物系列》
图11：《春》
《春》包含青春、春天和美好时光等多重意义。这组作品以线为主要表现手法，运用重复的线条对具象的脸、五官进行覆盖，代表朦胧的印象和远去的形象；用缠绕和拼贴的手法对抽象的花草进行表现，含蓄而生动地表达作者对于逝去的、美好的事、物、人的丰富、细腻、纠结的思恋之情。五件作品从不同角度诠释少女、花季、爱、思念、浪漫等人生不同阶段的状态。
图12 ：《花器》
《花器》灵感源于日常生活中插花的器皿。这些器物的造型与女性身体线条非常相似，皆为灵动的曲线。作者借用两者形似的特性进行创作，将器物的3D与2D造型呈现在东方平面结构的服装上，并用加长的线迹和不完美的针脚，表达轻松和不经意之感。使平面之器形与空间之器物发生关系；使平面之线与空间之线产生呼应。材质的透明效果、多层真丝面料产生的叠加效果强化了作品所要表达的不确定性之美﹣﹣若有若无之形、似是而非之线。作品诠释作者对东方审美中的空无与灵动的理解。作品可悬挂、可穿戴，呈现出完全不同的视觉效果。
图：13 《夜未央》
作品《夜未央》借塑型与手工编织的方式将具有象征意味的“官椅和高跟鞋”并置，以情景叙事的方式表达阴与阳、动和静等多组符号的微妙关系，观者似乎从中能够看到两者之间的对峙和妥协，听到两者之间的辩论，即关于传统与现代、坚强与柔软、理性与感性等话题的辨证思考。
图14：《静物系列》
选用广东顺德香云纱基地制作香云纱时用的穿棒套为材料，这种材料的特点是在制作香云纱的薯染、过河泥、摊雾等工序中被反复使用，由于薯莨与河泥的作用，这种穿棒套的材料在工人们繁重的体力劳动中随时间的累积而变得色彩更加丰富，质地更加结实。一般来说，每个穿棒套的使用寿命为10~20匹莨绸的制作，之后它们将被弃置。作者回收这种被弃置的、附有特殊意义的材料，通过再一次的手工缝制过程进行重塑，并用不同造型的陶罐来表现一组静物，长久的薯莨复染使得丝绸表面呈现出一种单一而丰富的肌理，既纯粹又富于变化，宁静隐秘，也借此向意大利著名画家乔治·莫兰迪致敬。
“方寸之维”主题空间融合了吴帆与李美京的多件经典作品，在诠释自然、生命的同时，进一步引发观者对于自然规律、物的本质进行思考，体会废弃与重生、芳华与朴素、繁荣与沉静的不同韵味。
图：15 《共生》
作品《共生》以巨大的墙壁雕塑形式呈现，其灵感来自自然图像，并重新指向富有想象力的自然。作为材料的塑料捆扎带体现了当代生活中消费主义的象征意义。艺术家采用人们生活中的材料，用艺术的语言重塑了他们的生命存在形态，代表文明的共存共生，这种表现形式不仅仅是一种艺术表现形式，更是一种对社会现象的思考和感悟。
《共生》是由扎带、电线和拉链构成的，这件作品被改造为富有想象力的大自然和自然的意象。扎带作为一种材料，体现了当代生活中消费主义的象征意义。这些作品描绘了当代生活中人们与自然和人工自然的共生关系。
图16：《素裹．世博会》
《素裹．世博会》源于2020年举办的"第六届的深圳公共雕塑展"《素裹．中康路》，最初为一组树上软雕塑，以树为载体，运用树的生长语言（枝与叶）与树合为一体，让行来过往的市民在熟悉的街道与艺术不期而遇，不违和、不突兀；它的形态像春一样芳华万千，但却归于一素，无意多言，仿佛自然而然地生长于此。此作品可以多种形式的系列的方式逐一呈现，作品名称以"素裹"加场域的形式表达。
同为吴帆的作品，与热烈绽放的《繁花》不同，素裹以更为简约肃静的线条诠释着自然之美的纯粹。一动一静，犹如音乐的高扬低转，为展览增添了韵味。
图17：《线体》
《线体》由一组50个不同形状的瓶形和罐状物组成，这些物体没有任何实用性，造型是由一些废弃的金属丝编制而成，局部覆盖蕾丝碎片。这组作品的展陈方式可变化，即可独立并置展示，也可群体错落悬挂或者堆砌展示，同时结合灯光投射的影像浑然一体。材料的无用性与制作的随意性形成了作品在形式上的无常性特点，蕾丝精细的花型在随意的线条中疏密错落、浓淡相宜，虽是黑白两色，却尤显清雅、无意之东方意境。
图18：《无题》
《无题》是一组实验性的作品，在长期进行材料艺术创作中，作者尝试将手工宣纸包覆在纤维材料与半成品之上，通过隐去材料、工艺和色彩对视觉的干扰，以极简主义手法探索材料所构筑的单一性语言的价值。 https://t.cn/RahPOZv
文章刊出在欧洲时报2018年6月28日
《在无言的空间与无极相遇》
—— 陆永安
赵无极老师在2013年4月9日离世后，巴黎市立现代博物馆终于迎来了《赵无极-无言的空间》个展，展览汇集了50年代至2006年的40幅经典作品，其中一些巨幅代表作品更是首次集体亮相。
开幕当天没有广告、没有鲜花、没有领导致辞，但有成群成群从世界各地专程前来拥抱他的观众们。壮观的场面可以告慰他在天之灵，感谢他给世界留下了艺术的永恒。
无极作品的震撼是观众可以从他的作品中找到不同的感受，它們给观众留下的思考与想象的空间，发人深思，耐人寻味。每幅作品就是他传奇的人生和情感的印记。
展品1972年创作的《纪念美琴 En mémoire de May 》（第二任妻子陈美琴）表达了失去妻子美琴后难以承受的痛苦，追忆了爱情曾有的喜悦与悲伤。1958年他们在香港热烈地“倾城之恋”后定居巴黎，当年他们成为巴黎社交圈的金童玉女，那年代赵无极创造力勃发。14年的婚姻充满了爱情，美琴是赵无极一生的爱，现在这对曾经真爱的有情人又一起安息在巴黎蒙帕纳斯公墓。
展品《向我的朋友亨利·米肖致敬Hommage à mon ami Herri Michaux 》从1999年4月开始创作直至2000年8月才完成的巨幅作品，倾注了对挚友深情的友谊。与著名诗人米肖从1949年开始相识到1984年米肖离世，有整整35年的交往。诗人米肖与画家无极在诗与画之间擦出了火花，当时30年代米肖在访问中国后，对一尘不变的中国绘画感到失望，欣赏无极在绘画上寻求突破探险的精神，可谓是两者一拍结合。米肖的诗歌给无极打开了想象的空间。当时已经是著名诗人的米肖诗歌集请无极配插画，由此把无极真正地引入了文化界。此次个展选用《无言的空间》就是选自米肖给无极一幅作品的题词，可以说米肖是无极走向艺术巅峰精神上的推手。
展品《向法国作曲家埃德加·瓦雷兹致敬 Hommage à Edgard Varèse 》创作于1964年。无极的作品灵感来源于诗歌与音乐，最喜欢莫扎特。他通常是听着音乐作画，用色彩勾勒出音乐的旋律与节奏。
饱览无极的作品，无论是油画还是水墨，将东方的意象融入到西方的抽象之中。中国文化的博大、深远和空灵让他在抽象的画作中无拘无束地发挥。他注重强调空间感，把中国画的留白千变万化巧妙地运用到抽象画中，稀薄透明的色彩，那干涩自信的笔触表现出的气韵、辛辣与锐气，干湿浓淡，疏密有致，给绘画带来了全新的视觉盛宴，好似在西方的视觉审美里，尽情地表达着东方的哲理。无极的绘画属于法国，也属于中国，更属于世界。 https://t.cn/A6xje3DF
《在无言的空间与无极相遇》
—— 陆永安
赵无极老师在2013年4月9日离世后，巴黎市立现代博物馆终于迎来了《赵无极-无言的空间》个展，展览汇集了50年代至2006年的40幅经典作品，其中一些巨幅代表作品更是首次集体亮相。
开幕当天没有广告、没有鲜花、没有领导致辞，但有成群成群从世界各地专程前来拥抱他的观众们。壮观的场面可以告慰他在天之灵，感谢他给世界留下了艺术的永恒。
无极作品的震撼是观众可以从他的作品中找到不同的感受，它們给观众留下的思考与想象的空间，发人深思，耐人寻味。每幅作品就是他传奇的人生和情感的印记。
展品1972年创作的《纪念美琴 En mémoire de May 》（第二任妻子陈美琴）表达了失去妻子美琴后难以承受的痛苦，追忆了爱情曾有的喜悦与悲伤。1958年他们在香港热烈地“倾城之恋”后定居巴黎，当年他们成为巴黎社交圈的金童玉女，那年代赵无极创造力勃发。14年的婚姻充满了爱情，美琴是赵无极一生的爱，现在这对曾经真爱的有情人又一起安息在巴黎蒙帕纳斯公墓。
展品《向我的朋友亨利·米肖致敬Hommage à mon ami Herri Michaux 》从1999年4月开始创作直至2000年8月才完成的巨幅作品，倾注了对挚友深情的友谊。与著名诗人米肖从1949年开始相识到1984年米肖离世，有整整35年的交往。诗人米肖与画家无极在诗与画之间擦出了火花，当时30年代米肖在访问中国后，对一尘不变的中国绘画感到失望，欣赏无极在绘画上寻求突破探险的精神，可谓是两者一拍结合。米肖的诗歌给无极打开了想象的空间。当时已经是著名诗人的米肖诗歌集请无极配插画，由此把无极真正地引入了文化界。此次个展选用《无言的空间》就是选自米肖给无极一幅作品的题词，可以说米肖是无极走向艺术巅峰精神上的推手。
展品《向法国作曲家埃德加·瓦雷兹致敬 Hommage à Edgard Varèse 》创作于1964年。无极的作品灵感来源于诗歌与音乐，最喜欢莫扎特。他通常是听着音乐作画，用色彩勾勒出音乐的旋律与节奏。
饱览无极的作品，无论是油画还是水墨，将东方的意象融入到西方的抽象之中。中国文化的博大、深远和空灵让他在抽象的画作中无拘无束地发挥。他注重强调空间感，把中国画的留白千变万化巧妙地运用到抽象画中，稀薄透明的色彩，那干涩自信的笔触表现出的气韵、辛辣与锐气，干湿浓淡，疏密有致，给绘画带来了全新的视觉盛宴，好似在西方的视觉审美里，尽情地表达着东方的哲理。无极的绘画属于法国，也属于中国，更属于世界。 https://t.cn/A6xje3DF
留白效应：给别人留下适度的空间
“留白效应”中的“留白”是中国山水画中的一种技法,即在整幅画中留下空白,给人以想象的余地,后被人们应用到心理学中,归纳为:
人们在沟通或者人际互动中,如果能够适当地给对方留下一些空间,保持适当的距离,也许会起到意想不到的效果。
生活中留白效应经常能给人意想不到的结果,也更易引发人们的深思。例如,20世纪初,世界著名画家达·芬奇的代表作《蒙娜丽莎》不幸被盗,结果出人意料的是,该画被盗后,竟然引来人们纷纷到博物馆观看原来挂过这幅画的那面空墙。两年过去后,人们吃惊地发现到博物馆前来观看那面墙的人，竟然比过去 12 年前来欣赏
这幅画的观众还多一倍。
生活感悟：
在人际关系中,与人相处的时候,要给对方留下一个自由和宽松的环境,在做事情的时候,要适当地给对方以喘息的机会,让其有思考、反思的时间。所以生活中,无论是与人相处，还是做事情,有时运用无声胜有声、有无相生的方法也是一种智慧。
——郑小兰《改变一生的60个心理学效应》
#书摘碎集[超话]#
“留白效应”中的“留白”是中国山水画中的一种技法,即在整幅画中留下空白,给人以想象的余地,后被人们应用到心理学中,归纳为:
人们在沟通或者人际互动中,如果能够适当地给对方留下一些空间,保持适当的距离,也许会起到意想不到的效果。
生活中留白效应经常能给人意想不到的结果,也更易引发人们的深思。例如,20世纪初,世界著名画家达·芬奇的代表作《蒙娜丽莎》不幸被盗,结果出人意料的是,该画被盗后,竟然引来人们纷纷到博物馆观看原来挂过这幅画的那面空墙。两年过去后,人们吃惊地发现到博物馆前来观看那面墙的人，竟然比过去 12 年前来欣赏
这幅画的观众还多一倍。
生活感悟：
在人际关系中,与人相处的时候,要给对方留下一个自由和宽松的环境,在做事情的时候,要适当地给对方以喘息的机会,让其有思考、反思的时间。所以生活中,无论是与人相处，还是做事情,有时运用无声胜有声、有无相生的方法也是一种智慧。
——郑小兰《改变一生的60个心理学效应》
#书摘碎集[超话]#
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