美食往往講究「內外兼修」，不僅滋味要好，視覺美感也至關重要。食物的呈現方式，既是廚師理念的視覺體現，也是餐廳品牌形象的一部分。因此，擺盤的方法和器皿的選擇，不失為一門值得探索的學問。
也難怪全世界的廚師無不絞盡腦汁，鑽研著如何從從顏色、香氣、形狀、平衡、結構等各方面的視覺效果，討好眾家刁嘴的饕客們。
一道好料理的條件在於色、香、味俱全；而我們對食物的第一印象來自視覺，如何擺盤也是一門藝術，更可以說是一種「意境」，謝謝文琳精心安排，帶領我從未知、到欣賞、到讚嘆，再到細細品味。每一道料理宛如一幅幅的畫，讓人充滿驚奇。
無論是從視覺、嗅覺或味覺，每一道料理都能感受到大廚的用心與堅持。
藝術即是生活，美學亦為日常。隨著時代的更迭，斗轉星移之間唯有「美」艮古不變。在人們心中，藝術是一種感受、是一種記憶、也是一種心靈的糧食、更是一種對生活態度的恆久追求。
#方文琳# https://t.cn/z8me14J
也難怪全世界的廚師無不絞盡腦汁，鑽研著如何從從顏色、香氣、形狀、平衡、結構等各方面的視覺效果，討好眾家刁嘴的饕客們。
一道好料理的條件在於色、香、味俱全；而我們對食物的第一印象來自視覺，如何擺盤也是一門藝術，更可以說是一種「意境」，謝謝文琳精心安排，帶領我從未知、到欣賞、到讚嘆，再到細細品味。每一道料理宛如一幅幅的畫，讓人充滿驚奇。
無論是從視覺、嗅覺或味覺，每一道料理都能感受到大廚的用心與堅持。
藝術即是生活，美學亦為日常。隨著時代的更迭，斗轉星移之間唯有「美」艮古不變。在人們心中，藝術是一種感受、是一種記憶、也是一種心靈的糧食、更是一種對生活態度的恆久追求。
#方文琳# https://t.cn/z8me14J
https://t.cn/z82Hjbq 我的评分：[星星][星星][星星][星星][星星]
#天堂电影院上映34周年#
1988年的今天，《天堂电影院》在意大利上映。
年轻时，认为“人生如电影，电影胜人生”。
长大后，相识了《天堂电影院》，回望过往才发现: 自己的人生比电影更精彩。
我们热爱电影，欣赏电影，沉迷电影，却很难发现电影的真谛，品味它真正的意义。当阿尔弗雷多无法再“观看”电影时，他却用心品味到一切。这一切意义太多，生活、事业、理想、爱情。
他像父亲一般指引着托托，不仅是电影放映的领路人，更是人生道路的领航员。人生和电影不同，人生更辛苦。如果不走出小镇，就会认为这里就是全世界。他没走出过小镇，却从成千上百遍的电影中品出了哲学般的人生真谛。
阿尔弗雷多的离世与“天堂电影院”爆破的瞬间，是这个意大利南部小镇几代人过往回忆的终结。托托回到家的镜头锁定在母亲还未织完的毛衣上，毛线拆散的瞬间像时间一般，将人的思绪拉回到从前。一切都变了，一切却又从未改变。
影片有着多角度多层次的表达，从战后意大利的经济社会状况，到电影设备在社会时代发展中的不断进步与电影内容表达的革新，再到人们娱乐方式的变革。时代在变，方式在变，不变的是电影所表达的价值与意义，就像阿尔弗雷多留给托托的那盘胶片一般，浓缩着曾经所有的回忆，重现美好且单纯的感觉。
这便是电影的真正价值，其实每个人的心中都有一座“天堂电影院”，那里有着你最热爱的东西。而我很荣幸，我所爱的正是【电影】。
#影迷嘉年华##电影种草官#
#天堂电影院上映34周年#
1988年的今天，《天堂电影院》在意大利上映。
年轻时，认为“人生如电影，电影胜人生”。
长大后，相识了《天堂电影院》，回望过往才发现: 自己的人生比电影更精彩。
我们热爱电影，欣赏电影，沉迷电影，却很难发现电影的真谛，品味它真正的意义。当阿尔弗雷多无法再“观看”电影时，他却用心品味到一切。这一切意义太多，生活、事业、理想、爱情。
他像父亲一般指引着托托，不仅是电影放映的领路人，更是人生道路的领航员。人生和电影不同，人生更辛苦。如果不走出小镇，就会认为这里就是全世界。他没走出过小镇，却从成千上百遍的电影中品出了哲学般的人生真谛。
阿尔弗雷多的离世与“天堂电影院”爆破的瞬间，是这个意大利南部小镇几代人过往回忆的终结。托托回到家的镜头锁定在母亲还未织完的毛衣上，毛线拆散的瞬间像时间一般，将人的思绪拉回到从前。一切都变了，一切却又从未改变。
影片有着多角度多层次的表达，从战后意大利的经济社会状况，到电影设备在社会时代发展中的不断进步与电影内容表达的革新，再到人们娱乐方式的变革。时代在变，方式在变，不变的是电影所表达的价值与意义，就像阿尔弗雷多留给托托的那盘胶片一般，浓缩着曾经所有的回忆，重现美好且单纯的感觉。
这便是电影的真正价值，其实每个人的心中都有一座“天堂电影院”，那里有着你最热爱的东西。而我很荣幸，我所爱的正是【电影】。
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技巧成就融于修养之中 ：略谈黄英的咏叹调与歌曲之夜
文：张可驹，原载《音乐周报》
当一个有魅力的人进入某一环境，人们可能很快会意识到他/她的存在，对演绎者来说也是一样的。但随着夸张的表现风格盛行，偏内在的演出渐渐不受重视。
如果能够以鲜明的魅力俘获听者，同时又有深厚的底蕴，那就再好不过了。11月5日，女高音歌唱家黄英与钢琴家薛颖佳合作，在上海东方艺术中心呈现的咏叹调与艺术歌曲音乐会，就是这样一场演出。
这些年里，多次聆听黄英的现场，都是难忘的体验。这位歌唱家有鲜明的感染力，又从不会曲高寡，听众的热烈反应非常引人注目。黄英对曲目的选择很用心，整场的品味高度、听众的关注点、不同作品之间的风格对比等，都有细致的关照。
曲目的设计是很重要的，有的演绎者单独推崇艺术性，而并不顾听者的接受度。这样有时可以，有时效果就不行。黄英的设计很科学，而当她一开口，我们便能体会纯正的古典声乐艺术的魅力。
当晚，歌唱家在上半场选择了亨德尔、普契尼等人的歌剧咏叹调，及法国与意大利的艺术歌曲，下半场是中国的艺术歌曲与民歌。风格跨度非常大，却是每一首都耐听，不仅传递出丰富的信息量，更在风格把握方面扣人心弦。
很有意思的一点是，歌唱家在上、下半场取得的成功，恰恰表现出美声艺术最为截然不同的两个方面。美声唱法本身发源于西方，用以表现西方古典声乐的杰作，自然考验歌者风格的纯正性。
有那么多经典演绎在，人们具备了充足的参照物。而通过美声来表现中文的歌曲，则是一种跨越，由此带来的困难，纵有几代歌唱家们的探索，也依旧存在着。
黄英的演出之所以具有示范性高度，一来是由于两边在艺术层面的要求，她都很好地完成了；二来，也甚至是更重要的，就是歌唱家显明前述两方面最深的本质，其实是同一样东西，即歌者如何把握声乐的修饰技巧，同作为声乐作品本源的语言之间的关系？
音乐和语言之间的关系，是一切杰出的声乐作品被建立的基础，演绎者如何审视，进而表现这样的基础，是至关重要的。循序渐进，是黄英所示范的最为根本的一个方向，恐怕，也是歌者都应该遵循的一个方向。先理想地建立技艺表现的基础，然后再根据不同作品，做出不同的运用。技巧和修养是无法分割的。
黄英自己说，她天然的嗓音号不大，因此主要在韵味方面探索。歌唱家确实为自己选择了最适宜的曲目范围，当晚除了《蝴蝶夫人》中的《晴朗的一天》，都是典型的抒情花腔女高音曲目。而“晴”这首，由于不需要面对乐队，也不必那么用力。
可倘若以为这仅是让歌唱家轻省，那就错了。东艺那个大厅，空间较大，钢琴独奏都不易控制，更何况是人声独唱？黄英的声音却能轻易罩住整个场地，听众们的反应是很好的证明。
并非真的“轻易”，只是歌唱家的控制力强，一边不触及自己范围之外的力度，因此损伤音质；另一边在声音的传送上，可说是尽显非凡功力。她的音质很美，清甜自然，没有任何强迫嗓音的痕迹，对于声线与分句的用心之深，为当代表率。
这其中，分句是歌唱家的构思，声线的刻画，似乎更像是技巧的一部分。其实不然，因为技巧越走向高处，就越需要同修养相辅相成。黄英塑造自己的嗓音线条，可说完美避开了时下一些歌者所流露的恶癖。
常规性的颤抖，唱高音时不顾及音质，长线的音质难以统一（时颤时不颤）等等，一样无有。我们面对的，却不仅是技巧的完善，而是精致的语言表现。黄英的吐字非常清晰，但又很自然，追寻语韵，而非那种“咬牙切齿”地镂刻辅音的唱法。
不时能听到，某些歌者在表现非母语的作品，尤其是艺术歌曲这样考验语言的作品时，为了体现自己能够唱清楚，而将辅音的轮廓刻意强化，以致同原作的旋律线貌合神离。但真正语言好的歌者，有人强调，有人不强调，却都不会出现这种不吻合。黄英恰恰能唱得清晰，更能捕捉语言音乐化的韵味。
一切的技巧成就，都融化在这份修养之中。表现亨德尔的《无尽的快乐》（选自歌剧《塞魅丽》），她并没有强化花腔，而是将焦点完全放在花腔装饰同语言流动的结合上，换言之，就是原作本身的方向。
演绎普契尼的三首作品，《晴朗的一天》、《漫步街头》（选自歌剧《波西米亚人》）和《多蕾塔做了什么梦》（选自歌剧《燕子》），黄英都呈现出细心揣摩原作的风格魅力。
普契尼虽然以优美的旋律见长，其实对细致划分乐句的构思，是相当有突破性之处。黄英的演绎，正是以她分句的修养，深入原作特点。《晴朗的一日》中，歌唱家对人物复杂的心理活动着墨之深，是罕见的。同时分句之细，力度层次之丰富，又从未影响大线条的走向与节奏的稳固，由此建立演奏的品格。
《漫步街头》常被表现得雍容华贵，黄英却不忘提醒人们，穆赛塔并非贵妇，也不能脱离轻浮的特点。这是真正刻画出人物的演绎。
表现中国的歌曲，这位歌唱家最大的成就，在于将美声唱法同中文容易掣肘之处，做了很好地解决。那样细致的处理，有时几乎有点像中国古典声乐艺术中的“切字”思维。
中文虽然是单音节字，却可依照声韵做出切分。黄英运用美声的修饰手法，从始至终，都完全建立在那样的声韵构思之上。表现民歌风格的作品时，这样的特点让她歌唱的魅力更为鲜活，也更为抓人。
图片版权：©美杰音乐 MajorMusic
文：张可驹，原载《音乐周报》
当一个有魅力的人进入某一环境，人们可能很快会意识到他/她的存在，对演绎者来说也是一样的。但随着夸张的表现风格盛行，偏内在的演出渐渐不受重视。
如果能够以鲜明的魅力俘获听者，同时又有深厚的底蕴，那就再好不过了。11月5日，女高音歌唱家黄英与钢琴家薛颖佳合作，在上海东方艺术中心呈现的咏叹调与艺术歌曲音乐会，就是这样一场演出。
这些年里，多次聆听黄英的现场，都是难忘的体验。这位歌唱家有鲜明的感染力，又从不会曲高寡，听众的热烈反应非常引人注目。黄英对曲目的选择很用心，整场的品味高度、听众的关注点、不同作品之间的风格对比等，都有细致的关照。
曲目的设计是很重要的，有的演绎者单独推崇艺术性，而并不顾听者的接受度。这样有时可以，有时效果就不行。黄英的设计很科学，而当她一开口，我们便能体会纯正的古典声乐艺术的魅力。
当晚，歌唱家在上半场选择了亨德尔、普契尼等人的歌剧咏叹调，及法国与意大利的艺术歌曲，下半场是中国的艺术歌曲与民歌。风格跨度非常大，却是每一首都耐听，不仅传递出丰富的信息量，更在风格把握方面扣人心弦。
很有意思的一点是，歌唱家在上、下半场取得的成功，恰恰表现出美声艺术最为截然不同的两个方面。美声唱法本身发源于西方，用以表现西方古典声乐的杰作，自然考验歌者风格的纯正性。
有那么多经典演绎在，人们具备了充足的参照物。而通过美声来表现中文的歌曲，则是一种跨越，由此带来的困难，纵有几代歌唱家们的探索，也依旧存在着。
黄英的演出之所以具有示范性高度，一来是由于两边在艺术层面的要求，她都很好地完成了；二来，也甚至是更重要的，就是歌唱家显明前述两方面最深的本质，其实是同一样东西，即歌者如何把握声乐的修饰技巧，同作为声乐作品本源的语言之间的关系？
音乐和语言之间的关系，是一切杰出的声乐作品被建立的基础，演绎者如何审视，进而表现这样的基础，是至关重要的。循序渐进，是黄英所示范的最为根本的一个方向，恐怕，也是歌者都应该遵循的一个方向。先理想地建立技艺表现的基础，然后再根据不同作品，做出不同的运用。技巧和修养是无法分割的。
黄英自己说，她天然的嗓音号不大，因此主要在韵味方面探索。歌唱家确实为自己选择了最适宜的曲目范围，当晚除了《蝴蝶夫人》中的《晴朗的一天》，都是典型的抒情花腔女高音曲目。而“晴”这首，由于不需要面对乐队，也不必那么用力。
可倘若以为这仅是让歌唱家轻省，那就错了。东艺那个大厅，空间较大，钢琴独奏都不易控制，更何况是人声独唱？黄英的声音却能轻易罩住整个场地，听众们的反应是很好的证明。
并非真的“轻易”，只是歌唱家的控制力强，一边不触及自己范围之外的力度，因此损伤音质；另一边在声音的传送上，可说是尽显非凡功力。她的音质很美，清甜自然，没有任何强迫嗓音的痕迹，对于声线与分句的用心之深，为当代表率。
这其中，分句是歌唱家的构思，声线的刻画，似乎更像是技巧的一部分。其实不然，因为技巧越走向高处，就越需要同修养相辅相成。黄英塑造自己的嗓音线条，可说完美避开了时下一些歌者所流露的恶癖。
常规性的颤抖，唱高音时不顾及音质，长线的音质难以统一（时颤时不颤）等等，一样无有。我们面对的，却不仅是技巧的完善，而是精致的语言表现。黄英的吐字非常清晰，但又很自然，追寻语韵，而非那种“咬牙切齿”地镂刻辅音的唱法。
不时能听到，某些歌者在表现非母语的作品，尤其是艺术歌曲这样考验语言的作品时，为了体现自己能够唱清楚，而将辅音的轮廓刻意强化，以致同原作的旋律线貌合神离。但真正语言好的歌者，有人强调，有人不强调，却都不会出现这种不吻合。黄英恰恰能唱得清晰，更能捕捉语言音乐化的韵味。
一切的技巧成就，都融化在这份修养之中。表现亨德尔的《无尽的快乐》（选自歌剧《塞魅丽》），她并没有强化花腔，而是将焦点完全放在花腔装饰同语言流动的结合上，换言之，就是原作本身的方向。
演绎普契尼的三首作品，《晴朗的一天》、《漫步街头》（选自歌剧《波西米亚人》）和《多蕾塔做了什么梦》（选自歌剧《燕子》），黄英都呈现出细心揣摩原作的风格魅力。
普契尼虽然以优美的旋律见长，其实对细致划分乐句的构思，是相当有突破性之处。黄英的演绎，正是以她分句的修养，深入原作特点。《晴朗的一日》中，歌唱家对人物复杂的心理活动着墨之深，是罕见的。同时分句之细，力度层次之丰富，又从未影响大线条的走向与节奏的稳固，由此建立演奏的品格。
《漫步街头》常被表现得雍容华贵，黄英却不忘提醒人们，穆赛塔并非贵妇，也不能脱离轻浮的特点。这是真正刻画出人物的演绎。
表现中国的歌曲，这位歌唱家最大的成就，在于将美声唱法同中文容易掣肘之处，做了很好地解决。那样细致的处理，有时几乎有点像中国古典声乐艺术中的“切字”思维。
中文虽然是单音节字，却可依照声韵做出切分。黄英运用美声的修饰手法，从始至终，都完全建立在那样的声韵构思之上。表现民歌风格的作品时，这样的特点让她歌唱的魅力更为鲜活，也更为抓人。
图片版权：©美杰音乐 MajorMusic
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