最近在画的绘本完成了！做了比较适合赛博阅读的版本，想给大家看看
标题是《从宇宙尽头飞来的我们》(「宇宙の果てから飛んできて僕ら」)
这是日本乐队THE BLUE HEARTS的同人绘本，标题来自乐队吉他手的歌词：“小区里的孩子/像是从宇宙尽头飞来似的/听着唱片”，作为主角的两个孩子实际上也是主唱甲本浩人和吉他手真岛昌利的形象
随着一颗星星落在地上，世界发生了奇妙的变化，两个孩子从窗户溜出家门，想要一探究竟，找到那颗落下的星星，所以他们抓住流星的尾巴踏过火星出发，给巨大的羊群拴上铃铛、问候小小的马门溪龙一家、骑着三叶虫在史前的海洋里穿行、被渡渡鸟搭救、向导弹人搭话，最后在暴风雨中心找到了海底陨石坑里的星星，原来是一只小沟鼠…
——这样一个没有什么逻辑的冒险故事，比起故事更像是梦境吧！我自己做梦就总是在这样不停不停地探险，我希望穿着睡衣的透明的他们也一样可以不停下探险的脚步
画面上方与故事并行的歌词摘抄自他们诸多不同的歌曲，以我自己的想法重新组合，它们和绘本的故事没有很直接的关系，但又的确是同时存在的；
这很像是歌曲中歌词和旋律的相互关系：它们并不相互解释，能够拆分开来，但彼此之间又相互依存。我觉得这是很有意思的事情，希望我的画面也可以和文字形成这样的关系…
这个绘本也是我申请研究生院校的作品集之一…嗯！我非常擅长在不该塞私货的地方塞私货！
因为是致敬乐队的绘本，所以我希望在形式上也呈现一种和歌曲类似的音乐性，就采用了唱片的形式，实体书也是12寸唱片的大小，书封做成了专辑包装，册子本身用从右到左翻阅的蝴蝶装装订，从而给人比较连贯的类似于歌曲的阅读体验（希望如此！）
圆形画幅不适合方形的手机查看，又不能将它们裁开打断节奏，所以我考虑了很久如何提高赛博阅读的体验，最后决定加上一些辅助阅读的批注，从画面左上角的倒三角形标注的位置开始顺时针旋转阅读，结合画面外的气泡…哎呀！真的是很麻烦！但是还是希望你可以看完它！我带着满心的爱意向你奉上…
标题是《从宇宙尽头飞来的我们》(「宇宙の果てから飛んできて僕ら」)
这是日本乐队THE BLUE HEARTS的同人绘本，标题来自乐队吉他手的歌词：“小区里的孩子/像是从宇宙尽头飞来似的/听着唱片”，作为主角的两个孩子实际上也是主唱甲本浩人和吉他手真岛昌利的形象
随着一颗星星落在地上，世界发生了奇妙的变化，两个孩子从窗户溜出家门，想要一探究竟，找到那颗落下的星星，所以他们抓住流星的尾巴踏过火星出发，给巨大的羊群拴上铃铛、问候小小的马门溪龙一家、骑着三叶虫在史前的海洋里穿行、被渡渡鸟搭救、向导弹人搭话，最后在暴风雨中心找到了海底陨石坑里的星星，原来是一只小沟鼠…
——这样一个没有什么逻辑的冒险故事，比起故事更像是梦境吧！我自己做梦就总是在这样不停不停地探险，我希望穿着睡衣的透明的他们也一样可以不停下探险的脚步
画面上方与故事并行的歌词摘抄自他们诸多不同的歌曲，以我自己的想法重新组合，它们和绘本的故事没有很直接的关系，但又的确是同时存在的；
这很像是歌曲中歌词和旋律的相互关系：它们并不相互解释，能够拆分开来，但彼此之间又相互依存。我觉得这是很有意思的事情，希望我的画面也可以和文字形成这样的关系…
这个绘本也是我申请研究生院校的作品集之一…嗯！我非常擅长在不该塞私货的地方塞私货！
因为是致敬乐队的绘本，所以我希望在形式上也呈现一种和歌曲类似的音乐性，就采用了唱片的形式，实体书也是12寸唱片的大小，书封做成了专辑包装，册子本身用从右到左翻阅的蝴蝶装装订，从而给人比较连贯的类似于歌曲的阅读体验（希望如此！）
圆形画幅不适合方形的手机查看，又不能将它们裁开打断节奏，所以我考虑了很久如何提高赛博阅读的体验，最后决定加上一些辅助阅读的批注，从画面左上角的倒三角形标注的位置开始顺时针旋转阅读，结合画面外的气泡…哎呀！真的是很麻烦！但是还是希望你可以看完它！我带着满心的爱意向你奉上…
技巧成就融于修养之中 ：略谈黄英的咏叹调与歌曲之夜
文：张可驹，原载《音乐周报》
当一个有魅力的人进入某一环境，人们可能很快会意识到他/她的存在，对演绎者来说也是一样的。但随着夸张的表现风格盛行，偏内在的演出渐渐不受重视。
如果能够以鲜明的魅力俘获听者，同时又有深厚的底蕴，那就再好不过了。11月5日，女高音歌唱家黄英与钢琴家薛颖佳合作，在上海东方艺术中心呈现的咏叹调与艺术歌曲音乐会，就是这样一场演出。
这些年里，多次聆听黄英的现场，都是难忘的体验。这位歌唱家有鲜明的感染力，又从不会曲高寡，听众的热烈反应非常引人注目。黄英对曲目的选择很用心，整场的品味高度、听众的关注点、不同作品之间的风格对比等，都有细致的关照。
曲目的设计是很重要的，有的演绎者单独推崇艺术性，而并不顾听者的接受度。这样有时可以，有时效果就不行。黄英的设计很科学，而当她一开口，我们便能体会纯正的古典声乐艺术的魅力。
当晚，歌唱家在上半场选择了亨德尔、普契尼等人的歌剧咏叹调，及法国与意大利的艺术歌曲，下半场是中国的艺术歌曲与民歌。风格跨度非常大，却是每一首都耐听，不仅传递出丰富的信息量，更在风格把握方面扣人心弦。
很有意思的一点是，歌唱家在上、下半场取得的成功，恰恰表现出美声艺术最为截然不同的两个方面。美声唱法本身发源于西方，用以表现西方古典声乐的杰作，自然考验歌者风格的纯正性。
有那么多经典演绎在，人们具备了充足的参照物。而通过美声来表现中文的歌曲，则是一种跨越，由此带来的困难，纵有几代歌唱家们的探索，也依旧存在着。
黄英的演出之所以具有示范性高度，一来是由于两边在艺术层面的要求，她都很好地完成了；二来，也甚至是更重要的，就是歌唱家显明前述两方面最深的本质，其实是同一样东西，即歌者如何把握声乐的修饰技巧，同作为声乐作品本源的语言之间的关系？
音乐和语言之间的关系，是一切杰出的声乐作品被建立的基础，演绎者如何审视，进而表现这样的基础，是至关重要的。循序渐进，是黄英所示范的最为根本的一个方向，恐怕，也是歌者都应该遵循的一个方向。先理想地建立技艺表现的基础，然后再根据不同作品，做出不同的运用。技巧和修养是无法分割的。
黄英自己说，她天然的嗓音号不大，因此主要在韵味方面探索。歌唱家确实为自己选择了最适宜的曲目范围，当晚除了《蝴蝶夫人》中的《晴朗的一天》，都是典型的抒情花腔女高音曲目。而“晴”这首，由于不需要面对乐队，也不必那么用力。
可倘若以为这仅是让歌唱家轻省，那就错了。东艺那个大厅，空间较大，钢琴独奏都不易控制，更何况是人声独唱？黄英的声音却能轻易罩住整个场地，听众们的反应是很好的证明。
并非真的“轻易”，只是歌唱家的控制力强，一边不触及自己范围之外的力度，因此损伤音质；另一边在声音的传送上，可说是尽显非凡功力。她的音质很美，清甜自然，没有任何强迫嗓音的痕迹，对于声线与分句的用心之深，为当代表率。
这其中，分句是歌唱家的构思，声线的刻画，似乎更像是技巧的一部分。其实不然，因为技巧越走向高处，就越需要同修养相辅相成。黄英塑造自己的嗓音线条，可说完美避开了时下一些歌者所流露的恶癖。
常规性的颤抖，唱高音时不顾及音质，长线的音质难以统一（时颤时不颤）等等，一样无有。我们面对的，却不仅是技巧的完善，而是精致的语言表现。黄英的吐字非常清晰，但又很自然，追寻语韵，而非那种“咬牙切齿”地镂刻辅音的唱法。
不时能听到，某些歌者在表现非母语的作品，尤其是艺术歌曲这样考验语言的作品时，为了体现自己能够唱清楚，而将辅音的轮廓刻意强化，以致同原作的旋律线貌合神离。但真正语言好的歌者，有人强调，有人不强调，却都不会出现这种不吻合。黄英恰恰能唱得清晰，更能捕捉语言音乐化的韵味。
一切的技巧成就，都融化在这份修养之中。表现亨德尔的《无尽的快乐》（选自歌剧《塞魅丽》），她并没有强化花腔，而是将焦点完全放在花腔装饰同语言流动的结合上，换言之，就是原作本身的方向。
演绎普契尼的三首作品，《晴朗的一天》、《漫步街头》（选自歌剧《波西米亚人》）和《多蕾塔做了什么梦》（选自歌剧《燕子》），黄英都呈现出细心揣摩原作的风格魅力。
普契尼虽然以优美的旋律见长，其实对细致划分乐句的构思，是相当有突破性之处。黄英的演绎，正是以她分句的修养，深入原作特点。《晴朗的一日》中，歌唱家对人物复杂的心理活动着墨之深，是罕见的。同时分句之细，力度层次之丰富，又从未影响大线条的走向与节奏的稳固，由此建立演奏的品格。
《漫步街头》常被表现得雍容华贵，黄英却不忘提醒人们，穆赛塔并非贵妇，也不能脱离轻浮的特点。这是真正刻画出人物的演绎。
表现中国的歌曲，这位歌唱家最大的成就，在于将美声唱法同中文容易掣肘之处，做了很好地解决。那样细致的处理，有时几乎有点像中国古典声乐艺术中的“切字”思维。
中文虽然是单音节字，却可依照声韵做出切分。黄英运用美声的修饰手法，从始至终，都完全建立在那样的声韵构思之上。表现民歌风格的作品时，这样的特点让她歌唱的魅力更为鲜活，也更为抓人。
图片版权：©美杰音乐 MajorMusic
文：张可驹，原载《音乐周报》
当一个有魅力的人进入某一环境，人们可能很快会意识到他/她的存在，对演绎者来说也是一样的。但随着夸张的表现风格盛行，偏内在的演出渐渐不受重视。
如果能够以鲜明的魅力俘获听者，同时又有深厚的底蕴，那就再好不过了。11月5日，女高音歌唱家黄英与钢琴家薛颖佳合作，在上海东方艺术中心呈现的咏叹调与艺术歌曲音乐会，就是这样一场演出。
这些年里，多次聆听黄英的现场，都是难忘的体验。这位歌唱家有鲜明的感染力，又从不会曲高寡，听众的热烈反应非常引人注目。黄英对曲目的选择很用心，整场的品味高度、听众的关注点、不同作品之间的风格对比等，都有细致的关照。
曲目的设计是很重要的，有的演绎者单独推崇艺术性，而并不顾听者的接受度。这样有时可以，有时效果就不行。黄英的设计很科学，而当她一开口，我们便能体会纯正的古典声乐艺术的魅力。
当晚，歌唱家在上半场选择了亨德尔、普契尼等人的歌剧咏叹调，及法国与意大利的艺术歌曲，下半场是中国的艺术歌曲与民歌。风格跨度非常大，却是每一首都耐听，不仅传递出丰富的信息量，更在风格把握方面扣人心弦。
很有意思的一点是，歌唱家在上、下半场取得的成功，恰恰表现出美声艺术最为截然不同的两个方面。美声唱法本身发源于西方，用以表现西方古典声乐的杰作，自然考验歌者风格的纯正性。
有那么多经典演绎在，人们具备了充足的参照物。而通过美声来表现中文的歌曲，则是一种跨越，由此带来的困难，纵有几代歌唱家们的探索，也依旧存在着。
黄英的演出之所以具有示范性高度，一来是由于两边在艺术层面的要求，她都很好地完成了；二来，也甚至是更重要的，就是歌唱家显明前述两方面最深的本质，其实是同一样东西，即歌者如何把握声乐的修饰技巧，同作为声乐作品本源的语言之间的关系？
音乐和语言之间的关系，是一切杰出的声乐作品被建立的基础，演绎者如何审视，进而表现这样的基础，是至关重要的。循序渐进，是黄英所示范的最为根本的一个方向，恐怕，也是歌者都应该遵循的一个方向。先理想地建立技艺表现的基础，然后再根据不同作品，做出不同的运用。技巧和修养是无法分割的。
黄英自己说，她天然的嗓音号不大，因此主要在韵味方面探索。歌唱家确实为自己选择了最适宜的曲目范围，当晚除了《蝴蝶夫人》中的《晴朗的一天》，都是典型的抒情花腔女高音曲目。而“晴”这首，由于不需要面对乐队，也不必那么用力。
可倘若以为这仅是让歌唱家轻省，那就错了。东艺那个大厅，空间较大，钢琴独奏都不易控制，更何况是人声独唱？黄英的声音却能轻易罩住整个场地，听众们的反应是很好的证明。
并非真的“轻易”，只是歌唱家的控制力强，一边不触及自己范围之外的力度，因此损伤音质；另一边在声音的传送上，可说是尽显非凡功力。她的音质很美，清甜自然，没有任何强迫嗓音的痕迹，对于声线与分句的用心之深，为当代表率。
这其中，分句是歌唱家的构思，声线的刻画，似乎更像是技巧的一部分。其实不然，因为技巧越走向高处，就越需要同修养相辅相成。黄英塑造自己的嗓音线条，可说完美避开了时下一些歌者所流露的恶癖。
常规性的颤抖，唱高音时不顾及音质，长线的音质难以统一（时颤时不颤）等等，一样无有。我们面对的，却不仅是技巧的完善，而是精致的语言表现。黄英的吐字非常清晰，但又很自然，追寻语韵，而非那种“咬牙切齿”地镂刻辅音的唱法。
不时能听到，某些歌者在表现非母语的作品，尤其是艺术歌曲这样考验语言的作品时，为了体现自己能够唱清楚，而将辅音的轮廓刻意强化，以致同原作的旋律线貌合神离。但真正语言好的歌者，有人强调，有人不强调，却都不会出现这种不吻合。黄英恰恰能唱得清晰，更能捕捉语言音乐化的韵味。
一切的技巧成就，都融化在这份修养之中。表现亨德尔的《无尽的快乐》（选自歌剧《塞魅丽》），她并没有强化花腔，而是将焦点完全放在花腔装饰同语言流动的结合上，换言之，就是原作本身的方向。
演绎普契尼的三首作品，《晴朗的一天》、《漫步街头》（选自歌剧《波西米亚人》）和《多蕾塔做了什么梦》（选自歌剧《燕子》），黄英都呈现出细心揣摩原作的风格魅力。
普契尼虽然以优美的旋律见长，其实对细致划分乐句的构思，是相当有突破性之处。黄英的演绎，正是以她分句的修养，深入原作特点。《晴朗的一日》中，歌唱家对人物复杂的心理活动着墨之深，是罕见的。同时分句之细，力度层次之丰富，又从未影响大线条的走向与节奏的稳固，由此建立演奏的品格。
《漫步街头》常被表现得雍容华贵，黄英却不忘提醒人们，穆赛塔并非贵妇，也不能脱离轻浮的特点。这是真正刻画出人物的演绎。
表现中国的歌曲，这位歌唱家最大的成就，在于将美声唱法同中文容易掣肘之处，做了很好地解决。那样细致的处理，有时几乎有点像中国古典声乐艺术中的“切字”思维。
中文虽然是单音节字，却可依照声韵做出切分。黄英运用美声的修饰手法，从始至终，都完全建立在那样的声韵构思之上。表现民歌风格的作品时，这样的特点让她歌唱的魅力更为鲜活，也更为抓人。
图片版权：©美杰音乐 MajorMusic
天天征友天天单身，几年了一样的帖子发过无数次，这几年就真的都没有能找到一个对象吗？我在想问题出在哪里？感情是要经营的，相貌看得顺眼属性搭的，经济条件差不多的，性格合拍（会互相为了彼此而改变自己的棱角）不就好了嘛？有这么难吗？是自己太菜了吧还是。那就清醒一点让自己变得更加有优秀吧！你若盛开，蝴蝶自来
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