#副教授高槻彰良的推理#
关于教授的碎碎念-SE104观感。
这一话的事件，是在原作第二卷·怪异宿于间隙第二章《摄影棚的幽灵》，漫画是在第11话至第14话。
因为太太翻译的这章的有一节被吞缺失，所以暂时无法从原文得知高槻教授是如何在深町家里照顾他的，不过漫画和原作应该差别不大。可以相辅的了解一二。
事件本身没有特别大的区别，女演员因为想要大火而找到教授，自导自演了一出戏。教授因为深町没有去上课而亲自探望。深町因为感冒得了中耳炎，变得暂时没办法再分辨谎言。但是原作与剧中的教授和深町之间的情感上却有非常大的差异。
原作这一段的深町，在众人面前是有感冒了的前奏的，还因此收获了很多热心人的纸巾。原作这个节点的深町已经融入了研究室，那个标志的小狗杯子也已经带进去了。题外话，我觉得原作者泽村老师应该是个很直白的人。因为原文里的教授和深町，彼此说话相交，都非常的直白。原作里的深町，虽然因为能力被迫成熟，但是本质还是一个孩子。会直接跟教授说耳朵很痛，一个人在家，没有买药，在他这种脆弱的时候不自觉的跟教授撒着娇。教授到深町家的时候非常担心，甚至想要破门而入。照顾深町的途中，两人仿佛交换一样，述说了对自己来说非常可怕的噩梦。
「你应该多学会依靠他人一些。毕竟，没有人能独自一人生活下去」
原作的高槻教授这样的台词给我一种温柔包容的前辈感觉，会保护并引领着深町前行。所以这种情景下，深町也被这种温暖而治愈，促使着他打破那条线，真正的前往教授的身边。之后暂时丧失能力的深町，更像是一个刚得到糖果的孩子，紧紧攥着这份温暖不想放手。
「——高槻知道如果这双耳朵变得像普通人一样了，他会怎么想呢？
高槻之所以对尚哉感兴趣，是因为尚哉过去曾经历过只能称之为怪异现象的事。
并且，因为那件事，他拥有了和普通人不同的能力。
尚哉觉得，正是因为自己与高槻处在某种意义上相似的处境，高槻才会一直照顾尚哉。之前还特地跑来家里，应该也是出于同样的理由吧。
可是那样的话，他忍不住会去想。
如果尚哉没有了那种能力。如果尚哉变得和其他人没什么两样。
对高槻来说，尚哉不就不再是他关心的对象了吗？」
但是原作里深町并没有纠结很久就告诉了教授自己无法分辨谎言的现实。甚至在有人威胁到教授时，恢复能力的深町觉得这不再是诅咒，而是自己的武器。
剧版对我个人而言，从这一话开始，伊野尾饰演的高槻教授，开始脱离原作的印象，作为他独属的存在来显露。作为对应的神宫寺的尚哉，也是同样。伊野尾的颜，相比于原作是不够成熟，但是同样，他能做出原作教授做不出的神情姿态，成为他自己的高槻彰良。
不论是这一话一开始与瑠衣子的对话，撒娇一般的语气说着「深町同学今天没有来上课，是不是我的课太无聊了[委屈]」，还是在深町门前拖着长音喊着深町名字，或者是在迷路时间上撒了个小小的谎被戳穿的小委屈，都是有别于原作的，更加可爱鲜活的高槻教授。剧里这个场景下，教授说了同样的台词，再加上后面那句「你已经是我研究室里必不可少的人了」给我的感觉就不再是温柔的长辈，而是一种同等地位下的告白。
神宫寺的深町亦是如此。他不再有原著中偶尔的孩子气，并且更深切的表现出恐惧孤独，在感冒中做的那场关于祭典的噩梦，他大喊着「我不要一个人」，他无法像原作中那样直接了当的表达自己的情感，同时却又更渴望着教授的陪伴。失去能力的一开始，他庆幸着自己终于不再孤独，但是和教授去调查事件的过程中，又不安自己是否再也没有资格待在教授身边。身边陌生人的谎言还不足以让他恐惧，造成伤害的是他内心害怕教授对他说的需要也是谎言。到最后也没有自己跟教授坦白的说出自己丧失能力的事。
这里表现出的情感真的让人感叹编剧你太会了。不论是深町中间拜托瑠衣子去做教授的助手时表现出的神态，或者是最后跟教授发脾气的语气，都像及了自觉自己没有资格再去爱对方的自怨自艾和患得患失。教授自我剖白的说着「我说过，我需要的是深町同学」，深町怀疑的表情让教授也特别受伤。只能无奈的答应深町辞去助手，让他冷静一下。
（看完这一幕你敢说不是情侣吵架？[求饶]）
关于教授的碎碎念-SE104观感。
这一话的事件，是在原作第二卷·怪异宿于间隙第二章《摄影棚的幽灵》，漫画是在第11话至第14话。
因为太太翻译的这章的有一节被吞缺失，所以暂时无法从原文得知高槻教授是如何在深町家里照顾他的，不过漫画和原作应该差别不大。可以相辅的了解一二。
事件本身没有特别大的区别，女演员因为想要大火而找到教授，自导自演了一出戏。教授因为深町没有去上课而亲自探望。深町因为感冒得了中耳炎，变得暂时没办法再分辨谎言。但是原作与剧中的教授和深町之间的情感上却有非常大的差异。
原作这一段的深町，在众人面前是有感冒了的前奏的，还因此收获了很多热心人的纸巾。原作这个节点的深町已经融入了研究室，那个标志的小狗杯子也已经带进去了。题外话，我觉得原作者泽村老师应该是个很直白的人。因为原文里的教授和深町，彼此说话相交，都非常的直白。原作里的深町，虽然因为能力被迫成熟，但是本质还是一个孩子。会直接跟教授说耳朵很痛，一个人在家，没有买药，在他这种脆弱的时候不自觉的跟教授撒着娇。教授到深町家的时候非常担心，甚至想要破门而入。照顾深町的途中，两人仿佛交换一样，述说了对自己来说非常可怕的噩梦。
「你应该多学会依靠他人一些。毕竟，没有人能独自一人生活下去」
原作的高槻教授这样的台词给我一种温柔包容的前辈感觉，会保护并引领着深町前行。所以这种情景下，深町也被这种温暖而治愈，促使着他打破那条线，真正的前往教授的身边。之后暂时丧失能力的深町，更像是一个刚得到糖果的孩子，紧紧攥着这份温暖不想放手。
「——高槻知道如果这双耳朵变得像普通人一样了，他会怎么想呢？
高槻之所以对尚哉感兴趣，是因为尚哉过去曾经历过只能称之为怪异现象的事。
并且，因为那件事，他拥有了和普通人不同的能力。
尚哉觉得，正是因为自己与高槻处在某种意义上相似的处境，高槻才会一直照顾尚哉。之前还特地跑来家里，应该也是出于同样的理由吧。
可是那样的话，他忍不住会去想。
如果尚哉没有了那种能力。如果尚哉变得和其他人没什么两样。
对高槻来说，尚哉不就不再是他关心的对象了吗？」
但是原作里深町并没有纠结很久就告诉了教授自己无法分辨谎言的现实。甚至在有人威胁到教授时，恢复能力的深町觉得这不再是诅咒，而是自己的武器。
剧版对我个人而言，从这一话开始，伊野尾饰演的高槻教授，开始脱离原作的印象，作为他独属的存在来显露。作为对应的神宫寺的尚哉，也是同样。伊野尾的颜，相比于原作是不够成熟，但是同样，他能做出原作教授做不出的神情姿态，成为他自己的高槻彰良。
不论是这一话一开始与瑠衣子的对话，撒娇一般的语气说着「深町同学今天没有来上课，是不是我的课太无聊了[委屈]」，还是在深町门前拖着长音喊着深町名字，或者是在迷路时间上撒了个小小的谎被戳穿的小委屈，都是有别于原作的，更加可爱鲜活的高槻教授。剧里这个场景下，教授说了同样的台词，再加上后面那句「你已经是我研究室里必不可少的人了」给我的感觉就不再是温柔的长辈，而是一种同等地位下的告白。
神宫寺的深町亦是如此。他不再有原著中偶尔的孩子气，并且更深切的表现出恐惧孤独，在感冒中做的那场关于祭典的噩梦，他大喊着「我不要一个人」，他无法像原作中那样直接了当的表达自己的情感，同时却又更渴望着教授的陪伴。失去能力的一开始，他庆幸着自己终于不再孤独，但是和教授去调查事件的过程中，又不安自己是否再也没有资格待在教授身边。身边陌生人的谎言还不足以让他恐惧，造成伤害的是他内心害怕教授对他说的需要也是谎言。到最后也没有自己跟教授坦白的说出自己丧失能力的事。
这里表现出的情感真的让人感叹编剧你太会了。不论是深町中间拜托瑠衣子去做教授的助手时表现出的神态，或者是最后跟教授发脾气的语气，都像及了自觉自己没有资格再去爱对方的自怨自艾和患得患失。教授自我剖白的说着「我说过，我需要的是深町同学」，深町怀疑的表情让教授也特别受伤。只能无奈的答应深町辞去助手，让他冷静一下。
（看完这一幕你敢说不是情侣吵架？[求饶]）
#经典电影#尽管已经过去四十年，《哪吒闹海》依然被很多人奉为经典中的经典电影！
尽管已经过去整整四十年，《哪吒闹海》依然被很多人奉为经典中的经典。尤其是影片中哪吒自刎的深沉悲壮，后来的中国动画电影再也不曾达到这样的戏剧高度。
四十年里，那个自由叛逆、充满悲剧色彩的小哪吒，成为了一代又一代青少年的守护神。没有一个孩子不曾为他大闹东海而快意，为他剜肉剔骨、断绝亲情而震撼落泪，也为他骑鹿远去而感到落寞孤独。
他还成为了摇滚精神的象征。在《哪吒闹海》上映20年后，5个“北漂”年轻人将电影里第432号镜头的一帧画面作为乐队LOGO——他们将自刎的哪吒印在衣服上，印在旗帜上，南征北战，高喊着：
“即便是苦痛，也无法阻止我们仰起的头颅。”
1978年夏，《哪吒闹海》摄制组在上海市万航渡路618号成立。
这部片子是上海美术电影制片厂筹备的献礼片，时间紧，任务重。为了保证按时完成高质量的创作，影厂不惜举全厂之力投入到剧组当中：
“参加这部影片创作的有三位导演，一位总美术设计师和四位美术设计师，15位原画设计师，27位动画人员，三位绘景师，三位摄影师，一位作曲家，两位剪辑师，一位录音师，一位拟音师，众多的技术人员和辅助人员以及一位制片主任，一位剧务。”
三位导演分别为：王树忱、严定宪和阿达（徐景达）。
严定宪是原画师出身。动画片《大闹天宫》里的孙悟空，就是由他从静态的漫画造型，一帧一帧落实到动画里去的。
王树忱和阿达是影厂的“三剑客”之二。其中王树忱不仅是《哪吒闹海》的导演，还是编剧。
早在1958年，王树忱就带着《哪吒闹海》的剧本跑去苏谈合作。
对故事很感兴趣，当即决定派《冰雪女王》的导演列夫·阿塔曼诺夫和王树忱联合执导《哪吒闹海》。双方计划在中国取景，在美术片厂进行绘制，要搞一部中国风+技术的鸿篇巨制。
为此，阿塔曼诺夫特地来考察，看山看水看名画，还上了当年的《大众电影》杂志。
他表示要把京剧艺术融入到动画人物的表演中——3年后，这一艺术构想在《大闹天宫》里倒是实现了。
眼看着合作要成了，双方在钱的问题上却没谈拢：“我们要他们派导演，派好的原画师来，多出钱；他们呢，相反，少出钱，要我们出力气。”
然后在剧本上也开始扯皮，曾经不能理解中国人的神话传说，“认为讲迷信啊，斯了又活了，活了又斯了”。
身为辽宁汉子、又有着近十年美术片从业经验的王树忱咽不下这口气，“还要听他的，一副老大哥腔调，把我们看作小老弟”。
最后干脆一个电话请示到美影厂厂长特伟那里，谈不拢，不谈了。
于是王树忱带着“哪吒”打道回国，默默等待机会。
文艺工作者们的春天到了。沉寂数年的美影厂重新恢复了美术片的创作，《哪吒闹海》正好赶上了这一时机。
自觉虚度了十年光阴的动画人们铆足了劲，想把《哪吒闹海》做成中国第一部宽银幕动画片。
在哪吒的故事背景中，“人、神、鬼、兽同台表演；关、海、洞、天景色齐全”，适合用宽银幕来呈现。
最终，他们首次尝试用2.35:1的宽幅来制作动画电影。三位导演满怀雄心壮志，他们一致决定：
《哪吒闹海》的艺术特色，必须是奇、绝、壮、美。
所谓奇，就是故事离奇。为此，王树忱在剧本上对原著进行了大胆的改动。
《哪吒闹海》电影开篇，四海龙王兴风作浪，搅得陈塘关不得安宁，这为日后哪吒闹海埋下了合理性。
但其实在原著中，哪吒的闹海有点蛮不讲理。
在《封神演义》第十二回“陈塘关哪吒出世”里，哪吒因天气炎热，到海边用混天绫蘸水洗澡，不想这宝贝法力无边撼动了龙宫。
龙王差夜叉李艮来问，哪吒仗着自己是“灵珠子应运下世”，口气十分嚣张：“你这畜生是什么东西，也配说话？”
等到火拼起来，哪吒一动怒就打斯了夜叉，抽了敖丙龙筋，却道“便打死他二命也是小事”。
这要放在现代，妥妥的就是一恶少二代啊。
在《封神演义》成书的明代，哪吒应天命扶周灭商就已经是正义之身。哪怕是沙了人，也是为了“磨炼本性”、“完成劫数”，一切都可用天数来解释。反正古人吃这一套。
但若想让现代的观众接受这样一个浑身戾气、恃强凌弱的哪吒，显然是不可能的。
于是王树忱化用民间传说中，龙王贪得无厌、索要童男童女的桥段，反过来将哪吒塑造成天真无邪又正义凛然的少年英雄。
便是后来哪吒自刎，也是忍不了妖龙再作恶，忍不了百姓再受难，忍不了亲生爹爹要沙自己，是他自己的主动牺牲。
这一幕戏是全片的最高潮。
李靖因“天命难违”，挥剑欲砍哪吒，却因哪吒一声“爹爹”而心有不忍，手中宝剑应声落地。
“老妖龙，你听着，我一人做事一人当，不许你们祸害别人！”
“爹爹，你的骨肉我还给你，我不连累你！”
几乎与此同时，乐器合奏的配乐响起，十二个全景、四个中景、六个近景的轮番切换将戏剧张力推向极致，越来越快，就在观众情绪抵达高潮的那一刻，哪吒反手挥剑自纹，音乐、画面戛然而止。
片刻停顿，我们只能看到哪吒的背影静止，剑在手中滑动了一下。哪吒睁眼，泪水滑落，染血的长剑坠向地面。不知多少人在这一刻流下眼泪。
背向观众自纹，这经典的影史一幕是原画师常光希设计的。
但在当时，他的创作如履薄冰。考虑到动画片的受众主要是孩子，导演要求不能太暴力、太血腥。
“反正这一剑总是要下去的，问题是怎么下。”
考虑来考虑去，决定让哪吒背过身去下剑，但又担心画面张力不太够。
原画组组长林文肖——也是后来动画片《舒克和贝塔》的导演跟他建议，让哪吒的头发竖起来后慢慢飘落，象征生命在哪吒的身体里消失。
最终呈现出来的效果，在剪辑的加成下，戏剧张力、表现力、感染力都很到位。
对于我们来说，这可能是童年最为撕心裂肺、肝肠寸断的观影体验。
曾这样评价：多少年后，哪吒长袖飘飘，白衣若雪，在暗如黑夜的暴风雨中，横剑自刎的一幕仍历历在目，这种深沉的悲壮意境，此后的中国动画片再也没有，也无法再现了。
《哪吒闹海》前后只用了一年零三个月就完成了从绘制、拍摄到剪辑的所有工作，一共画了五万八千多张原画，摄制了宽银幕和4:3普通银幕两种规格，可想而知整个团队有多拼。
所有人都自觉加班。在全片进行到精剪阶段，剪辑师肖淮海连着一个星期没有回家。那可是计划经济时代，大家拿的都是固定薪酬，能做到如此，当真是“用爱发电”。
但不疯魔不成活。这种对每一个细节都极致把握的态度，才让《哪吒闹海》成为了影史上大放异彩的经典。
拿一个细节举例。敖丙被哪吒抽了龙筋，龙王敖广气咻咻地去找李靖说道。这里有一场戏是李靖抚琴。
为了让李靖的神情、姿态甚至弹琴的指法都和音乐完美结合，曲子谱好后，主创团队请来专业琴师现场演奏。
琴师在中间抚琴，六位原画师呈扇形围成一圈，多角度速写记录下每个音节的指法。同时摄影师也将琴师演奏时的神态捕捉下来。
这本来只是一处和情节推进没什么关系的细节，他们却以十足的匠心来雕琢。
这做的哪里是动画，分明就是艺术品啊。
类似的惊喜比比皆是。
比如电影开场，随着“上海美术电影制片厂”几个大字浮现，一段青铜编钟音色的配乐响起，马上就把人拉入到中国古典神话的缥缈意境里。
对于出生在80、90年代，看着这部动画电影长大的孩子们来说，让我们震撼的，是少年哪吒对父权的激烈反抗和对自由的决然追求。只是这样的哪吒，在自刎那刻便死去了，纵然莲花复生，但那不再是哪吒。
正因为如此，相较于其他影视剧作品中，哪吒复活后被天庭招安的后续演绎，《哪吒闹海》的结尾处理才显得难能可贵。
快意复仇后的哪吒和家将、昔日伙伴一一告别，骑一匹梅花鹿逍遥远去，没有了血缘的羁绊，无来处无归途，自由自在，唯有此心，耿耿相随。
而那个仗义执言、一身反骨的少年英雄，成为了一代又一代青少年的守护神。
哪吒——这个由师父太乙真人起的名字，曾经被一支年轻的摇滚乐队化为己用。他们在一首名为《闹海》的歌里唱道：
忧郁的孩子们别怕，守护着你们的是哪吒，谁要是再来害人定不饶他。
闹海哪吒 - 他在时间门外
尽管已经过去整整四十年，《哪吒闹海》依然被很多人奉为经典中的经典。尤其是影片中哪吒自刎的深沉悲壮，后来的中国动画电影再也不曾达到这样的戏剧高度。
四十年里，那个自由叛逆、充满悲剧色彩的小哪吒，成为了一代又一代青少年的守护神。没有一个孩子不曾为他大闹东海而快意，为他剜肉剔骨、断绝亲情而震撼落泪，也为他骑鹿远去而感到落寞孤独。
他还成为了摇滚精神的象征。在《哪吒闹海》上映20年后，5个“北漂”年轻人将电影里第432号镜头的一帧画面作为乐队LOGO——他们将自刎的哪吒印在衣服上，印在旗帜上，南征北战，高喊着：
“即便是苦痛，也无法阻止我们仰起的头颅。”
1978年夏，《哪吒闹海》摄制组在上海市万航渡路618号成立。
这部片子是上海美术电影制片厂筹备的献礼片，时间紧，任务重。为了保证按时完成高质量的创作，影厂不惜举全厂之力投入到剧组当中：
“参加这部影片创作的有三位导演，一位总美术设计师和四位美术设计师，15位原画设计师，27位动画人员，三位绘景师，三位摄影师，一位作曲家，两位剪辑师，一位录音师，一位拟音师，众多的技术人员和辅助人员以及一位制片主任，一位剧务。”
三位导演分别为：王树忱、严定宪和阿达（徐景达）。
严定宪是原画师出身。动画片《大闹天宫》里的孙悟空，就是由他从静态的漫画造型，一帧一帧落实到动画里去的。
王树忱和阿达是影厂的“三剑客”之二。其中王树忱不仅是《哪吒闹海》的导演，还是编剧。
早在1958年，王树忱就带着《哪吒闹海》的剧本跑去苏谈合作。
对故事很感兴趣，当即决定派《冰雪女王》的导演列夫·阿塔曼诺夫和王树忱联合执导《哪吒闹海》。双方计划在中国取景，在美术片厂进行绘制，要搞一部中国风+技术的鸿篇巨制。
为此，阿塔曼诺夫特地来考察，看山看水看名画，还上了当年的《大众电影》杂志。
他表示要把京剧艺术融入到动画人物的表演中——3年后，这一艺术构想在《大闹天宫》里倒是实现了。
眼看着合作要成了，双方在钱的问题上却没谈拢：“我们要他们派导演，派好的原画师来，多出钱；他们呢，相反，少出钱，要我们出力气。”
然后在剧本上也开始扯皮，曾经不能理解中国人的神话传说，“认为讲迷信啊，斯了又活了，活了又斯了”。
身为辽宁汉子、又有着近十年美术片从业经验的王树忱咽不下这口气，“还要听他的，一副老大哥腔调，把我们看作小老弟”。
最后干脆一个电话请示到美影厂厂长特伟那里，谈不拢，不谈了。
于是王树忱带着“哪吒”打道回国，默默等待机会。
文艺工作者们的春天到了。沉寂数年的美影厂重新恢复了美术片的创作，《哪吒闹海》正好赶上了这一时机。
自觉虚度了十年光阴的动画人们铆足了劲，想把《哪吒闹海》做成中国第一部宽银幕动画片。
在哪吒的故事背景中，“人、神、鬼、兽同台表演；关、海、洞、天景色齐全”，适合用宽银幕来呈现。
最终，他们首次尝试用2.35:1的宽幅来制作动画电影。三位导演满怀雄心壮志，他们一致决定：
《哪吒闹海》的艺术特色，必须是奇、绝、壮、美。
所谓奇，就是故事离奇。为此，王树忱在剧本上对原著进行了大胆的改动。
《哪吒闹海》电影开篇，四海龙王兴风作浪，搅得陈塘关不得安宁，这为日后哪吒闹海埋下了合理性。
但其实在原著中，哪吒的闹海有点蛮不讲理。
在《封神演义》第十二回“陈塘关哪吒出世”里，哪吒因天气炎热，到海边用混天绫蘸水洗澡，不想这宝贝法力无边撼动了龙宫。
龙王差夜叉李艮来问，哪吒仗着自己是“灵珠子应运下世”，口气十分嚣张：“你这畜生是什么东西，也配说话？”
等到火拼起来，哪吒一动怒就打斯了夜叉，抽了敖丙龙筋，却道“便打死他二命也是小事”。
这要放在现代，妥妥的就是一恶少二代啊。
在《封神演义》成书的明代，哪吒应天命扶周灭商就已经是正义之身。哪怕是沙了人，也是为了“磨炼本性”、“完成劫数”，一切都可用天数来解释。反正古人吃这一套。
但若想让现代的观众接受这样一个浑身戾气、恃强凌弱的哪吒，显然是不可能的。
于是王树忱化用民间传说中，龙王贪得无厌、索要童男童女的桥段，反过来将哪吒塑造成天真无邪又正义凛然的少年英雄。
便是后来哪吒自刎，也是忍不了妖龙再作恶，忍不了百姓再受难，忍不了亲生爹爹要沙自己，是他自己的主动牺牲。
这一幕戏是全片的最高潮。
李靖因“天命难违”，挥剑欲砍哪吒，却因哪吒一声“爹爹”而心有不忍，手中宝剑应声落地。
“老妖龙，你听着，我一人做事一人当，不许你们祸害别人！”
“爹爹，你的骨肉我还给你，我不连累你！”
几乎与此同时，乐器合奏的配乐响起，十二个全景、四个中景、六个近景的轮番切换将戏剧张力推向极致，越来越快，就在观众情绪抵达高潮的那一刻，哪吒反手挥剑自纹，音乐、画面戛然而止。
片刻停顿，我们只能看到哪吒的背影静止，剑在手中滑动了一下。哪吒睁眼，泪水滑落，染血的长剑坠向地面。不知多少人在这一刻流下眼泪。
背向观众自纹，这经典的影史一幕是原画师常光希设计的。
但在当时，他的创作如履薄冰。考虑到动画片的受众主要是孩子，导演要求不能太暴力、太血腥。
“反正这一剑总是要下去的，问题是怎么下。”
考虑来考虑去，决定让哪吒背过身去下剑，但又担心画面张力不太够。
原画组组长林文肖——也是后来动画片《舒克和贝塔》的导演跟他建议，让哪吒的头发竖起来后慢慢飘落，象征生命在哪吒的身体里消失。
最终呈现出来的效果，在剪辑的加成下，戏剧张力、表现力、感染力都很到位。
对于我们来说，这可能是童年最为撕心裂肺、肝肠寸断的观影体验。
曾这样评价：多少年后，哪吒长袖飘飘，白衣若雪，在暗如黑夜的暴风雨中，横剑自刎的一幕仍历历在目，这种深沉的悲壮意境，此后的中国动画片再也没有，也无法再现了。
《哪吒闹海》前后只用了一年零三个月就完成了从绘制、拍摄到剪辑的所有工作，一共画了五万八千多张原画，摄制了宽银幕和4:3普通银幕两种规格，可想而知整个团队有多拼。
所有人都自觉加班。在全片进行到精剪阶段，剪辑师肖淮海连着一个星期没有回家。那可是计划经济时代，大家拿的都是固定薪酬，能做到如此，当真是“用爱发电”。
但不疯魔不成活。这种对每一个细节都极致把握的态度，才让《哪吒闹海》成为了影史上大放异彩的经典。
拿一个细节举例。敖丙被哪吒抽了龙筋，龙王敖广气咻咻地去找李靖说道。这里有一场戏是李靖抚琴。
为了让李靖的神情、姿态甚至弹琴的指法都和音乐完美结合，曲子谱好后，主创团队请来专业琴师现场演奏。
琴师在中间抚琴，六位原画师呈扇形围成一圈，多角度速写记录下每个音节的指法。同时摄影师也将琴师演奏时的神态捕捉下来。
这本来只是一处和情节推进没什么关系的细节，他们却以十足的匠心来雕琢。
这做的哪里是动画，分明就是艺术品啊。
类似的惊喜比比皆是。
比如电影开场，随着“上海美术电影制片厂”几个大字浮现，一段青铜编钟音色的配乐响起，马上就把人拉入到中国古典神话的缥缈意境里。
对于出生在80、90年代，看着这部动画电影长大的孩子们来说，让我们震撼的，是少年哪吒对父权的激烈反抗和对自由的决然追求。只是这样的哪吒，在自刎那刻便死去了，纵然莲花复生，但那不再是哪吒。
正因为如此，相较于其他影视剧作品中，哪吒复活后被天庭招安的后续演绎，《哪吒闹海》的结尾处理才显得难能可贵。
快意复仇后的哪吒和家将、昔日伙伴一一告别，骑一匹梅花鹿逍遥远去，没有了血缘的羁绊，无来处无归途，自由自在，唯有此心，耿耿相随。
而那个仗义执言、一身反骨的少年英雄，成为了一代又一代青少年的守护神。
哪吒——这个由师父太乙真人起的名字，曾经被一支年轻的摇滚乐队化为己用。他们在一首名为《闹海》的歌里唱道：
忧郁的孩子们别怕，守护着你们的是哪吒，谁要是再来害人定不饶他。
闹海哪吒 - 他在时间门外
近段时间有媒体爆料，超模瞿颖与疑似老公的圈外人携手出门买菜，
之所以被认为是老公而不是男友，是因为被拍到两人似乎在学校接一位小女孩，
看样子很可能是两个人的孩子。
对于这番爆料虽然没有实锤，但网友们对于内容也算是喜闻乐见，
从罗中旭到李亚鹏，再到张亚东，瞿颖都是受伤最深的那个。
在与张亚东十一年的感情结束后也算是获得了新生，
当初敢爱敢恨的她为何会在张亚东身上停留十一年呢？
又是什么让并不相信婚姻的她对家庭有了向往？
在大众的眼中，超模应当是T台上高冷的女王，可瞿颖的出现却打破了这个传言，
在2012年的
《百变大咖秀》
中她出色的模仿秀，搞怪的表演，
逗笑的方式获得了最后的冠军。
那时的她还挣扎在与张亚东的恋情之中，那时的她也早已不复当年的辉煌，
说起事业上的痕迹，瞿颖算得上是三栖全面发展，
最早让人熟知的便是继巩俐之后
“谋女郎”
的身份。
大家都知道张艺谋的电影大多是乡村题材，从底层人物生活中反映深层次的社会问题，
当然也就会有很多人认为他拍不了现代戏，
金星就曾吐槽他如果来拍摄都市剧会不会把握不到节奏而翻车。
这时候，瞿颖的出现不止成就了自己，更成就了张艺谋的新风格。
在与姜文合作的
《有话好好说》
中，
张艺谋带有陕西味道的风格造就了那句经典
“安红，俺想你。”
瞿颖也因这部戏一夜爆红，登上事业顶峰。
但或许是这其中的一个小插曲，让瞿颖在接下来的演艺事业上遭到了滑铁卢。
瞿颖是模特出道，刚从省艺校毕业后就认识了自己的初恋男友邹雄，
那时的她正经历了父母离婚，青春萌动的时期便对爱情不抱太大的希望。
虽然心底支持父母的决定，也希望她们能各自找到自己的幸福，
但代价终究是成为单亲家庭，此时的男友用温暖的追求感动了她。
邹雄的父母也是摄影师，同时还是演员，
为了能让女友在事业上能有所发展，便通过关系让瞿颖进入了琪琴高娃的剧组。
成为
《不要问我从哪里来》
的女主角，为她打开了影视界的大门，
有了双方面的加持，很快便在娱乐圈开始崭露头角，各种模特的拍摄邀约也接踵而来。
初恋的美好就在于，为恋人的付出几乎不求任何回报，
那样纯真无暇的爱，却成了瞿颖唯一一次的经历。
两人家长也见了，是时候谈婚论嫁了，
可这时候事业刚刚起步的瞿颖退缩了，她想再拼一把，将事业稳住。
可在男友的眼中这或许就成了感情变淡的表现，
一旦有了隔阂，两人的恋爱也必然会走到尽头。
瞿颖不会想到，这次的分手，让她在后来的感情中一次次的成为了邹雄。
在张艺谋的剧组中，瞿颖多次被前辈们觉得不思进取，没有眼力见。
大家都知道谋女郎的名号能为自己带来什么，哪怕是一个配角也值得自己奋力追求。
于是很多新人小白一下戏就会搬个小马扎坐在导演旁边，一副好学生听从教诲的模样，
偏偏只有瞿颖每次拍完后拿起外套就走，丝毫没有停留。
对于这样的举动总会有人产生些微词，
在后来的节目中瞿颖说起这段大方的表示，自己当时的举动的确算不上好。
一个是因为那时的她已经有了一点名气，
很多杂志拍摄的通告需要去赶着赚钱，也就没顾得上留在片场多学点东西。
况且那时候她对于张艺谋的神奇之处还真不太了解，如今想起来也是有些后悔。
但这并不妨碍她的好人缘，在剧组中十分活跃开朗。
为了表现都市的浮躁，导演让摄影师全程用肩膀扛着，
最后小伙子累得直喘气不停地发抖，不知谁开玩笑说了句：
“我怎么闻到一股屎味儿。”
大家立刻笑成一团，瞿颖的笑声最为爽朗。
成名后，T台有了，荧幕有了，歌坛也该雨露均沾。
然而对瞿颖来说最神奇的便是，她这一生发行了这么多专辑，
却只有一首
《加速度》
火爆全国，其他的全都石沉大海。
也正是在歌坛闯荡时，她遇见了罗中旭。
虽然是男方主动追求，但瞿颖也表示过，自己一直比较被动，
敢追自己的人并不多，于是只要有合适的自己就会同意。
可不得不说，对待感情，瞿颖一直付出得十分认真，
在罗中旭车祸住院的时候瞿颖丢下工作前去照顾，所作所为可谓仁至义尽。
可在伤情好转后，恋情也迎来了转折，
想要在歌坛复出就要恢复单身，总之在感情生变的时候，瞿颖毫不犹豫地转身离开。
在金星节目上瞿颖表示自己的恋情一直没断过，
分了一个就再谈一个，于是走了一个罗中旭就来了一个李亚鹏。
对于李亚鹏的历届前任想必大家都十分清楚，
哪怕瞿颖付出再多的感情也比不上周迅的出现。
但不得不说，瞿颖对于这段感情还是十分触动，
毕竟李亚鹏追女友的方式可是被周迅评价为
但分手时瞿颖还是狠狠地瞪了对方一眼，
事后李亚鹏回忆起来表示自己那时候甚至不敢看她的眼睛。
“我们好着呢。”
在张亚东身上，瞿颖似乎不一样了，
这段恋情里瞿颖不止一次地表示自己马上就要结婚了，
却迟迟没能看到行动，网友们便猜测问题可能出在张亚东身上。
果不其然，在2016年两人正式分手，各自寻找属于自己的幸福。
瞿颖虽然在感情中失去了很多，但她的性格不容许她自哀自怨，
她没有了过去的光芒，便去参加百变秀用搞怪来逗乐观众。
只有一首成名曲她便让自己每一次演唱都不厌其烦，全力以赴。
没有自己想看的风景，那便出趟国，
这样的明星谁不喜欢，如果真的有了新的家庭和儿女，应当是最好的结局。
唯一的那首成名歌也成了她一生的真实写照：
“我不要祝福，不理会孤独，让我们坚定一些，就不会在乎那一切。”
之所以被认为是老公而不是男友，是因为被拍到两人似乎在学校接一位小女孩，
看样子很可能是两个人的孩子。
对于这番爆料虽然没有实锤，但网友们对于内容也算是喜闻乐见，
从罗中旭到李亚鹏，再到张亚东，瞿颖都是受伤最深的那个。
在与张亚东十一年的感情结束后也算是获得了新生，
当初敢爱敢恨的她为何会在张亚东身上停留十一年呢？
又是什么让并不相信婚姻的她对家庭有了向往？
在大众的眼中，超模应当是T台上高冷的女王，可瞿颖的出现却打破了这个传言，
在2012年的
《百变大咖秀》
中她出色的模仿秀，搞怪的表演，
逗笑的方式获得了最后的冠军。
那时的她还挣扎在与张亚东的恋情之中，那时的她也早已不复当年的辉煌，
说起事业上的痕迹，瞿颖算得上是三栖全面发展，
最早让人熟知的便是继巩俐之后
“谋女郎”
的身份。
大家都知道张艺谋的电影大多是乡村题材，从底层人物生活中反映深层次的社会问题，
当然也就会有很多人认为他拍不了现代戏，
金星就曾吐槽他如果来拍摄都市剧会不会把握不到节奏而翻车。
这时候，瞿颖的出现不止成就了自己，更成就了张艺谋的新风格。
在与姜文合作的
《有话好好说》
中，
张艺谋带有陕西味道的风格造就了那句经典
“安红，俺想你。”
瞿颖也因这部戏一夜爆红，登上事业顶峰。
但或许是这其中的一个小插曲，让瞿颖在接下来的演艺事业上遭到了滑铁卢。
瞿颖是模特出道，刚从省艺校毕业后就认识了自己的初恋男友邹雄，
那时的她正经历了父母离婚，青春萌动的时期便对爱情不抱太大的希望。
虽然心底支持父母的决定，也希望她们能各自找到自己的幸福，
但代价终究是成为单亲家庭，此时的男友用温暖的追求感动了她。
邹雄的父母也是摄影师，同时还是演员，
为了能让女友在事业上能有所发展，便通过关系让瞿颖进入了琪琴高娃的剧组。
成为
《不要问我从哪里来》
的女主角，为她打开了影视界的大门，
有了双方面的加持，很快便在娱乐圈开始崭露头角，各种模特的拍摄邀约也接踵而来。
初恋的美好就在于，为恋人的付出几乎不求任何回报，
那样纯真无暇的爱，却成了瞿颖唯一一次的经历。
两人家长也见了，是时候谈婚论嫁了，
可这时候事业刚刚起步的瞿颖退缩了，她想再拼一把，将事业稳住。
可在男友的眼中这或许就成了感情变淡的表现，
一旦有了隔阂，两人的恋爱也必然会走到尽头。
瞿颖不会想到，这次的分手，让她在后来的感情中一次次的成为了邹雄。
在张艺谋的剧组中，瞿颖多次被前辈们觉得不思进取，没有眼力见。
大家都知道谋女郎的名号能为自己带来什么，哪怕是一个配角也值得自己奋力追求。
于是很多新人小白一下戏就会搬个小马扎坐在导演旁边，一副好学生听从教诲的模样，
偏偏只有瞿颖每次拍完后拿起外套就走，丝毫没有停留。
对于这样的举动总会有人产生些微词，
在后来的节目中瞿颖说起这段大方的表示，自己当时的举动的确算不上好。
一个是因为那时的她已经有了一点名气，
很多杂志拍摄的通告需要去赶着赚钱，也就没顾得上留在片场多学点东西。
况且那时候她对于张艺谋的神奇之处还真不太了解，如今想起来也是有些后悔。
但这并不妨碍她的好人缘，在剧组中十分活跃开朗。
为了表现都市的浮躁，导演让摄影师全程用肩膀扛着，
最后小伙子累得直喘气不停地发抖，不知谁开玩笑说了句：
“我怎么闻到一股屎味儿。”
大家立刻笑成一团，瞿颖的笑声最为爽朗。
成名后，T台有了，荧幕有了，歌坛也该雨露均沾。
然而对瞿颖来说最神奇的便是，她这一生发行了这么多专辑，
却只有一首
《加速度》
火爆全国，其他的全都石沉大海。
也正是在歌坛闯荡时，她遇见了罗中旭。
虽然是男方主动追求，但瞿颖也表示过，自己一直比较被动，
敢追自己的人并不多，于是只要有合适的自己就会同意。
可不得不说，对待感情，瞿颖一直付出得十分认真，
在罗中旭车祸住院的时候瞿颖丢下工作前去照顾，所作所为可谓仁至义尽。
可在伤情好转后，恋情也迎来了转折，
想要在歌坛复出就要恢复单身，总之在感情生变的时候，瞿颖毫不犹豫地转身离开。
在金星节目上瞿颖表示自己的恋情一直没断过，
分了一个就再谈一个，于是走了一个罗中旭就来了一个李亚鹏。
对于李亚鹏的历届前任想必大家都十分清楚，
哪怕瞿颖付出再多的感情也比不上周迅的出现。
但不得不说，瞿颖对于这段感情还是十分触动，
毕竟李亚鹏追女友的方式可是被周迅评价为
但分手时瞿颖还是狠狠地瞪了对方一眼，
事后李亚鹏回忆起来表示自己那时候甚至不敢看她的眼睛。
“我们好着呢。”
在张亚东身上，瞿颖似乎不一样了，
这段恋情里瞿颖不止一次地表示自己马上就要结婚了，
却迟迟没能看到行动，网友们便猜测问题可能出在张亚东身上。
果不其然，在2016年两人正式分手，各自寻找属于自己的幸福。
瞿颖虽然在感情中失去了很多，但她的性格不容许她自哀自怨，
她没有了过去的光芒，便去参加百变秀用搞怪来逗乐观众。
只有一首成名曲她便让自己每一次演唱都不厌其烦，全力以赴。
没有自己想看的风景，那便出趟国，
这样的明星谁不喜欢，如果真的有了新的家庭和儿女，应当是最好的结局。
唯一的那首成名歌也成了她一生的真实写照：
“我不要祝福，不理会孤独，让我们坚定一些，就不会在乎那一切。”
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