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《心》稻盛和夫：相由心生，境随心转
最近，同事都说我变了，不再似前段时间闷闷不乐，焦虑不安，变得开心了。工作上也频频得到领导的表扬。而这一切仅仅只是因为我的工作思维方式发生了改变，以致于自己的心态也改变了，却意外地使周围的境况焕然一新。
这大概就是稻盛和夫在书籍《心：稻盛和夫的一生嘱托》（以下简称“心”）中说得“相由生心，境随心转”，即我们人生中的一切事物都由我们的内心所塑造，内心的想法可以影响和改变我们周围的环境。
稻盛和夫是谁？
他是商界中一位具有传奇色彩的人物，也是无数商界大佬们崇拜的对象。
他27岁创办了京瓷，他52岁创办了第二电电企（KDDI），并将它们打造成了世界500强企业。更让人崇拜的是，他78岁临危受命，重新出山，接手濒临破产重组的日航，并使之扭亏为盈。
到底是什么让他从一无所有到建立起自己的商业帝国。或许我们可以从《心》这本书中找到答案。
一、感恩之心：不管好坏，都要心存感谢
当面对不如人意的现实时，我们往往会发牢骚，会愤愤不平。这时候再来要求我们拥有感恩之心，说声感谢应该很难吧。
殊不知，这些牢骚、不满兜兜转转，还是会回到自己身上，导致自己的境遇进一步恶化。
记得有段时间我经常被领导批评，每次被批评后，我的心情都非常低落，很难进入工作状态，导致当天的任务无法完成。次日，又因此被批评。如此循环，生活中也受到了影响，结果没有一件事情的进展是顺利的。
无奈之下，我找到了自己的老师，和老师沟通了后，她告诉我是因为自己太过在意别人的眼光，有些事情只要自己尽力了，结果有时不用太在意。
于是，我改变了自己的心态，坦然接受了努力后的结果，不管结果好与坏，一旦出来，就尽快将目光放到下一件事情上面，全心投入其中。这样下来，自己的工作越来越顺利，最终也成功的升职加薪了。
这样看来，不管遇到好事还是坏事，我们都要学会感恩，要说一声谢谢。
而这个谢谢可能与我们理解的谢谢不同，书中对“谢谢”这个词做出的解释是“难得拥有的”，也就是“难得发生的事情居然发生了”。我们活在世上所经历的事情，其实全都是“难得拥有的”事情。
我们的人生就是由这一场又一场“难得拥有的”事情组成的。
那怎样才能拥有一颗感恩之心呢？
书中有提到一点，当灾难到来时，如果我们的心态不对，就可能唤来更大的灾难。避免这一点的方法就是“愉快”地接受灾难。
比如，今年过春节时，我去朋友家，不小心被她的小孩用笔将手划伤了。我当时却在想还好只是手上受伤了，如果是一开始抱着小孩时被划伤，说不定就是脸上划伤了。甚至，我还想到以后家里有小孩是一定要注意这类东西的收拾。这样想着还真是要心怀感谢，因为自己从中学到了一些东西。
所以，不管现在如何，我们都要相信它不可能永远持续下去。自己要学会用积极的态度接受一切，并加以感谢，自己的生活就会变得更加幸福美好。
二、利他之心：做自己力所能及的事，无关事情大小
作者从少年时代起，经历青年时代，一直到踏入社会，做什么事情都不顺利，一度觉得自己的人生是挫折和失望的连续。但却发现有件事情却极其顺利，那就是高中时代出于帮扶家计、守护家人而做的纸袋行商。
这就是从“关爱他人”出发的行为，也就是“利他行为”。这种情况下，事情自然就会朝着好的方向发展。
记得去年河南受灾时，快“倒闭”的鸿星尔克捐了5000万，直播间把心酸的网友笑哭了。为此，很多网友涌入直播间购买产品，甚至很多地区的门店产品也卖断货。这就是利他行为产生的力量。
可能我们会觉得自己的力量太小，做出利他的行为几率不大。殊不知，有些利他行动在自然而然间就完成了。
比如，生活中，当我们的家人不开心时，我们会想尽办法让对方高兴，甚至为此还会做自己从未做过的“傻事”；比如，工作中，当我们和他人同事合作时，行动之前，我们需要考虑对方所负责的部分，再看看自己怎样做能减少对方的压力；再比如，企业在做产品研发和宣传时，所运用的“用户思维”。
这些行为都是源自于生活中的行为，都是有利于他人。所以，不管事情多么细小，只要我们有心，都是利他行为，都是值得我们去认真对待。
写到这里，我们可能会有这种担忧，担心遇到心怀恶意的人利用我们的“利他之心”。此时，我们是不是也要以其人之道，还其人之身呢？一旦我们这样做了，我们就会变得与他们同样的水准。
最好的办法，就如同作者所说，远离他，不与他发生关系。如果交往后对他心生疑虑，那就找个理由不再与他见面。如果他想加害于我们，那就坚决断绝关系，一概不再与之交往。如果避免不了，需要交往，只要我们不去附和他们，也不去对抗他们，他们不久就会静静地离去。
三、强大之心：成就未来
京瓷从一家小小的街道工厂起步，逐渐引起国内外的瞩目，最后实现了飞跃性发展，其契机是从IBM那里拿到了大订单。但这大订单却是三年多炼狱般苦难的开始。如果不是作者拥有强大之心，永不放弃，哪有后来巨大的成功。
这也让作者明白了一个道理，“觉得不行的时候才是工作的开始”。正因为情况困难，所以才要相信局面必能打开，一味向前，这时候，命运之门就会开启。
比如，面对领导布置的新任务时，我们第一时间想到的不是怎样拒绝，而是应该积极主动地想办法解决。哪怕工作结果不好，只要我们吸取经验，下次再遇到同类问题时，我们就能顺利完成。长久下去，我们就会发现原来有些工作并不是自己想象中的那么困难。也就是说面对新任务或者困难的任务时，难是正常的，关键是我们以什么样的状态去面对。是迎难而上？还是知难而退？不同的选择决定了不同的结果。
记得前段时间，有位小姐妹来报喜，说是收到了自己中意公司的offer，而这一切都要功归于过往公司的经历。同时，也要感谢自己在面对各种困难时，选择迎难而上，勇往直前。这种态度成就了现在的自己。
大家都听过滴水穿石的典故，只要水滴无休无止落下，哪怕是面对巨大且坚硬的岩石，最终也能洞穿岩石。所以，请相信我们的能力也是无限的，只要我们带着如此坚强的意志持续努力，不管做什么事业，都一定能“杀出一条血路”。
写在最后：
就是以上看上去很简单的“心”，却蕴藏着人生转机的力量。如果此时的你正在寻找一生幸福的秘诀，不妨打开这本书《心》，里面还有更多的“心”等着我们去探索。
也许在看第一次的时候，我们会觉得它就是一本鸡汤文，但多阅读几次就会发现它真的很不错，道理很简单，却值得我们用一生的时间去思考，去实践。
《心》稻盛和夫：相由心生，境随心转
最近，同事都说我变了，不再似前段时间闷闷不乐，焦虑不安，变得开心了。工作上也频频得到领导的表扬。而这一切仅仅只是因为我的工作思维方式发生了改变，以致于自己的心态也改变了，却意外地使周围的境况焕然一新。
这大概就是稻盛和夫在书籍《心：稻盛和夫的一生嘱托》（以下简称“心”）中说得“相由生心，境随心转”，即我们人生中的一切事物都由我们的内心所塑造，内心的想法可以影响和改变我们周围的环境。
稻盛和夫是谁？
他是商界中一位具有传奇色彩的人物，也是无数商界大佬们崇拜的对象。
他27岁创办了京瓷，他52岁创办了第二电电企（KDDI），并将它们打造成了世界500强企业。更让人崇拜的是，他78岁临危受命，重新出山，接手濒临破产重组的日航，并使之扭亏为盈。
到底是什么让他从一无所有到建立起自己的商业帝国。或许我们可以从《心》这本书中找到答案。
一、感恩之心：不管好坏，都要心存感谢
当面对不如人意的现实时，我们往往会发牢骚，会愤愤不平。这时候再来要求我们拥有感恩之心，说声感谢应该很难吧。
殊不知，这些牢骚、不满兜兜转转，还是会回到自己身上，导致自己的境遇进一步恶化。
记得有段时间我经常被领导批评，每次被批评后，我的心情都非常低落，很难进入工作状态，导致当天的任务无法完成。次日，又因此被批评。如此循环，生活中也受到了影响，结果没有一件事情的进展是顺利的。
无奈之下，我找到了自己的老师，和老师沟通了后，她告诉我是因为自己太过在意别人的眼光，有些事情只要自己尽力了，结果有时不用太在意。
于是，我改变了自己的心态，坦然接受了努力后的结果，不管结果好与坏，一旦出来，就尽快将目光放到下一件事情上面，全心投入其中。这样下来，自己的工作越来越顺利，最终也成功的升职加薪了。
这样看来，不管遇到好事还是坏事，我们都要学会感恩，要说一声谢谢。
而这个谢谢可能与我们理解的谢谢不同，书中对“谢谢”这个词做出的解释是“难得拥有的”，也就是“难得发生的事情居然发生了”。我们活在世上所经历的事情，其实全都是“难得拥有的”事情。
我们的人生就是由这一场又一场“难得拥有的”事情组成的。
那怎样才能拥有一颗感恩之心呢？
书中有提到一点，当灾难到来时，如果我们的心态不对，就可能唤来更大的灾难。避免这一点的方法就是“愉快”地接受灾难。
比如，今年过春节时，我去朋友家，不小心被她的小孩用笔将手划伤了。我当时却在想还好只是手上受伤了，如果是一开始抱着小孩时被划伤，说不定就是脸上划伤了。甚至，我还想到以后家里有小孩是一定要注意这类东西的收拾。这样想着还真是要心怀感谢，因为自己从中学到了一些东西。
所以，不管现在如何，我们都要相信它不可能永远持续下去。自己要学会用积极的态度接受一切，并加以感谢，自己的生活就会变得更加幸福美好。
二、利他之心：做自己力所能及的事，无关事情大小
作者从少年时代起，经历青年时代，一直到踏入社会，做什么事情都不顺利，一度觉得自己的人生是挫折和失望的连续。但却发现有件事情却极其顺利，那就是高中时代出于帮扶家计、守护家人而做的纸袋行商。
这就是从“关爱他人”出发的行为，也就是“利他行为”。这种情况下，事情自然就会朝着好的方向发展。
记得去年河南受灾时，快“倒闭”的鸿星尔克捐了5000万，直播间把心酸的网友笑哭了。为此，很多网友涌入直播间购买产品，甚至很多地区的门店产品也卖断货。这就是利他行为产生的力量。
可能我们会觉得自己的力量太小，做出利他的行为几率不大。殊不知，有些利他行动在自然而然间就完成了。
比如，生活中，当我们的家人不开心时，我们会想尽办法让对方高兴，甚至为此还会做自己从未做过的“傻事”；比如，工作中，当我们和他人同事合作时，行动之前，我们需要考虑对方所负责的部分，再看看自己怎样做能减少对方的压力；再比如，企业在做产品研发和宣传时，所运用的“用户思维”。
这些行为都是源自于生活中的行为，都是有利于他人。所以，不管事情多么细小，只要我们有心，都是利他行为，都是值得我们去认真对待。
写到这里，我们可能会有这种担忧，担心遇到心怀恶意的人利用我们的“利他之心”。此时，我们是不是也要以其人之道，还其人之身呢？一旦我们这样做了，我们就会变得与他们同样的水准。
最好的办法，就如同作者所说，远离他，不与他发生关系。如果交往后对他心生疑虑，那就找个理由不再与他见面。如果他想加害于我们，那就坚决断绝关系，一概不再与之交往。如果避免不了，需要交往，只要我们不去附和他们，也不去对抗他们，他们不久就会静静地离去。
三、强大之心：成就未来
京瓷从一家小小的街道工厂起步，逐渐引起国内外的瞩目，最后实现了飞跃性发展，其契机是从IBM那里拿到了大订单。但这大订单却是三年多炼狱般苦难的开始。如果不是作者拥有强大之心，永不放弃，哪有后来巨大的成功。
这也让作者明白了一个道理，“觉得不行的时候才是工作的开始”。正因为情况困难，所以才要相信局面必能打开，一味向前，这时候，命运之门就会开启。
比如，面对领导布置的新任务时，我们第一时间想到的不是怎样拒绝，而是应该积极主动地想办法解决。哪怕工作结果不好，只要我们吸取经验，下次再遇到同类问题时，我们就能顺利完成。长久下去，我们就会发现原来有些工作并不是自己想象中的那么困难。也就是说面对新任务或者困难的任务时，难是正常的，关键是我们以什么样的状态去面对。是迎难而上？还是知难而退？不同的选择决定了不同的结果。
记得前段时间，有位小姐妹来报喜，说是收到了自己中意公司的offer，而这一切都要功归于过往公司的经历。同时，也要感谢自己在面对各种困难时，选择迎难而上，勇往直前。这种态度成就了现在的自己。
大家都听过滴水穿石的典故，只要水滴无休无止落下，哪怕是面对巨大且坚硬的岩石，最终也能洞穿岩石。所以，请相信我们的能力也是无限的，只要我们带着如此坚强的意志持续努力，不管做什么事业，都一定能“杀出一条血路”。
写在最后：
就是以上看上去很简单的“心”，却蕴藏着人生转机的力量。如果此时的你正在寻找一生幸福的秘诀，不妨打开这本书《心》，里面还有更多的“心”等着我们去探索。
也许在看第一次的时候，我们会觉得它就是一本鸡汤文，但多阅读几次就会发现它真的很不错，道理很简单，却值得我们用一生的时间去思考，去实践。
#斯科塞斯长文解释评论漫威# 导演马丁·斯科塞斯在《纽约时报》发表长文，详细解释他引起了巨大反响的“漫威电影不是电影(cinema)”言论：他说这话到底是什么意思，他对漫威电影、超级英雄片等大片，对如今电影业，到底怎么看。老马丁说：光写下这些，就让他非常伤心。
斯科塞斯《纽约时报》文章《我说漫威电影不是电影，让我解释》全文：
十月初，我在英国接受了《帝国》杂志采访，被问到的问题之一是关于漫威电影的。我回答了。我当时说：我试着去看了几部漫威电影，但它们不适合我，它们在我看来似乎和主题公园更为接近，而非我这一生所熟知和热爱的电影(movie)，最后我说我不认为它们是电影(cinema，指电影、电影工业和制作电影的各种艺术、技巧，定义和最宽泛的movie有不同)。
一些人似乎关注到了我答案中的最后一句话，认为这句话是侮辱，或者作为我仇恨漫威的证据。如果任何人想要把我的话这么去理解，我没有任何办法去阻止他们这么想。
很多系列电影都是由非常有才华和艺术造诣的人们打造的。这一点你可以在大银幕上看出来的。这些电影提不起我的兴趣，是因个人喜好和性情所致。我知道如果我年轻一些，如果我更晚一些成年，我可能会为这些电影所兴奋，甚至可能想要自己去拍一部。但我就是在我所处的那个年代长大成年，并发展了一套我自己对电影的认知——关于电影是什么，以及可以做到什么样子。而我认知的电影和漫威宇宙的距离，就好比我们地球到天上的半人马座阿尔法星那样远。
对我，对我喜爱和尊敬的电影人们，以及对和我大约同期开始拍电影的朋友们来说，电影(cinema)讲的是“启示”——美学、情感和精神上的启示；讲的是“角色”——人的复杂性和他们充满反差、有时甚至自相矛盾的本性，他们能彼此伤害、彼此相爱，又能突然直面自我的那种方式。
它讲的是在银幕上遭遇我们意想不到的东西，来自被它所戏剧化进行诠释的现实生活，并进一步拓宽电影这种艺术形式的可能性。
这对我们来说是关键所在：它是一种艺术形式。关于这个问题过去曾有过争论，我们出力去支持电影(cinema)，认为其和文学、音乐和舞蹈是平等的。我们也逐渐明白，这种艺术可以存在于不同的地方，有不同的样式—— 塞缪尔·富勒的《钢盔》、英格玛伯格曼的《假面》、斯坦利·多南和吉恩·凯利的《好天气》，肯尼思·安格的《天蝎星升起》、让-吕克·戈达尔的《随心所欲》，以及唐·希格尔的《财色惊魂》，它们都是。
又或者是阿尔弗雷德·希区柯克的电影——我想你可以说，希区柯克他自成一套“系列电影(franchise，即如今的漫威电影宇宙等规模广大的系列电影)”。或者说，那时候他就是我们的“系列电影”。每部新的希区柯克电影都是一部“大事件电影(event film，如今指能造成很大影响的大片)”。在一家老戏院中挤得满满当当的房间里看《后窗》，那是一场非凡的体验，是观众和电影之间的化学反应催生的一出大事件，一场石火电光。
从某种程度上来说，某些希区柯克电影也像主题公园，我想到的是《火车怪客》，这部电影的高潮就发生在一座真正的游乐园的旋转木马上。还有《惊魂记》，我是在首映当天的午夜场看的，那次体验我此生永远不会忘记。人们去看这场电影，是想要得到惊吓/惊喜，得到刺激，他们也并没有失望。
六七十年后，我们依旧在看这些电影，并为之惊叹。但我们一遍一遍回头去重看的，是那些刺激、那些惊吓吗？我想不是。《西北偏北》的经典段落固然绝妙，但少了故事核心中那些让人心痛的情感，或者加里·格兰特角色绝对的失落感，它们不过是一系列充满动感的、优美的镜头组合和剪切。
《火车怪客》的高潮也是技艺高超的，但让现在的观众产生共鸣的是两位主角的互动和互相作用，以及罗伯特·沃克那让人深深不安的演绎。
有人说希区柯克的电影也有点千篇一律，或许真的是这样——希区柯克自己都好奇过这个问题。但是当下那些大系列电影的“千篇一律”又是另一回事了。很多在我看来定义电影(cinema)的元素在漫威电影中都能找到。但它们没有“启示”，没有悬疑(mystery)，没有真正的情感上的危险感。没有任何风险。制作这些电影，是为了满足一些特定的需求，它们被设计为有限的几个主题的各种变体。
它们名义上是续集，但在内核上更像是翻拍，电影中的一切都需要片方批准，它其实不能走到任何另外的方向。这就是当代电影系列的本质：经过市场调研、观众检验、审查、修改、再审查、再修改，直到它们可以投入消费。
换一种说法是，它们，和保罗·托马斯·安德森、克莱尔·德尼、斯派克·李、阿里·艾斯特、凯瑟琳·毕格罗，或者韦斯·安德森的电影完全*不同*。当我在看这些导演的电影时，我知道我将会看到一些绝对新鲜的东西，会经历意想不到、甚至无以名状的体验。我对“用移动的画面和声音讲故事的可能性”的认知会被拓宽。
因此，你可能会问我，我到底要干嘛？为什么就不能不去打扰超级英雄电影和其他大系列电影？原因很简单。在这个国家和全球的很多地方，如果你想要在大银幕上看点什么，大系列电影目前是你最主要的选择。现在，电影放映业处在危机之中，如今的独立影院是史上最少。公式已被反转，流媒体已变成了当下最主要的输送系统。但，我认识的电影人中，依旧是每一个人都想为大银幕设计自己的电影，都想在电影院放映给观众看。
这包括我自己。而且我是以“一个刚刚为Netflix完成了一部电影的人”的立场来说这样的话。网飞，也仅仅只有网飞，允许我们按照我们需要的方式去拍《爱尔兰人》，因为这个原因，我对他们永远心存感恩。我们这部电影有院线放映窗口期，这很棒。而我想要让它在更多的大银幕上放映更长的时间吗(网飞的电影院线上映规模相对小，窗口期时间也短)？我当然想。但是不管你和谁一起拍电影，现实都是：大多数影院的银幕上充斥的都是大系列电影。
如果你要跟我说，这不过是简单的供需问题，只是给予人们他们想要的东西。我不同意。这是一个“先有鸡还是先有蛋”的问题。如果人们只是被给予一种东西，并持续不断地被兜售这一种东西，他们当然会想要更多的同一种东西。
但你可能会争论，他们就不能直接回家，在网飞或者iTunes或Hulu上看其他东西吗？当然可以——但是那些都是在大银幕之外，而大银幕，是电影人们想要自己的作品被看到的地方。
众所周知，过去的20多年，电影行业在各个领域都发生了变化。但它们中最坏的一个变化是在大家看不到的地方悄悄进行的：一点一点、持续地消除风险。当下的很多电影变成了用于快速消费的完美产品，它们中的很多也都是一群很有才华的人所完成的。共通的一点是，它们缺少cinema最关键的东西：一个独立个体的艺术家的统一视野。原因当然是：独立艺术家是最具风险的因素。
我的意思并不是说电影应该成为一种被资助的艺术形式，或者它们曾经是这样。在好莱坞制片厂系统还运行良好的时候，艺术家和生意人们之间的对立是持续且紧张的，但那是一种能有所产出的对立，催生了一些影史最伟大的电影们——用鲍勃迪伦的话来说，这些电影中的佼佼者“是英雄一般，并富有远见的”。
现在，这种对立已经没有了。这个行业里有些人对艺术毫不关心，对电影的历史既不屑一顾，又觉得它是自己的所有物——这是一个非常致命的组合。让人悲哀的是，现在的境况是我们有两块完全不相干的土地：一是全球性的视听娱乐产品，二是电影(cinema)。这两者偶尔还会发生重叠，但已越来越少。我害怕的是：两者之一在经济上的主导地位，正被用来边缘化甚至贬低另一方的存在。
对任何梦想拍电影或刚刚起步在做电影的人来说，当下的状况是残酷、不利于艺术的。仅仅是写下如上这些言语，已让我心甚哀之。
斯科塞斯《纽约时报》文章《我说漫威电影不是电影，让我解释》全文：
十月初，我在英国接受了《帝国》杂志采访，被问到的问题之一是关于漫威电影的。我回答了。我当时说：我试着去看了几部漫威电影，但它们不适合我，它们在我看来似乎和主题公园更为接近，而非我这一生所熟知和热爱的电影(movie)，最后我说我不认为它们是电影(cinema，指电影、电影工业和制作电影的各种艺术、技巧，定义和最宽泛的movie有不同)。
一些人似乎关注到了我答案中的最后一句话，认为这句话是侮辱，或者作为我仇恨漫威的证据。如果任何人想要把我的话这么去理解，我没有任何办法去阻止他们这么想。
很多系列电影都是由非常有才华和艺术造诣的人们打造的。这一点你可以在大银幕上看出来的。这些电影提不起我的兴趣，是因个人喜好和性情所致。我知道如果我年轻一些，如果我更晚一些成年，我可能会为这些电影所兴奋，甚至可能想要自己去拍一部。但我就是在我所处的那个年代长大成年，并发展了一套我自己对电影的认知——关于电影是什么，以及可以做到什么样子。而我认知的电影和漫威宇宙的距离，就好比我们地球到天上的半人马座阿尔法星那样远。
对我，对我喜爱和尊敬的电影人们，以及对和我大约同期开始拍电影的朋友们来说，电影(cinema)讲的是“启示”——美学、情感和精神上的启示；讲的是“角色”——人的复杂性和他们充满反差、有时甚至自相矛盾的本性，他们能彼此伤害、彼此相爱，又能突然直面自我的那种方式。
它讲的是在银幕上遭遇我们意想不到的东西，来自被它所戏剧化进行诠释的现实生活，并进一步拓宽电影这种艺术形式的可能性。
这对我们来说是关键所在：它是一种艺术形式。关于这个问题过去曾有过争论，我们出力去支持电影(cinema)，认为其和文学、音乐和舞蹈是平等的。我们也逐渐明白，这种艺术可以存在于不同的地方，有不同的样式—— 塞缪尔·富勒的《钢盔》、英格玛伯格曼的《假面》、斯坦利·多南和吉恩·凯利的《好天气》，肯尼思·安格的《天蝎星升起》、让-吕克·戈达尔的《随心所欲》，以及唐·希格尔的《财色惊魂》，它们都是。
又或者是阿尔弗雷德·希区柯克的电影——我想你可以说，希区柯克他自成一套“系列电影(franchise，即如今的漫威电影宇宙等规模广大的系列电影)”。或者说，那时候他就是我们的“系列电影”。每部新的希区柯克电影都是一部“大事件电影(event film，如今指能造成很大影响的大片)”。在一家老戏院中挤得满满当当的房间里看《后窗》，那是一场非凡的体验，是观众和电影之间的化学反应催生的一出大事件，一场石火电光。
从某种程度上来说，某些希区柯克电影也像主题公园，我想到的是《火车怪客》，这部电影的高潮就发生在一座真正的游乐园的旋转木马上。还有《惊魂记》，我是在首映当天的午夜场看的，那次体验我此生永远不会忘记。人们去看这场电影，是想要得到惊吓/惊喜，得到刺激，他们也并没有失望。
六七十年后，我们依旧在看这些电影，并为之惊叹。但我们一遍一遍回头去重看的，是那些刺激、那些惊吓吗？我想不是。《西北偏北》的经典段落固然绝妙，但少了故事核心中那些让人心痛的情感，或者加里·格兰特角色绝对的失落感，它们不过是一系列充满动感的、优美的镜头组合和剪切。
《火车怪客》的高潮也是技艺高超的，但让现在的观众产生共鸣的是两位主角的互动和互相作用，以及罗伯特·沃克那让人深深不安的演绎。
有人说希区柯克的电影也有点千篇一律，或许真的是这样——希区柯克自己都好奇过这个问题。但是当下那些大系列电影的“千篇一律”又是另一回事了。很多在我看来定义电影(cinema)的元素在漫威电影中都能找到。但它们没有“启示”，没有悬疑(mystery)，没有真正的情感上的危险感。没有任何风险。制作这些电影，是为了满足一些特定的需求，它们被设计为有限的几个主题的各种变体。
它们名义上是续集，但在内核上更像是翻拍，电影中的一切都需要片方批准，它其实不能走到任何另外的方向。这就是当代电影系列的本质：经过市场调研、观众检验、审查、修改、再审查、再修改，直到它们可以投入消费。
换一种说法是，它们，和保罗·托马斯·安德森、克莱尔·德尼、斯派克·李、阿里·艾斯特、凯瑟琳·毕格罗，或者韦斯·安德森的电影完全*不同*。当我在看这些导演的电影时，我知道我将会看到一些绝对新鲜的东西，会经历意想不到、甚至无以名状的体验。我对“用移动的画面和声音讲故事的可能性”的认知会被拓宽。
因此，你可能会问我，我到底要干嘛？为什么就不能不去打扰超级英雄电影和其他大系列电影？原因很简单。在这个国家和全球的很多地方，如果你想要在大银幕上看点什么，大系列电影目前是你最主要的选择。现在，电影放映业处在危机之中，如今的独立影院是史上最少。公式已被反转，流媒体已变成了当下最主要的输送系统。但，我认识的电影人中，依旧是每一个人都想为大银幕设计自己的电影，都想在电影院放映给观众看。
这包括我自己。而且我是以“一个刚刚为Netflix完成了一部电影的人”的立场来说这样的话。网飞，也仅仅只有网飞，允许我们按照我们需要的方式去拍《爱尔兰人》，因为这个原因，我对他们永远心存感恩。我们这部电影有院线放映窗口期，这很棒。而我想要让它在更多的大银幕上放映更长的时间吗(网飞的电影院线上映规模相对小，窗口期时间也短)？我当然想。但是不管你和谁一起拍电影，现实都是：大多数影院的银幕上充斥的都是大系列电影。
如果你要跟我说，这不过是简单的供需问题，只是给予人们他们想要的东西。我不同意。这是一个“先有鸡还是先有蛋”的问题。如果人们只是被给予一种东西，并持续不断地被兜售这一种东西，他们当然会想要更多的同一种东西。
但你可能会争论，他们就不能直接回家，在网飞或者iTunes或Hulu上看其他东西吗？当然可以——但是那些都是在大银幕之外，而大银幕，是电影人们想要自己的作品被看到的地方。
众所周知，过去的20多年，电影行业在各个领域都发生了变化。但它们中最坏的一个变化是在大家看不到的地方悄悄进行的：一点一点、持续地消除风险。当下的很多电影变成了用于快速消费的完美产品，它们中的很多也都是一群很有才华的人所完成的。共通的一点是，它们缺少cinema最关键的东西：一个独立个体的艺术家的统一视野。原因当然是：独立艺术家是最具风险的因素。
我的意思并不是说电影应该成为一种被资助的艺术形式，或者它们曾经是这样。在好莱坞制片厂系统还运行良好的时候，艺术家和生意人们之间的对立是持续且紧张的，但那是一种能有所产出的对立，催生了一些影史最伟大的电影们——用鲍勃迪伦的话来说，这些电影中的佼佼者“是英雄一般，并富有远见的”。
现在，这种对立已经没有了。这个行业里有些人对艺术毫不关心，对电影的历史既不屑一顾，又觉得它是自己的所有物——这是一个非常致命的组合。让人悲哀的是，现在的境况是我们有两块完全不相干的土地：一是全球性的视听娱乐产品，二是电影(cinema)。这两者偶尔还会发生重叠，但已越来越少。我害怕的是：两者之一在经济上的主导地位，正被用来边缘化甚至贬低另一方的存在。
对任何梦想拍电影或刚刚起步在做电影的人来说，当下的状况是残酷、不利于艺术的。仅仅是写下如上这些言语，已让我心甚哀之。
#斯科塞斯长文解释评论漫威# 大导演马丁·斯科塞斯(《出租车司机》《华尔街之狼》)在《纽约时报》发表长文，详细解释他引起了巨大反响的“漫威电影不是电影(cinema)”言论。老马丁很真诚地表达了对如今快速消费时代，“精心制作的商品”驱逐走言之有物的艺术的担忧。他说：光写下这些，就让他非常伤心。
斯科塞斯文章《我说漫威电影不是电影，让我解释》全文：
十月初，我在英国接受了《帝国》杂志采访，被问到的问题之一是关于漫威电影的。我回答了。我当时说：我试着去看了几部漫威电影，但它们不适合我，它们在我看来似乎和主题公园更为接近，而非我这一生所熟知和热爱的电影(movie)，最后我说我不认为它们是电影(cinema，指电影、电影工业和制作电影的各种艺术、技巧，定义和最宽泛的movie有不同)。
一些人似乎关注到了我答案中的最后一句话，认为这句话是侮辱，或者作为我仇恨漫威的证据。如果任何人想要把我的话这么去理解，我没有任何办法去阻止他们这么想。
很多系列电影都是由非常有才华和艺术造诣的人们打造的。这一点你可以在大银幕上看出来的。这些电影提不起我的兴趣，是因个人喜好和性情所致。我知道如果我年轻一些，如果我更晚一些成年，我可能会为这些电影所兴奋，甚至可能想要自己去拍一部。但我就是在我所处的那个年代长大成年，并发展了一套我自己对电影的认知——关于电影是什么，以及可以做到什么样子。而我认知的电影和漫威宇宙的距离，就好比我们地球到天上的半人马座阿尔法星那样远。
对我，对我喜爱和尊敬的电影人们，以及对和我大约同期开始拍电影的朋友们来说，电影(cinema)讲的是“启示”——美学、情感和精神上的启示；讲的是“角色”——人的复杂性和他们充满反差、有时甚至自相矛盾的本性，他们能彼此伤害、彼此相爱，又能突然直面自我的那种方式。
它讲的是在银幕上遭遇我们意想不到的东西，来自被它所戏剧化进行诠释的现实生活，并进一步拓宽电影这种艺术形式的可能性。
这对我们来说是关键所在：它是一种艺术形式。关于这个问题过去曾有过争论，我们出力去支持电影(cinema)，认为其和文学、音乐和舞蹈是平等的。我们也逐渐明白，这种艺术可以存在于不同的地方，有不同的样式—— 塞缪尔·富勒的《钢盔》、英格玛伯格曼的《假面》、斯坦利·多南和吉恩·凯利的《好天气》，肯尼思·安格的《天蝎星升起》、让-吕克·戈达尔的《随心所欲》，以及唐·希格尔的《财色惊魂》，它们都是。
又或者是阿尔弗雷德·希区柯克的电影——我想你可以说，希区柯克他自成一套“系列电影(franchise，即如今的漫威电影宇宙等规模广大的系列电影)”。或者说，那时候他就是我们的“系列电影”。每部新的希区柯克电影都是一部“大事件电影(event film，如今指能造成很大影响的大片)”。在一家老戏院中挤得满满当当的房间里看《后窗》，那是一场非凡的体验，是观众和电影之间的化学反应催生的一出大事件，一场石火电光。
从某种程度上来说，某些希区柯克电影也像主题公园，我想到的是《火车怪客》，这部电影的高潮就发生在一座真正的游乐园的旋转木马上。还有《惊魂记》，我是在首映当天的午夜场看的，那次体验我此生永远不会忘记。人们去看这场电影，是想要得到惊吓，得到刺激，他们也并没有失望。
六七十年后，我们依旧在看这些电影，并为之惊叹。但我们一遍一遍回头去重看的，是那些刺激、那些惊吓吗？我想不是。《西北偏北》的经典段落固然绝妙，但少了故事核心中那些让人心痛的情感，或者加里·格兰特角色绝对的失落感，它们不过是一系列充满动感的、优美的镜头组合和剪切。
《火车怪客》的高潮也是技艺高超的，但让现在的观众产生共鸣的是两位主角的互动和互相作用，以及罗伯特·沃克那让人深深不安的演绎。
有人说希区柯克的电影也有点千篇一律，或许真的是这样——希区柯克自己都好奇过这个问题。但是当下那些大系列电影的“千篇一律”又是另一回事了。很多在我看来定义电影(cinema)的元素在漫威电影中都能找到。但它们没有“启示”，没有悬疑(mystery)，没有真正的情感上的危险感。没有任何风险。制作这些电影，是为了满足一些特定的需求，它们被设计为有限的几个主题的各种变体。
它们名义上是续集，但在内核上更像是翻拍，电影中的一切都需要片方批准，它其实不能走到任何另外的方向。这就是当代电影系列的本质：经过市场调研、观众检验、审查、修改、再审查、再修改，直到它们可以投入消费。
换一种说法是，它们，和保罗·托马斯·安德森、克莱尔·德尼、斯派克·李、阿里·艾斯特、凯瑟琳·毕格罗，或者韦斯·安德森的电影完全*不同*。当我在看这些导演的电影时，我知道我将会看到一些绝对新鲜的东西，会经历意想不到、甚至无以名状的体验。我对“用移动的画面和声音讲故事的可能性”的认知会被拓宽。
因此，你可能会问我，我到底要干嘛？为什么就不能不去打扰超级英雄电影和其他大系列电影？原因很简单。在这个国家和全球的很多地方，如果你想要在大银幕上看点什么，大系列电影目前是你最主要的选择。现在，电影放映业处在危机之中，如今的独立影院是史上最少。公式已被反转，流媒体已变成了当下最主要的输送系统。但，我认识的电影人中，依旧是每一个人都想为大银幕设计自己的电影，都想在电影院放映给观众看。
这包括我自己。而且我是以“一个刚刚为Netflix完成了一部电影的人”的立场来说这样的话。网飞，也仅仅只有网飞，允许我们按照我们需要的方式去拍《爱尔兰人》，因为这个原因，我对他们永远心存感恩。我们这部电影有院线放映窗口期，这很棒。而我想要让它在更多的大银幕上放映更长的时间吗(网飞的电影院线上映规模相对小，窗口期时间也短)？我当然想。但是不管你和谁一起拍电影，现实都是：大多数影院的银幕上充斥的都是大系列电影。
如果你要跟我说，这不过是简单的供需问题，只是给予人们他们想要的东西。我不同意。这是一个“先有鸡还是先有蛋”的问题。如果人们只是被给予一种东西，并持续不断地被兜售这一种东西，他们当然会想要更多的同一种东西。
但你可能会争论，他们就不能直接回家，在网飞或者iTunes或Hulu上看其他东西吗？当然可以——但是那些都是在大银幕之外，而大银幕，是电影人们想要自己的作品被看到的地方。
众所周知，过去的20多年，电影行业在各个领域都发生了变化。但它们中最坏的一个变化是在大家看不到的地方悄悄进行的：一点一点、持续地消除风险。当下的很多电影变成了用于快速消费的完美产品，它们中的很多也都是一群很有才华的人所完成的。共通的一点是，它们缺少cinema最关键的东西：一个独立个体的艺术家的统一视野。原因当然是：独立艺术家是最具风险的因素。
我的意思并不是说电影应该成为一种被资助的艺术形式，或者它们曾经是这样。在好莱坞制片厂系统还运行良好的时候，艺术家和生意人们之间的对立是持续且紧张的，但那是一种能有所产出的对立，催生了一些影史最伟大的电影们——用鲍勃迪伦的话来说，这些电影中的佼佼者“是英雄一般，并富有远见的”。
现在，这种对立已经没有了。这个行业里有些人对艺术毫不关心，对电影的历史既不屑一顾，又觉得它是自己的所有物——这是一个非常致命的组合。让人悲哀的是，现在的境况是我们有两块完全不相干的土地：一是全球性的视听娱乐产品，二是电影(cinema)。这两者偶尔还会发生重叠，但已越来越少。我害怕的是：两者之一在经济上的主导地位，正被用来边缘化甚至贬低另一方的存在。
对任何梦想拍电影或刚刚起步在做电影的人来说，当下的状况是残酷、不利于艺术的。仅仅是写下如上这些言语，已让我心甚哀之。
斯科塞斯文章《我说漫威电影不是电影，让我解释》全文：
十月初，我在英国接受了《帝国》杂志采访，被问到的问题之一是关于漫威电影的。我回答了。我当时说：我试着去看了几部漫威电影，但它们不适合我，它们在我看来似乎和主题公园更为接近，而非我这一生所熟知和热爱的电影(movie)，最后我说我不认为它们是电影(cinema，指电影、电影工业和制作电影的各种艺术、技巧，定义和最宽泛的movie有不同)。
一些人似乎关注到了我答案中的最后一句话，认为这句话是侮辱，或者作为我仇恨漫威的证据。如果任何人想要把我的话这么去理解，我没有任何办法去阻止他们这么想。
很多系列电影都是由非常有才华和艺术造诣的人们打造的。这一点你可以在大银幕上看出来的。这些电影提不起我的兴趣，是因个人喜好和性情所致。我知道如果我年轻一些，如果我更晚一些成年，我可能会为这些电影所兴奋，甚至可能想要自己去拍一部。但我就是在我所处的那个年代长大成年，并发展了一套我自己对电影的认知——关于电影是什么，以及可以做到什么样子。而我认知的电影和漫威宇宙的距离，就好比我们地球到天上的半人马座阿尔法星那样远。
对我，对我喜爱和尊敬的电影人们，以及对和我大约同期开始拍电影的朋友们来说，电影(cinema)讲的是“启示”——美学、情感和精神上的启示；讲的是“角色”——人的复杂性和他们充满反差、有时甚至自相矛盾的本性，他们能彼此伤害、彼此相爱，又能突然直面自我的那种方式。
它讲的是在银幕上遭遇我们意想不到的东西，来自被它所戏剧化进行诠释的现实生活，并进一步拓宽电影这种艺术形式的可能性。
这对我们来说是关键所在：它是一种艺术形式。关于这个问题过去曾有过争论，我们出力去支持电影(cinema)，认为其和文学、音乐和舞蹈是平等的。我们也逐渐明白，这种艺术可以存在于不同的地方，有不同的样式—— 塞缪尔·富勒的《钢盔》、英格玛伯格曼的《假面》、斯坦利·多南和吉恩·凯利的《好天气》，肯尼思·安格的《天蝎星升起》、让-吕克·戈达尔的《随心所欲》，以及唐·希格尔的《财色惊魂》，它们都是。
又或者是阿尔弗雷德·希区柯克的电影——我想你可以说，希区柯克他自成一套“系列电影(franchise，即如今的漫威电影宇宙等规模广大的系列电影)”。或者说，那时候他就是我们的“系列电影”。每部新的希区柯克电影都是一部“大事件电影(event film，如今指能造成很大影响的大片)”。在一家老戏院中挤得满满当当的房间里看《后窗》，那是一场非凡的体验，是观众和电影之间的化学反应催生的一出大事件，一场石火电光。
从某种程度上来说，某些希区柯克电影也像主题公园，我想到的是《火车怪客》，这部电影的高潮就发生在一座真正的游乐园的旋转木马上。还有《惊魂记》，我是在首映当天的午夜场看的，那次体验我此生永远不会忘记。人们去看这场电影，是想要得到惊吓，得到刺激，他们也并没有失望。
六七十年后，我们依旧在看这些电影，并为之惊叹。但我们一遍一遍回头去重看的，是那些刺激、那些惊吓吗？我想不是。《西北偏北》的经典段落固然绝妙，但少了故事核心中那些让人心痛的情感，或者加里·格兰特角色绝对的失落感，它们不过是一系列充满动感的、优美的镜头组合和剪切。
《火车怪客》的高潮也是技艺高超的，但让现在的观众产生共鸣的是两位主角的互动和互相作用，以及罗伯特·沃克那让人深深不安的演绎。
有人说希区柯克的电影也有点千篇一律，或许真的是这样——希区柯克自己都好奇过这个问题。但是当下那些大系列电影的“千篇一律”又是另一回事了。很多在我看来定义电影(cinema)的元素在漫威电影中都能找到。但它们没有“启示”，没有悬疑(mystery)，没有真正的情感上的危险感。没有任何风险。制作这些电影，是为了满足一些特定的需求，它们被设计为有限的几个主题的各种变体。
它们名义上是续集，但在内核上更像是翻拍，电影中的一切都需要片方批准，它其实不能走到任何另外的方向。这就是当代电影系列的本质：经过市场调研、观众检验、审查、修改、再审查、再修改，直到它们可以投入消费。
换一种说法是，它们，和保罗·托马斯·安德森、克莱尔·德尼、斯派克·李、阿里·艾斯特、凯瑟琳·毕格罗，或者韦斯·安德森的电影完全*不同*。当我在看这些导演的电影时，我知道我将会看到一些绝对新鲜的东西，会经历意想不到、甚至无以名状的体验。我对“用移动的画面和声音讲故事的可能性”的认知会被拓宽。
因此，你可能会问我，我到底要干嘛？为什么就不能不去打扰超级英雄电影和其他大系列电影？原因很简单。在这个国家和全球的很多地方，如果你想要在大银幕上看点什么，大系列电影目前是你最主要的选择。现在，电影放映业处在危机之中，如今的独立影院是史上最少。公式已被反转，流媒体已变成了当下最主要的输送系统。但，我认识的电影人中，依旧是每一个人都想为大银幕设计自己的电影，都想在电影院放映给观众看。
这包括我自己。而且我是以“一个刚刚为Netflix完成了一部电影的人”的立场来说这样的话。网飞，也仅仅只有网飞，允许我们按照我们需要的方式去拍《爱尔兰人》，因为这个原因，我对他们永远心存感恩。我们这部电影有院线放映窗口期，这很棒。而我想要让它在更多的大银幕上放映更长的时间吗(网飞的电影院线上映规模相对小，窗口期时间也短)？我当然想。但是不管你和谁一起拍电影，现实都是：大多数影院的银幕上充斥的都是大系列电影。
如果你要跟我说，这不过是简单的供需问题，只是给予人们他们想要的东西。我不同意。这是一个“先有鸡还是先有蛋”的问题。如果人们只是被给予一种东西，并持续不断地被兜售这一种东西，他们当然会想要更多的同一种东西。
但你可能会争论，他们就不能直接回家，在网飞或者iTunes或Hulu上看其他东西吗？当然可以——但是那些都是在大银幕之外，而大银幕，是电影人们想要自己的作品被看到的地方。
众所周知，过去的20多年，电影行业在各个领域都发生了变化。但它们中最坏的一个变化是在大家看不到的地方悄悄进行的：一点一点、持续地消除风险。当下的很多电影变成了用于快速消费的完美产品，它们中的很多也都是一群很有才华的人所完成的。共通的一点是，它们缺少cinema最关键的东西：一个独立个体的艺术家的统一视野。原因当然是：独立艺术家是最具风险的因素。
我的意思并不是说电影应该成为一种被资助的艺术形式，或者它们曾经是这样。在好莱坞制片厂系统还运行良好的时候，艺术家和生意人们之间的对立是持续且紧张的，但那是一种能有所产出的对立，催生了一些影史最伟大的电影们——用鲍勃迪伦的话来说，这些电影中的佼佼者“是英雄一般，并富有远见的”。
现在，这种对立已经没有了。这个行业里有些人对艺术毫不关心，对电影的历史既不屑一顾，又觉得它是自己的所有物——这是一个非常致命的组合。让人悲哀的是，现在的境况是我们有两块完全不相干的土地：一是全球性的视听娱乐产品，二是电影(cinema)。这两者偶尔还会发生重叠，但已越来越少。我害怕的是：两者之一在经济上的主导地位，正被用来边缘化甚至贬低另一方的存在。
对任何梦想拍电影或刚刚起步在做电影的人来说，当下的状况是残酷、不利于艺术的。仅仅是写下如上这些言语，已让我心甚哀之。
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